jeudi 17 août 2017


“Beautiful and melodious EM which can compete with the music of Vangelis, Planets possesses all the charms of an EM which flirts skillfully with New Age without faked emotions”
1 Twin Sunrise 4:00
2 Planets I 5:36
3 Dreamspace Part I 5:45
4 In Orbit 7:37
5 Nebulae 6:34
6 Planets II 6:50
7 Origins 11:37

8 Apsis 5:03
9 Planets III 3:20
10 Dreamspace Part II 17:35

Sverre Knut Johansen Music (DDL 61:58) ****¼
(Melodious Space Music)

It's while writing the chronicle about Secret Space Program that a fan wrote me about the album “Planets”. According to his statements, it was about Sverre Knut Johansen's best album. So Sverre has friendly sent me this album to validate the craze some of this admirer. My first contact with “Planets” was rather tepid. And my first analysis was that the album was feeding an armada of style which fluttered from synth Space Music to New Age while touching a good EM pushed by sequencers and by percussions. The following attempt brought me to the same reasoning but with more bewitchment for the senses. And finally, I ended to like this album of which the sound texture, the musical wealth and the harmonious direction lean on two working years, “Planets” was simmered between 2000 and 2002, with an attention to detail which states of Sverre Knut Johansen who neglects no aspect, from where a beautiful cosmic tale about planets which was thought with a vision which equals the perfectionism of the Norwegian musician.
An ambience of cosmos opens the twilights and allows to some arpeggios to make sparkle a little melody as fragile as striking. A melodist without equal, who is strongly inspired and influenced by the arrangements of
Vangelis, Sverre Knut Johansen draws a superb one in this opening of “Planets”. A decoration of cosmic jungle surrounds this harmonious delicacy which screws very solid at the bottom of our eardrums while the ambient rhythm of "Twin Sunrise" militarizes itself with percussions of which the rumblings sculpt a wonderful cosmic bolero. A strong starting signal which sends the ears in orbit. Especially that "Planets I" appears as a deserving successor with a very Tangerine Dream approach from the post TDI years. The electronic percussions, kind of bongo drums, and the melodic arrangements of the synth dominate and create an approach marked with emotion. The impact is not as well dominant as with "Twin Sunrise" but we let oneself easily cradle by this rhythmic approach which does in a very accessible New Age. "Dreamspace Part I" is another very beautiful title, if we like that when ethereal melody and arrangement go hand in hand, slightly livened up by these bongo percussions which perfume the rhythms of “Planets”. The rhythm is always in passive mode with some well moderated explosions and is drumming delicately under a bed of orchestrations that will raise the hairs of our spine. An Elvish voice comes to whisper in our ears the delights of a cosmic Eden while the arrangements, I even hear an oboe, are brilliantly mixed with good cosmic effects. Effects which are even more omnipresent in "In Orbit" whose evolutionary structure hangs onto this crescendo in mode Bolero which lead the ambient and circular rhythms that we find all over “Planets”. There is here a beautiful duel synth/guitar here with soft and evasive solos of the synth and incisive and penetrating ones from the guitar of Eivind Aarset. "Nebulae" is more in meditative mode with a synth which draws a melodious approach on the songs of cosmic whales. The layers of voices are as much serene and captivating as in "Dreamspace Part I".

"Planets II" puts more emphasis on the singing exercises with an approach clearly more in mode cosmic opera, genre Luc Besson's The 5th Element. The title embraces a more rock phase when this opera voice melts its fascinating harmonies to some nice guitar solos more in rock mode. Soft and poetic, "Origins" is a very beautiful title of meditative ambiences where we float through the space on the giant wings of an intersidereal eagle. There is a lot of emotion and intensity in this title where the ambient music is more melodious than tonal. "Apsis" flirts with the borders of New Age with a delicate melody puffed from a synth a bit nasal. The percussions, always in mode tom-tom and bongo and sometimes even military, welcome this tearful lullaby which hangs on to a rhythmic intensity of which the peak is a good electronic rock as much heavy than slow. After this short raid in this contemporary universe of Tangerine Dream, "Apsis" returns to its meditative bed where still sparkle these melodious pearls which are charmingly scattered in “Planets”. We cannot like what is beautiful! A little more aggressive and still very melodious, "Planets III" switches off its ardor into good orchestrations. "Dreamspace Part II" concludes this Sverre Knut Johansen's 6th album with an approach which follows the rules of "Dreamspace Part I" but with 12 minutes in plus which serve to explore a universe closer to the one of Code Indigo or the one of David Wright. The first 10 minutes are very effective with these layers of voices which are still fighting in duel with some strong raids of a starved and dynamic electric six-strings. The rhythm always grows in its pattern of crescendo, allying melody and intensity in a well embellