dimanche 23 avril 2017

ANDY PICKFORD: Shadow at the Gate (2017)

1 Shadow at the Gate (Pieces I-V) 1:11:12
2 Shadow at the Gate (Pieces VI-X) 1:11:12
3 Shadow at the Gate (Pieces XI-XV) 1:11:50
4 Drone Alone 14:26

Andy Pickford Music (DDL 3:48:40) ****
(Minimalist, melodic, ambiospherical and slow beats)
Quite impressive this Andy Pickford! Since his comeback in 2015, he made 4 albums with Binar as well as a series of 5 EP, on the bases of the adagio, and finally 4 solo albums among which 2 of an exceptional length of more than 3 hours, though this “Shadow at the Gate” eyes the 4 hours. Too much you will tell me? No, if we are a fan of the AP phenomenon! Old stuff recycled? Absolutely not! And I don't know how he does, but his music acts like a huge ear-worm which makes us simply addicting for each of the 71 minutes that last the 3 main acts of the sonic saga “Shadow at the Gate”. A little as Harmonics in the Silence, “Shadow at the Gate” proposes an immense sound collage rich in tones and in rather dark ambiences on which Andy Pickford grafts rhythms which are situated between a soft Electronica and a more melodious side of the England School with airs as catchy as the rhythms. And the contagion is also crawling as in Harmonics in the Silence. And even more!
That begins with an explosion of sounds. Vaporous fragments and nebulous mists are dragging there. We even hear murmurs and layers of choirs which float above the destruction of the sound elements. Little by little, our sense of hearing perceives a wave quavering while a very nostalgic piano spreads a bed of romance that an Elfish voice surrounds of charm. In the background, the quivering wave becomes a jerky movement. Little by little, the mosaic of "
Shadow at the Gate (Pieces I-V)" takes shape. On a slightly inviting rhythm, the strummed melody circulates with effects of synth which hoot in a quirky and in a sharpy voice. Heavy, slow and finally lively, this first part of "Shadow at the Gate (Pieces I-V)" takes the shape of a good down-tempo which mobilizes our senses with a minimalist approach which leans the 8 minutes. The piano runs out of this sound mass to evaporate in one of these bridges which bind the diverse forms of rhythms of this work as impressive as imposing. Cosmic and supernatural effects dress these sound bridges of a textural wealth which feed this madness of the sounds' eaters whom are, at the base, the lovers of EM. Of this 2nd phonic ashes rise a series of circular sequences of which crystalline tints get melt to some distant riffs of guitar. Straightaway, I insist on writing that, Andy Pickford reveals here his major component, his breathtaking hymn of “Shadow at the Gate”. Ghostly torsades of synth, slow and lively percussions as well as a guitar which throws the gloom as our soul throws of some lest to survive, this wonderful 2nd part of "Shadow at the Gate (Pieces I-V)" is going to obsess you. Tomorrow the day after and even farther to have experienced it. One would say a marriage between Darshan Ambient and AP, so much the mesmerizing melody of the guitar, and its perpetual addicting buckles, cry on a cosmic bed and on a rhythm to rub our belly on that of our loved one. A wonderful cosmic slow dance which lasts beyond the 10 minutes and which we would want still endless. This stage stretches its melody which melts into another bridge of tones and of which the ethereal atmospheres bring us towards a more lively electronic structure. On a hopping rhythm, this 3rd piece of "Shadow at the Gate (Pieces I-V)" is fed by sound elements which circulate as in a gallery of starving specters. AP masters this structure with so many nuances in the tones, avoiding the traps of the minimalist redundancy of the structures which are a little less magnetizing. And it's the strength of Andy Pickford here; the art to measure well and to understand well which moment will be the most attractive for his fans. I would say that the 2nd attraction takes out of a intriguing sound corridor around the 45th minute. On a slow circular rhythm well dosed by good effects of percussions, the sequences shine and sing a melody as well kiss-curl as that of the 2nd part. Shorter, this passage empties its feelings in another soundscape filled with sibylline winds before a solid rhythm machine-gunned by an acid approach ends "Shadow at the Gate (Pieces I-V)".
Embracing the same rules, but in a very thick weaved tonal envelope and which lets filter few oxygen, "
Shadow at the Gate (Pieces VI-X)" evolves between its 5 phases with a crescendo approach always so charmingly. The first structure of rhythm gets up after the 4 minutes and its approach is very cinematographic, that reminds me Geoff Downes in his immortal New Dance Orchestra, with a wall of orchestrations flooded in a very compact sound mass. It's very intense! Another little jewel? We climb until the 16th minute with a heavy slow dance tempo decorated of celestial voices and of azure winds. The electronic effects are always so intense and relegate this bewitching structure in the background, but the charm remains formidable. The 3rd phase of rhythm is in pure England School signed Pickford. The melody is forged on an anvil while the structure of rhythm is sculptured in a meshing of sequences, its stroboscopic shadows, and percussions which skip such as a hip-hop which eats the asphalt of its rebel feet. The whole gets drown, with a fascinating correctness in the timing, into another delicious phase of atmospheres. We get our breath back there because from the 45th minute, "Shadow at the Gate (Pieces VI-X)" offers another jewel of slowly stroboscopic electronic rhythm which is so stuffed in sounds and in tones that it has given me the taste to listen to the hyper attractive and melodious Mike Oldfield's The Song of a Distant Earth (what an album this one is!). The last electronic waltz of "Shadow at the Gate (Pieces VI-X)" ends by a similar approach but with more vigor in the rhythm with a strangely Oldfield guitar in it. To present 2 so solid hours is quite a whole tour de force, so imagine my unbelieving ears when I put "Shadow at the Gate (Pieces XI-XV)" in my Pioneer Elite N50! I won’t go in all the details because the way it is sounds just like to two other tracks, but the superb fluty melody on a slow tempo that much enigmatic drags us into the mazes of EM's enchantments. The synth extirpates a melody more synthesized than the flute which dances in a soundtrack so intense as a heartbreak which goes and comes. The second structure is a tribal intergalactic rave-up always so fed than all these ambient phases which tie-up these rhythmic gyrating crossroads, whereas the third part offers this fabulous spectral and oneiric mixture which encircles the majority of the melodies of “Shadow at the Gate”. The crescendo is very poignant here! After a kind of Acid-House structure (may I have to remind that I am not such a connoisseur in Electronica), "Shadow at the Gate (Pieces XI-XV)" loops the loop with one heavy mid-tempo as devastating as lively. And as if it wasn't enough, Andy Pickford offers a title brought out from nowhere in "Drone Alone"; a long music piece (well kind of...) served on a rather gloomy mood. The rhythm is soft and follows a rather evolutionary bend at the level of its intensity while the fragments of melodies which are grafted here and there go and come with a very reserved approach. The synth sounds like guitar, or vice versa, which shouts in a night jammed by a heavy phonic veil filled with a good dose of emotion. It’s a little bit difficult to survives the 3 monuments of “Shadow at the Gate”, but the very melancholic approach of "Drone Alone" succeeds to shine in this work simply colossal of Andy Pickford.

Sylvain Lupari (April 23rd, 2017)
You will find this album on AP Bandcamp page here


Tout de même assez impressionnant ce Andy Pickford! Depuis son retour en 2015, il a réalisé 4 albums avec Binar ainsi qu'une série de 5 EP, sur les bases de l'adagio, et finalement 4 albums solos dont 2 d'une durée exceptionnelle de plus de 3 heures, même que ce “Shadow at the Gate” lorgne les 4 heures. Trop vous me direz? Non si on est fan du phénomène AP! Des vieux trucs recyclés? Absolument pas! Et je ne sais pas comment il fait, mais sa musique agit comme un immense ver d'oreille qui nous rend tout simplement addictif pour chacune des 71 minutes que dure les 3 principaux actes de la saga sonique “Shadow at the Gate”. Un peu comme Harmonics in the Silence, “Shadow at the Gate” propose un immense collage sonique riche en tons et en ambiances assez sombres auquel Andy Pickford greffe des rythmes, qui se situent entre une douce Électronica et le côté plus mélodieux de l'England School avec des airs aussi accrocheurs que les rythmes. Et la contagion est aussi rampante que dans Harmonics in the Silence. Et même plus!
Ça commence par une explosion de sons. Des fragments vaporeux et des brumes nébuleuses traînent. On entend même des murmures et des nappes de chœurs qui flottent au-dessus la désintégration des éléments sonores. Peu à peu, notre ouïe perçoit une onde chevroter alors qu'un piano très nostalgique étend un lit de romance qu'une voix Elfique entoure d'ensorcellement. En arrière-plan, l'onde tremblotante devient un mouvement saccadé. Peu à peu, la mosaïque de "Shadow at the Gate (Pieces I-V)" prend forme. Sur un rythme légèrement invitant, la mélodie pianotée circule avec des effets de synthé qui ululent d'une voix biscornue et acuité. Lourde, lente et finalement entraînante, cette première portion de “Shadow at the Gate” prend la forme d'un bon down-tempo qui mobilise nos sens avec une approche minimaliste qui accote les 8 minutes. Le piano s'extirpe de cette masse sonique pour s'évaporer dans un de ces ponts qui relient les diverses formes de rythmes de cette œuvre aussi impressionnante qu'imposante. Effets sonores cosmiques et surnaturels habillent ces passerelles sonores d'une richesse texturale qui alimentent cette folie des consommateurs de sons que sont, à la base, les amants de la MÉ. De ces 2ième cendres phoniques s'élèvent une série de séquences circulaires dont les teintes cristallines se fondent à de lointains riffs de guitare. D'emblée j'insiste pour écrire qu'Andy Pickford dévoile ici sa pièce maitresse, son hymne à couper le souffle de “Shadow at the Gate”. Torsades de synthé fantomatiques, percussions lentes et entraînantes et une guitare qui jette le spleen comme notre âme jette du lest pour survivre, cette merveilleuse 2ième partie de "Shadow at the Gate (Pieces I-V)" va vous obséder demain, après-demain et même plus loin pour en avoir fait l'expérience. On dirait un mariage entre Darshan Ambient et AP, tant la mélodie envoûtante de la guitare, et ses sempiternels boucles addictives, pleurent sur un lit cosmique et un rythme à se frotter le ventre sur celui de notre douce moitié. Un superbe slow cosmique qui dure au-delà des 10 minutes et que l'on voudrait encore éternel. Cette étape étire sa mélodie qui se fond à un autre pont de tons et dont les ambiances éthérées nous amènent vers une structure électronique plus vivante. Sur un rythme sautillant, ce 3ième segment de "Shadow at the Gate (Pieces I-V)" est nourri d'éléments soniques qui circulent comme dans une galerie de spectres affamés. AP maîtrise cette structure avec des nuances dans les tons, évitant les pièges de la redondance des structures minimaliste qui sont un peu moins magnétisantes. Et c'est la force d'Andy Pickford ici; l'art de bien doser et de bien comprendre quel moment sera le plus attirant pour ses fans. Je dirais que le 2ième coup de cœur sort d'un intrigant corridor sonique autour de la 45ième minute. Sur un lent rythme circulaire dosé par de bons effets de percussions, des séquences miroitent et chantent une mélodie aussi accroche-cœur que celle de la 2ième partie. Plus court, ce passage vide ses émotions dans un autre paysage sonique bourré de vents sibyllins avant qu'un solide rythme mitraillé par une approche acide termine "Shadow at the Gate (Pieces I-V)".
Épousant les mêmes préceptes, mais dans une enveloppe tonale tissée très drue et qui laisse filtrer peu d'oxygène, "Shadow at the Gate (Pieces VI-X)" évolue entre ses 5 phases avec une approche toujours aussi délicieusement en crescendo. La 1ière structure de rythme se lève après les 4 minutes et son approche est très cinématographique, ça me fait penser à Geoff Downes dans son immortel New Dance Orchestra, avec une muraille d'orchestrations noyée dans une masse sonique très compacte. C'est très intense! Un autre petit bijou? On grimpe jusqu'à la 16ième minute avec un lourd slow tempo orné de voix célestes et de vents azurés. Les effets électroniques sont toujours aussi intenses et relèguent cette structure ensorcelante en arrière-plan, mais le charme reste redoutable. La 3ième phase de rythme est dans le pur England School signé Pickford. La mélodie est forgée sur une enclume alors que la structure de rythme est sculptée dans un maillage de séquences, aux ombres stroboscopiques, et de percussions qui sautillent comme un hip-hop qui mange l'asphalte de ses pieds rebelles. Le tout se noie, avec une fascinante justesse dans le timing, dans une autre délicieuse phases d'ambiances. On y reprend notre souffle car dès la 45ième minute "Shadow at the Gate (Pieces VI-X)" offre un autre bijou de rythme électronique lentement stroboscopique tellement farci en sons et en tons que ça m'a refilé le goût d'entendre l'hyper séduisant et mélodieux The Song of a Distant Earth de Mike Oldfield. La dernière valse électronique de "Shadow at the Gate (Pieces VI-X)" se termine par une approche similaire mais avec plus de vigueur dans le rythme et une guitare étonnamment Oldfield. Présenter 2 heures aussi solides est tout un tour de force, alors imaginez mes oreilles incrédules lorsque j'ai mis "Shadow at the Gate (Pieces XI-XV)" dans mon Pioneer Elite N50! Je n'irai pas dans tous les détails, mais la superbe mélodie flûtée sur un slow tempo aussi énigmatique que cette mélodie nous entraîne dans les labyrinthes d'enchantement de la MÉ. Le synthé extirpe une mélodie plus synthétisée que la flûte qui danse dans une trame sonore aussi intense qu'un chagrin d'amour qui va et vient. La 2ième structure est une fiesta tribale intergalactique toujours aussi nourrie que toutes ces phases d'ambiances qui relient ces carrefours giratoires rythmiques, alors que la 3ième offre ce fabuleux mélange spectral et onirique qui cerne la majorité des mélodies de “Shadow at the Gate”. Le crescendo est très poignant ici. Après une structure du genre Acid-House (je vous rappelle que je ne suis pas un connaisseur en Électronica), "Shadow at the Gate (Pieces XI-XV)" boucle la boucle avec un lourd mid-tempo aussi dévastateur qu'entraînant. Et comme si ce n'était pas assez, Andy Pickford offre un titre sorti de nulle part en "Drone Alone", un long titre servi sur une ambiance un peu ténébreuse. Le rythme est doux et suit une courbe assez évolutive au niveau de son intensité alors que les bribes de mélodies qui se greffent vont et viennent avec une approche très réservée. Le synthé sonne comme une guitare, ou vice-versa, qui pleure dans une nuit encombrée d'un lourd voile phonique imprégné d'une bonne dose d'émotion. C'est un peu difficile de survivre aux 3 monuments de “Shadow at the Gate”, mais l'approche très mélancolique de "Drone Alone" parvient à rayonner dans cette œuvre tout simplement colossal d'Andy Pickford.
Sylvain Lupari (22/04/2017)

jeudi 20 avril 2017

CHRIS RUSSELL: Labyrinth (2017)

“This is quiet music drived by soft and slow moving synth washes and where the remote perfumes of Roach's ambient music style is constantly a recall of how ambient music could be so sweet to hear”
1 The Beginnings 7:49
2 Life's Journey 7:52
3 Dream Fragments 6:22
4 In the Maze 6:25
5 Lunation 9:26
6 The Vision 8:48

Spotted Peccary | SPM-3501 (DDL 46:42) ***½
(Deep ambient music)
Spotted Peccary widens its horizons with albums, a little more complex like the one of Concrete music from Mystified (Morning City) or this very ambient album from Chris Russell, “Labyrinth”, offer only in a downloadable format on SP Bandcamp. This is the very first album from the American musician, who does in the deep relaxation albums, on the American label. I have already heard the music of Chris Russell, who has a dozen albums of made, with Phillip Wilkerson on the very ambient album Vague Traces, also released on Spotted Peccary in 2014. And the least that we can say, Chris Russell is more than comfortable with long winged structures which move in slow motion in a musical universe centered on the quest of oneself. It's moreover in these terms that he qualifies the music of “Labyrinth”; a soundtrack to circling to the center of oneself!
A slow layer arises from the void in order to float over our head. Between perfumes of serenity and those a little more deeply touching from the calm drones, "The Beginnings" undertakes this journey inside our labyrinth of emotions. Two to three synth lines extend like ink clouds over a blotting paper, releasing the beginnings of an opposition, of a contrast, between blue and black and whose fusion depicts the depth of our feelings. Sometimes sibylline, sometimes dreamy and sometimes moving, the music of "The Beginnings" acts as a front door towards a session of Meta meditation, provided that we accept Chris Russell's invitation. Because here the ambient music is very Zen. If layers of a darker, of a deeper nature, like those with scents of organ in "Life's Journey", or more occult, like in the long "Lunation", are springing here and there, the music of “Labyrinth” inhales a peace of mind which would have made the delights of the lovers of the New Age in the 80' and 90's. Especially when we add to it the crackling of a paradisiac fire, "Dream Fragments", which dances under our eyes and sparkles in our ears on an unaccompanied evening on the edge of a lake. With a little of imagination, and a wish to feel it, we can even inhale the smell of the water. "In the Maze" is an ode to serenity with these layers built around translucent tints which espouse a course of clouds under azure winds. If there are essences of Steve Roach's desert atmospheres all over “Labyrinth”, it's in titles such as "In the Maze" and very quiet "The Vision" whom they are the most noticeable.
Not really my genre, I let myself embrace the void with the music of “Labyrinth”. If I was never capable of embracing it, I, on the other hand, have discovered an artist as seducing as Steve Roach when he carries me near the doors to the sleep. It's in my iPod, section night music!

Sylvain Lupari (April 20th, 2017)
You will find this album only on the Bandcamp page of Spotted Peccary here
Spotted Peccary élargit ses horizons en avec des albums un peu plus complexes (Mystified et Morning City) ou très ambiant comme ce tout premier opus de Chris Russell sur la nouvelle division d'albums en format téléchargeable du label américain. J'ai déjà entendu la musique de Chris Russell, qui a une douzaine d'albums au compteur, avec Phillip Wilkerson sur l'album très ambiant Vague Traces, aussi paru sur Spotted Peccary en 2014. Et pour le moins que l'on puisse dire, Chris Russell est plus qu'à l'aise avec de longues structures ailées qui se déplacent au ralenti dans un univers musical axé sur la quête de soi-même. C'est d'ailleurs en ces termes qu’il qualifie la musique de “Labyrinth”; une bande sonore pour circuler au centre de soi-même!
Une lente nappe s'extirpe du vide afin de flotter au-dessus de notre tête. Entre des parfums de sérénité et ceux un peu plus bouleversant de bourdonnements placides, "The Beginnings" entreprend ce voyage à l'intérieur de notre labyrinthe d'émotions. Deux à trois lignes de synthé s'étendent comme des nuages d'encre sur un papier buvard, dégageant la prémices d'une opposition, d'un contraste, entre le bleu et le noir et dont la fusion dépeint la profondeur de nos émotions. Tantôt sibylline, tantôt rêveuse et parfois émouvante, la musique de "The Beginnings" agit comme une porte d'entrée vers une séance de Meta méditation, à condition que l'on accepte l'invitation de Chris Russell. Car ici la musique d'ambiances est très Zen. Si des nappes d'une nature plus sombre, plus profonde, comme celles aux odeurs d'orgue dans "Life's Journey" ou plus occultes, comme dans le long "Lunation", jaillissent ici et là, la musique de “Labyrinth” respire une quiétude qui aurait fait les délices des amants du New Age dans les années 80-90. Surtout lorsque l'on y ajoute les crépitements d'un feu paradisiaque, "Dream Fragments", qui danse sous nos yeux et pétille dans nos oreilles par une soirée en solitaire sur le bord d'un lac. Avec un peu d’imagination, et de vouloir évidemment, on peut même respirer l'odeur de l'eau. "In the Maze" est une ode à la sérénité avec ces nappes aux teintes translucides qui épousent une course des nuages sous des vents azurés. S'il y a des essences des ambiances à la Steve Roach tout partout autour de “Labyrinth”, c'est dans des titres tel que "In the Maze" et le très tranquille "The Vision" qu'ils ressortent le plus….
Pas vraiment dans mon genre, je me suis laissé aller dans le vide avec la musique de “Labyrinth”. Si je n'ai jamais été capable d'embrasser ce vide, j'ai par contre découvert un artiste aussi séduisant que Steve Roach lorsqu'il me porte aux portes du sommeil. C'est dans mon iPod, section musique de nuit!

Sylvain Lupari (20/04/2017)

mercredi 19 avril 2017

SEQUENTIAL DREAMS: The Infinite Divide (2017)

“This has to be the most achieved work of Sequential Dreams which finally blend all those eras of Tangerine Dream into a complete sonic veil which floats for all those who want more of TD”
1 A Geometry of Shadows 9:35
2 Angels at Hades Gates 6:35
3 Breath of Life 6:19
4 Dark Energy 8:47
5 Eternity in a Moment 4:15
6 In Search of Forever 5:55
7 Glittering C-Beams 5:17
8 The Deconstruction of Falling Stars 5:48
9 The Einstein-Rosen Bridge 6:23
10 Distant Sunrise 4:17

Sequential Dreams (CD/DDL 63:03) ****¼
(Electronic Rock & Berlin School)
As prolific as a brook which draws its inspiration down from a fall, Ron Charron delivers us a 2nd opus, the 9th in all, of Sequential Dreams some 3 months after The Exodus Wave. And contrary to this album, “The Infinite Divide” proposes a less rock approach with 10 titles which travel between the various periods of Sequential Dreams' main source of inspiration: Tangerine Dream.
A Geometry of Shadows" opens “The Infinite Divide” with strength! A line of bass sequences runs like a train on a rail of wadding. Little wings of metal spin all around this delicious oscillatory movement that Ron Charron decorates with riffs under the forms of very TD's  layers, of reverberating effects and of delicate fluty melodies. Whereas the percussions plough a cynical weightiness, a guitar, not the one of Bernhard Beibl, grafts harmonious solos of which the tones are situated between Edgar and David Gilmour. More than a simple pastiche of the sound armada of TD, "A Geometry of Shadows" is a good fusion between Pink Floyd and the gang of Froese, Franke and Baumann in an approach which transcends the works of Sequential Dreams up to here. In fact, “The Infinite Divide” is a turning point, a bend in the career of this worldwide band, Chris Peare participated to the elaboration of "A Geometry of Shadows" while Arend Westra contributed to "Breath of Life", with a hyper well-done production and where all the instruments play a very precise role in a collection of titles inspired by the 1000 perfumes of Tangerine Dream and some of Pink Floyd. And even if the line is sometimes thin between EM and Prog music, the Berlin School style, all era reunited, shines here. Inspired from Edgar Froese's rhythms, "Angels at Hades Gates" is a nice combination between the Stuntman and the Beyond the Storm years. The blend between Ron Charron' electric six-strings and his synths is done judiciously, as well as this transition between Macula Transfer and Stratosfear. The rhythm is rather lively and gallops without stress in a beautiful sonic valley molded by nice synth effects and dramatic pads. "Breath of Life" is a pretty cool ballad which floats between clouds of blue mist and some slightly too cute sequences. Sometimes perched on the tears of a plaintive guitar, on the sighs of synth mist or in an enjoyable angelic voice, the seraphic melody travels on the delicate upward rhythm of a movement of sequences which will squeeze a cloud filled of water. It's nice to hear! After an ambient introduction a la Rick Wright in Wish You Were Here, "Dark Energy" proposes a galloping rhythm which slips into a splendid structure of complex rhythm fed by these Chris Franke's hyperactive and radioactive sequences. The guitar is judiciously inserted here.

"Eternity in a Moment" bears well its title name. It's a Rockoon kind of track! I listened to twice, it was enough! Set apart this little faux-pas, according to my ears, the rest of “The Infinite Divide” is simply delectable. Built a little in the same pattern as "Dark Energy", "In Search of Forever" plunges us straight away into the universe of This Park is Mine. The percussions and the sequences are well crafted while the dramatic effects, the riffs of an acoustic guitar and of an electric six-strings form a surprising symbiosis which flows with fluidity. And it's there that I notice the beautiful artistic maturity which Ron Charron shows here. Previously, all these ingredients had a little of difficulty in merging their directions, as rhythmic than harmonious. Here, the exchange between the phases of rhythms and those of the melodies flow pleasantly into a heavy decoration, into a sound decoration full of emotion or of fury. Take the ballad of "Glittering C-Beams" as example, but the furious "The Deconstruction of Falling Stars" stands to my words strongly. As well as the protean and evolutionary structure of "The Einstein-Rosen Bridge" where, in a ferocious rock, are hide beautiful moments of ethereal ambiences. "Distant Sunrise" closes brilliantly what I consider like the best opus of Sequential Dreams. I like to imagine a Ron Charron, the soul very nostalgic, strolling on the carpet of his keyboard the eyes full of hope for a better world and for his personal path. Yes, my friends and readers, “The Infinite Divide” is a very good album of EM armored to the infinity of the essences of Tangerine Dream. I know that there is a lot of those out there, but there is always one who stands out, like this worldwide project of Ron Charron!
Sylvain Lupari (April 19th, 2017)
gutsofdarkness.com & synthsequences.blogspot.ca

You will find this album on the Sequential Dreams Bandcamp page here

Aussi prolifique qu'un ruisseau qui puise son inspiration du haut d'une chute, Ron Charron nous livre un 2ième opus, le 9ième en tout, de Sequential Dreams quelque 3 mois après The Exodus Wave. Et contrairement à cet album, “The Infinite Divide” propose une approche moins rock avec une 10zaine de titres qui voyagent entre les différentes périodes de la principale source d'inspiration de Sequential Dreams; Tangerine Dream.
"A Geometry of Shadows" ouvre “The Infinite Divide” avec force. Une ligne de séquences basses roule comme un train sur un rail de ouate. Des élytres de métal virevoltent tout autour du délicieux mouvement oscillatoire que Ron Charron décore de riffs sous formes de nappes très TD, d'effets réverbérant et de délicates mélodies flûtées. Tandis que les percussions labourent une pesanteur cynique, une guitare, non il ne s'agit pas de Bernhard Beibl, greffe des solos harmoniques dont les tonalités se situent entre Edgar et David Gilmour. Plus qu'un simple pastiche de l'armada sonique de TD, "A Geometry of Shadows" est une belle fusion entre du Pink Floyd et le gang à Froese, Franke et Baumann dans une approche qui transcende les œuvres de Sequential Dreams jusqu'ici. En fait, “The Infinite Divide” marque un tournant, un virage dans la carrière de ce band planétaire, Chris Peare a participé à l’élaboration de "A Geometry of Shadows" alors que Arend Westra a participé à "Breath of Life", avec une production hyper soignée et où tous les instruments jouent un rôle bien précis dans une collection de titres inspirée des 1000 parfums de Tangerine Dream et un peu de Pink Floyd. Et même si la ligne est parfois mince entre l'électronique et le progressif, le style Berlin School, toutes périodes confondues, rayonne ici. Inspiré des rythmes d'Edgar Froese, "Angels at Hades Gates" est un beau mélange entre les années Stuntman et Beyond The Storm. L'amalgame entre la six-cordes électrique de Ron Charron et ses synthés est très bien réussi, de même que cette transition entre Macula Transfer et Stratosfear. Le rythme est assez vivant et galope sans stress dans une belle vallée sonique moulée par de bons effets de synthé. "Breath of Life" est une belle ballade qui flotte entre des nuages de brume bleue et des séquences un peu trop mignonnes. Tantôt juchée sur les larmes d'une guitare plaintive, sur les soupirs de brume du synthé ou dans une suave voix angélique, la séraphique mélodie voyage sur le délicat rythme ascensionnel d'un mouvement de séquences à tordre les nuages gorgés d'eau. C'est une belle ballade! Après une introduction d'ambiances à la Wish You Were Here de Rick Wright, "Dark Energy" propose un rythme galopant qui dérape en une superbe structure de rythme complexe nourrie de ces séquences hyperactives et radioactives de Chris Franke. La guitare est judicieusement insérée ici.
"Eternity in a Moment" porte bien son titre. C'est du rock à la Rockoon! J'ai écouté deux fois, c'était assez! Mis à part ce petit faux-pas, selon mes oreilles, le reste de “The Infinite Divide” est tout à fait délectable. Construit un peu dans le même moule que "Dark Energy", "In Search of Forever" nous plonge dans l'univers de This Park is Mine. Les percussions et les séquences sont bien rodées alors que les effets dramatiques, les riffs d'une guitare acoustique et la six-corde forment une étonnante symbiose qui coule avec une fluidité. Et c'est là que je remarque la belle maturité artistique que Ron Charron affiche ici. Auparavant, tous ces ingrédients avaient un peu de difficulté à fusionner leurs directions, tant rythmiques qu'harmoniques. Ici, l'échange entre les phases de rythme et celles des mélodies coulent agréablement dans un décor lourd, dans un décor sonique chargé d'émotion ou de rage. On pourrait prendre la ballade "Glittering C-Beams" pour appuyer mes écrits mais le trop furieux "The Deconstruction of Falling Stars" est un exemple typique, de même que la structure protéiforme et évolutive de "The Einstein-Rosen Bridge" où, dans du rock féroce, se cachent de beaux moments d'ambiances éthérées. "Distant Sunrise" clôture avec brio ce que je considère comme le meilleur opus de Sequential Dreams. Je me plais à imaginer un Ron Charron, l'âme très nostalgique, fouler le tapis de son clavier les yeux plein de d'espoir pour un monde meilleur et pour son chemin personnel. Oui mes amis, “The Infinite Divide” est un bel album de MÉ blindé jusqu'à l'infini des essences de Tangerine Dream. Je sais qu'il y en a beaucoup, mais il y en a toujours qui sortent du lot comme le band planétaire à Ron Charron!
Sylvain Lupari (19/04/2017)

lundi 17 avril 2017

BERND KISTENMACHER: Music from Outer Space (1985)

“I had forgotten how Music from Outer Space was a so very beautiful album where solos, sequences and effects reveal quite the wealth of EM”
1 Music from Outer Space Part I 37:45 
2 Music from Outer Space Part II 41:38

Green Tree Records GTR 091
Bernd Kistenmacher Music (CD 79:26) ****½
(Vintage Berlin School)
Bernd Kistenmacher was doubtless one of the most beautiful secrets of the German electronic musical scene for numerous years. Making music in the shade of the big ones, at least on this side the planet, he has created since 1984 about fifteen cassettes, albums and cd, keeping his the most hard-hitting, the most accomplished works, for the 2000 years. But previously, this enigmatic synthésiste a bit romantic proposed a music in the steams of a Berlin School as poetic as chaotic. His first works are strongly inspired by Klaus Schulze's analog universe, period Blackdance and Body Love, but with a suspicion of soft anarchy which flows as some still blank honey. At first realized in cassette format, “Music from Outer Space” proposes 2 long minimalist titles with suites of harmonies and ambiences which are exchanged their roles through rhythms soft and savages in an electronic universe fed of its paradoxes and these wonderful machines which are synths and sequencers. Reedited in CD with the publication of the 8 CD boxset; My Little Universe was released in 1999, this first opus of Bernd Kistenmacher was nowhere to be found and thus was a collector item for his fans and the fans of the Berlin School style EM of the 70's. And I always emitted the wish that Bernd re-releases his whole catalog because his music has widely influenced artists who saw in EM the perfect way to create a little more symphonic works. Now it's done! You will find this album, as well as all the titles of Bernd Kistenmacher in original edition on the Bandcamp page of the latter. Let's start with “Music from Outer Space”.
Getting rid of its resonant membrane, a shadow coming from the oblivion floats with a delicate nuance in its movement, and its tone some 300 seconds later. It looks like small hoops are dancing here, creating a strange oneiric dance on a hardly undulating movement. Slowly,
Bernd Kistenmacher shapes his first part with the sound ingredients which made the charms of the70's EM. Thus a heavy veil spreads an interstellar carpet from where escapes a little stream of sequences which dance and glitter a little after the 7minutes point. The movement of sequences amplifies a pace which flickers swiftly, hunting the ascendancy of this heavy mist which mystified the introduction of "Music from Outer Space Part I". The purists will recognize here the same movement which livened up a certain very famous title of the album Encore from Tangerine Dream. But it doesn't matter! Schulze, TD and Ashra dominated the scene at that time, thus it was necessary to go out of somewhere and it was exactly what proposed Bernd Kistenmacher. The movement stays in suspension while more orchestral layers wrap it in a more lyrical atmosphere while little by little a mass of bass sequences and of percussions becomes agitated. Delicious to discover in a rather complex context, "Music from Outer Space Part I" gets into its rhythmic phase with more of mordant, but always with a hypnotic restraint, whereas the sequenced keys spin with fury in a tunnel where the freedom of movement is decorated by superb anesthetic layers full of Elfic voices of a synth which escapes its twisted solos. These solos spin as these pie charts which go and come in a game of Spirograph and these angelic voices which hum some shrill aaaaah which we can confuse with these complaints of a synth in mode alarm. Intense and crystallizing, "Music from Outer Space Part I" crashes in one finale where the flavors of Mirage and Body Love perfume our ears. A very good title which shows this vitality of the analog years but with a development more structured than these long sound Mass improvised of this time.
From the length of its 40 minutes, "
Music from Outer Space Part II" starts things clearly! Less poetic and more livened up, the dance of sequences begins with the foggy voice of Kistenmacher
 of which the echo reflects the words Music from Outer Space on a nice and very juicy, and also very Berliner, sequence. The tone is given! This sequence skips cheerfully alone before a synth wraps it with a chant all the same rather seraphic. Layers of voice get graft at this minimalist union which already introduced nuances, as much in the pace of the beat as the harmonious airs. The ear gets attached to this minimalist introduction when already the title plunges towards another direction, this time more ethereal but non less sibylline at around the 5th minute. The initial movement of the sequencer skips like at the beginning, except that this time foggier layers, a blue mist, caresses its beardless rebellion. Very beautiful synth solos float over there. Their nasal tints and their songs of snake charmers are wonderful. The crystal clear tick-tock of the sequence borrows a darker coat while a bluish cloud of mist opens the door to a rotatory solo where is nest a movement of sequences which flickers such as a hyperactive hand on a switch. Always very charmingly bewitching, the minimalist movement of "Music from Outer Space Part II" adorns itself with beautiful nuances while the title plunges into a velocity which slips totally in an anarchy chaos to finally slow down the pace in an ambiosonic passage around the 28th minute. But all along the title, Bernd Kistenmacher multiplies orchestral and voices layers as well as solos and effects which also feed to satisfaction this phase of confusion which will create another very beautiful passage of electronic rhythm among which the effects and the analog warmth are the instruments of one finale a little more ethereal.
I had forgotten how “
Music from Outer Space” was a so very beautiful album of EM. Built on 2 very long titles of which the minimalist routes are presented with nuances, so much in the rhythms, harmonies and ambient effects, this 2nd opus of Bernd Kistenmacher defines marvelously the complexities of a spatial and poetic universe in a symphonic envelope more sibylline than elegiac where solos, sequences and effects reveal quite the wealth of EM.

Sylvain Lupari (April 17th, 2017)
gutsofdarkness.com & synthsequences.blogspot.ca
You will find this album in a downloaded form on Bernd Kistenmcher Banbcamp page here


Bernd Kistenmacher a été sans doute l'un des plus beaux secrets de la scène musicale électronique Allemande pour de nombreuses années. Opérant dans l'ombre des grands, à tout le moins de ce côté-ci de la planète, il a composé depuis 1984 une quinzaine de cassettes, albums et cd, gardant ses œuvres les plus percutantes, les plus accomplies, pour les années 2010. Mais auparavant, cet énigmatique synthésiste un brin romantique proposait une musique aux effluves d'une Berlin School aussi poétique que chaotique. Ses premières œuvres sont fortement inspirées par l’univers analogue de Klaus Schulze, période Black Dance et Body Love, mais avec un soupçon de douce anarchie qui coule comme du miel encore vierge. D'abord réalisé en format cassette, “Music from Outer Space” propose 2 longs titres minimalistes avec des suites d'harmonies et d'ambiances qui s'échangent les rôles à travers des rythmes doux et sauvages dans un univers électronique nourrit de ses paradoxes et de ces merveilleux engins que sont les synthés et les séquenceurs. Réédité en cd lors de la parution du coffret de 8 cd; My Little Universe, paru en 1999, cette première œuvre de Bernd Kistenmacher a été discontinué et est longtemps demeuré une pièce de collection pour ses fans et les amateurs de MÉ de style Berlin School des années 70. Et j'ai toujours émis le souhait que Bernd réédite son catalogue parce que sa musique a largement influencé des artistes qui voyaient en la MÉ un véhicule parfait pour créer des œuvres un peu plus symphoniques. C'est maintenant chose faite! Vous trouverez cet album, ainsi que tous les titres de Bernd Kistenmacher en format original sur la page Bandcamp de ce dernier. Débutons par “Music from Outer Space”.
Se défaisant de sa membrane résonnante, une ombre venue du vide flotte avec une délicate nuance dans son mouvement et sa tonalité, quelques 300 secondes plus tard. On dirait que des petits cerceaux y dansent, créant une étrange danse onirique sur un mouvement à peine ondulant. Lentement, Bernd Kistenmacher moule sa première partie avec les ingrédients sonores qui faisaient les charmes de la MÉ des années 70. Un lourd voile étend donc un tapis interstellaire d'où s'échappe un petit chapelet de séquences qui dansent et miroitent un peu après la barre des 7 minutes. Le mouvement des séquences amplifie une cadence qui papillonne vivement, chassant la prédominance de cette lourde brume qui mystifiait l'introduction de "Music from Outer Space Part I". Les puristes reconnaitront là ce même mouvement qui animait un certain titre très célèbre de l'album Encore de Tangerine Dream. Mais peu importe! Schulze, TD et Ashra dominaient la scène à cette époque, donc il fallait sortir de quelque part et c'est exactement ce que proposait Bernd Kistenmacher. Le mouvement reste en suspension alors que des nappes plus orchestrales l'enveloppent dans une ambiance plus lyrique alors que peu à peu s'agite une masse de basses séquences et de percussions. Délicieux à découvrir dans un contexte assez complexe, "Music from Outer Space Part I" s'enfonce dans sa phase rythmique avec plus de mordant, mais toujours avec une retenue hypnotisante, tandis que les ions virevoltent avec fureur dans un tunnel où la liberté de mouvement est décorée par de superbes nappes anesthésiantes ornées de voix Elfiques d'un synthé qui échappe ses solos en boucles torsadées. Ces solos virevoltent comme ces graphiques circulaires qui vont et viennent dans un jeu de spirographes et ces voix angéliques qui fredonnent des aaaaah stridents que l'on peut confondre avec ces plaintes d'un synthé en mode alarme. Intense et cristallisant, "Music from Outer Space Part I" s'écrase dans une finale où les parfums de Mirage et de Body Love embaument nos oreilles. Un très bon titre qui affiche cette vitalité des années analogues mais avec un développement plus structuré que ces longues messes soniques improvisées de cette époque.
Du long de ses 40 minutes, "Music from Outer Space Part II" ne fait pas dans la dentelle! Moins poétique et plus animé, la danse des séquences débute avec la voix brumeuse de Kistenmacher dont l'écho reflète les mots «Music from Outer Space» sur une belle séquence bien juteuse et très Berliner. Le ton est donné! Cette séquence sautille allègrement en solitaire avant qu’un synthé l'enveloppe d’un chant tout de même assez séraphique. Des nappes de voix se greffent à ce mariage minimaliste qui déjà introduit des nuances, tant dans le temps du rythme que les airs harmoniques. L'oreille s'attache à cette introduction minimaliste que déjà le titre plonge vers une autre direction, cette fois plus éthérée mais non moins sibylline vers la 5ième minute. Le mouvement initial du séquenceur sautille comme au début, sauf que cette fois-ci des nappes plus brumeuses, une brume bleue, caresse sa rébellion imberbe. De très beaux solos de synthé flottent là-bas. Leurs teintes nasillardes et leurs chants de charmeurs de serpents sont magnifiques. Les tic-tacs limpides de la séquence empruntent un manteau plus sombre alors qu'un nuage de brume bleuté ouvre la porte à un solo rotatoire où niche un mouvement de séquences qui papillonnent comme une main hyperactive sur un commutateur. Toujours très délicieusement envoûtant, le mouvement minimaliste de "Music from Outer Space Part II" se pare de belles nuances alors que le titre s'enfonce dans une vélocité qui dérape totalement en un chaos anarchique pour finalement ralentir la cadence dans un passage ambiosonique autour de la 28ième minute. Mais tout au long, Bernd Kistenmacher multiplie les nappes, les solos et les effets qui alimentent à satiété cette phase de confusion qui fera naître un autre très beau passage de rythme électronique dont les effets et la chaleur analogue sont les instruments d'une finale un peu plus éthérée.
J'avais oublié comment “Music from Outer Space” était à ce point un très bel album de MÉ. Monté sur 2 très longs titres dont les parcours minimalistes sont présentés avec des nuances, autant dans les rythmes, les harmonies et les effets d'ambiances, ce 2ième opus de Bernd Kistenmacher définit à merveille les complexités d'un univers spatial et poétique dans une enveloppe symphonique plus sibylline que parnassienne où les solos, les séquences et les effets révèlent toute les richesses de la MÉ.

Sylvain Lupari (réécrit le 17/04/2017)

samedi 15 avril 2017

ASUNTAR: Pulses (2017)

“Pulses is another solid opus from Poland which will please to those gourmand of analog tones, of Berlin School style with an audacious zest of ambient moods”
1 Mare Tranquillitatis 7:08
2 Ambient Voyage 8:17
3 Sequenced Day 7:40
4 Steel Towers 10:18
5 Wind of the Stars 7:08
6 Voice of the Wind 6:36
7 Are you There? 8:40
8 Beautiful Thing 8:51
9 Slow Moving Structures 8:18

Generator.pl | GEN CD 041 (CD 73:02) ****
(Vintage Berlin School)
Ah the wonderful universe of electronic music (EM)! United to the exponential growth of the computing, its many software of music creation, the platforms of downloads and this without counting these small thingies which improve the sound reach, this art lives again and always at full speed in France, in Romania and in Poland. And there are little geniuses who stand out to land in the big league and stay there. And this plenitude of new talents brings good dose of energy which stimulates the Berlin and the England School styles without forgetting the Netherlands School. So, every year some new names spring to bring a wind of freshness which comforts the aficionados of the kind. Yes, EM is alive and kicking! The last one on line is the Polish artist Asuntar who has just realized a first album on the prestigious and the very demanding label Generator PL, “Pulses”. And if we take the release press seriously and trust its words; «After listening to the album you can ask yourself the question, whether the Berlin school with a solid dose of ambient music has still something to offer? It turns out that it has a lot», we expect to spend some good 70 minutes of EM of the Berlin School style. But, is it true? Let's find out!
It's thus with my ears wide open that I attacked the opening track. The name of the title and the writing of the press info, Berlin school with a solid dose of ambient music, announced a little the colors of "
Mare Tranquillitatis". First of all, a very acid breath comes from beneath to squeak between my ears. An interaction between these breaths and drones gives an exchange of astral tones which float as a slow digital symphony where some thine lines of absent voices are humming a rather sibylline air. Cosmic effects fall down like a horizontal rain in periphery of this mosaic of interstellar moods which prohibit any forms of rhythms in its hyperborean envelope. It's a few seconds after the introduction, always of ambient moods, of "Ambient Voyage" that my attraction for “Pulses” is settling little by little. There is a beautiful movement of the sequencer here which is not without reminding me of Velvet Voyage from Klaus Schulze's Mirage. These delicate arpeggios skip in an upward movement until merge in the delights of a bass line which espouses the shape of the beat. And contrary to "Mare Tranquillitatis", it's the warmth of the ambiences, always stuffed at this duel between cosmic and cybernetic tones, which fascinates in this other ambient movement undulating like a hypnotic flame. Ambivalent chords gambol at the opening of "Sequenced Day". Jumping and dreamy, they try to harmonize to a rhythmic structure which takes off, not without having pierced a thick cloud of anesthetic layers and of electronic tones, with a superb bass line which feeds the first rhythmic structure of “Pulses”. Tied to a strong oscillatory movement of the bass sequences, the rhythm roars in an analog shroud from where escape good synth solos perfumed of Free-Jazz, the movement reminds to me Jean-Luc Briançon's Dantesque universe, on a structure which becomes even more lively with the arrival of percussions. That turns into a solid cosmic rock with a very vintage reach. Awesome! "Steel Towers" brings us back in these territories of ambiences filled with hollow winds and with others more effects paralyzing for the senses, a little as the introduction of "Mare Tranquillitatis" but in longer way. "Wind of the Stars" leads to forget a little its lengths with another good electronic cosmic rock. The Mellotron is as soft to the ear than the sweet murmurs of the night angels. The meshing of percussions, sequences and a good line of bass is structuring a slow rhythm ideal to other good synth solos.
Voice of the Wind" is one of the most beautiful ambient piece of music that my ears have met recently. Weaved in intensity and passion, a delicate and very morphic melody makes glitter its chords of prism in suspension in a wide strip of voices and murmurs which are encoded in a soundscape where the orchestral aestheticism drives constantly our line of emotionalism. It's excellent and it's the kind of title that we would expect from Vangelis. A title which gave me a good dose of shivers! The chirpings of computer add an always very cosmic touch in the music of “Pulses”. They decorate the introduction of "Are you There?" which, after an ambiosonic phase, seduced my ears, my fingers and my feet with another good cosmic rock always as delicious as complex. I am in the paradise of EM of the analog kind and suddenly, I do not think any more of "Mare Tranquillitatis" nor "Steel Towers" which have scratched a little my ears in a decoration which, I have to admit, is quite a good one. "Beautiful Thing" proposes an ambient rhythm with some pretty good oscillations which wriggle like a mass of worms in a rain from clouds of radiations. Voices murmur from everywhere while diverse little noises burst here and there among the chants of synthesized birds. Always very rich in his diversified sound fauna, Asuntar adds orchestral layers which float such as sighs of sensuality in a gangrenous universe. The rhythm establishes itself a little more with nervous percussions and good bass line knotted by jolts. We don't escape it; one would imagine to be in a futuristic universe as darker as Philip K. Dick's visions. And always these intrusive synth twists! You already missed this delicate Mellotron flute of "Wind of the Stars"? We find it here and quite tremulous in the first 90 seconds of seduction in "Slow Moving Structures". Afterward, this flute bickers with a structure which seems to want to explode but which always maintains its vision of atmospheric moods by being inspired by the fascinating Electronic Universe from Software.
Yes! After hearing “
Pulses”, you will have the certainty that Berlin School with a good dose of ambient music has something to offer again. There is a contemporary touch here which irradiates the flavors of the works, all the same rather complex, of Jean-Luc Briançon. Another beautiful album from the Polish label Generator PL which distinguishes itself constantly by realizing works of a very high quality. Recommendable, without hesitations!

Sylvain Lupari (April 15th, 2017)
gutsofdarkness.com & synthsequences.blogspot.ca
You will find this album on the Generator.pl shop here


Ah le merveilleux univers de la musique électronique (MÉ)! Uni à la croissance exponentielle de l'informatique, soit logiciels de création et plateformes de téléchargements et ce sans compter ces petits bidules qui en améliorent la portée sonore, cet art revit à vitesse grand V en France, en Roumanie et en Pologne. Et il y a des petits génies qui sortent du lot afin d'atterrir dans la cour des grands noms et y rester. Et cette plénitude de talents apporte une bonne dose d’énergie qui stimule les styles Berlin et England School sans oublier le Netherlands School. Ainsi, chaque année quelques nouveaux noms jaillissent pour apporter un vent de fraîcheur qui réconforte les aficionados du genre. Oui’ la MÉ est bel et bien vivante! Le dernier en liste est l'artiste polonais Asuntar qui vient de réaliser un premier album sur le prestigieux et très pointilleux label Generator.pl, “Pulses”. Et si l'on se fie à la revue de presse du label; «Après avoir entendu Pulses, vous aurez la certitude que le Berlin School avec une bonne dose de musique ambiante a encore quelque chose à offrir », on s'attend à passer quelques bonnes 70 minutes de MÉ de style Berlin School. Mais, est-ce vrai? Allons voir!
C'est donc avec une ouïe ouverte au maximum que je me suis attaqué à la pièce d'ouverture. Le nom du titre et la mention bonne dose de musique ambiante annonçait un peu les couleurs de "Mare Tranquillitatis". Tout d'abord un souffle très acide vient du bas pour crisser entre mes oreilles. Une interaction entre ces souffles et des drones donne un échange de tonalités astrales qui flottent comme une lente symphonie numérique où des filets de voix absentes fredonnent un air plutôt sibyllin. Des effets cosmiques pleuvent comme une pluie horizontale en périphérie de cette mosaïque d'ambiances interstellaires qui prohibent toutes formes de rythmes dans une enveloppe hyperboréenne. C'est quelques secondes après l'introduction, toujours d'ambiances, de "Ambient Voyage" que mon attirance pour “Pulses” naissait peu à peu. Il y a un beau mouvement du séquenceur ici qui n'est pas sans me rappeler Velvet Voyage (Mirage) de Klaus Schulze. Ces délicats arpèges sautillent dans un mouvement ascensionnel jusqu'à se fondre dans les délices d'une ligne de basse qui en épouse la forme. Et contrairement à "Mare Tranquillitatis", c'est la chaleur des ambiances, toujours farcies de ce duel entre tonalités cosmiques et cybernétiques, qui étonne dans cet autre mouvement ambiant ondulant comme une flamme magnétisante. Des accords indécis batifolent en ouverture de "Sequenced Day". Sautillants et rêveurs, ils tentent d'harmoniser une structure rythmique qui prend son envol, non sans avoir percé un épais nuage de nappes anesthésiantes et de tonalités électroniques, avec une superbe ligne de basse qui alimente la première structure rythmique de “Pulses”. Attachée à un solide mouvement oscillatoire de séquences basses, le rythme rugit dans une enveloppe analogue d'où s’échappent de bons solos parfumés de Free-Jazz, le mouvement me rappelle l'univers dantesque de Jean-Luc Briançon, sur une structure qui devient encore plus enlevante avec l'arrivée des percussions. Ça vire en un bon rock cosmique avec une portée très vintage. Très bon! "Steel Towers" nous ramène dans les territoires d'ambiances gorgées de vents creux et d'autres plus tétanisant pour les sens, un peu comme l'introduction de "Mare Tranquillitatis" mais en plus long. "Wind of the Stars" fait oublier un peu ses longueurs avec un autre bon rock cosmique électronique. Le Mellotron est aussi doux à l'oreille que les murmures des anges de la nuit. Le maillage de percussions, de séquences et d'une bonne ligne de basse structure un rythme lent propice à d'autres bons solos de synthé. "Voice of the Wind" est un des plus beaux titres d'ambiances que mes oreilles ont croisées dernièrement. Tissée dans l'intensité et la passion, une délicate mélodie très morphique fait miroiter ses accords de prisme en suspension dans une large bande de voix et de murmures qui sont encodées dans un panorama sonore où l'esthétisme orchestrale fait constamment notre ligne d'émotivité. C'est excellent et c'est le genre de titre qu'on attendrait de Vangelis. Un titre qui m'a procuré une bonne dose de frissons! Les pépiements d'ordinateur ajoutent une touche toujours très cosmique à la musique de “Pulses”.  Ils ornent l'introduction de "Are you There? " qui, après une phase ambiosonique, séduit oreilles, doigts et pieds avec un autre bon rock cosmique toujours aussi savoureux que complexe. Je suis au paradis de la MÉ du genre analogue et soudainement, je ne pense plus à "Mare Tranquillitatis" ni à "Steel Towers" qui m'ont écorché un peu les oreilles dans un décor que je dois admettre assez réussi. "Beautiful Thing" propose un rythme ambiant avec de belles oscillations qui se tortillent comme une masse de vers sous la pluie d'un nuage de radiations. Des voix murmurent de tous côtés alors que divers petits bruits éclatent ici et là parmi des chants d'oiseaux synthétisés. Toujours très riche de sa faune sonique diversifiée, Asuntar ajoute des nappes orchestrales qui flottent comme des soupirs de sensualité dans un univers gangrené. Le rythme s'impose un peu plus avec des percussions nerveuses et une bonne ligne de basse nouée de saccades. On n'y échappe pas, on se croirait dans un univers futuriste aussi sombre que les visions de Philip K. Dick. Et toujours ces torsades envahissantes! La délicate flûte de Mellotron de "Wind of the Stars" vous manqué déjà? On la retrouve toute chevrotante dans les 90 premières secondes de séduction de "Slow Moving Structures". Par la suite, cette flûte se chamaille avec une structure qui semble vouloir exploser mais qui maintient toujours sa vision d'ambiances en s'inspirant du fascinant Electronic Universe de Software.
Oui! Après avoir entendu “Pulses”, vous aurez la certitude que le Berlin School avec une bonne dose de musique ambiante a encore quelque chose à offrir. Il y a une touche contemporaine ici qui irradie les saveurs des œuvres, tout de même assez complexes, de Jean-Luc Briançon. Un autre bel album du label Polonais Generator.pl qui se distingue continuellement en réalisant des œuvres d'une très grande qualité. Recommandable, sans hésitations!

Sylvain Lupari (15 Avril 2017)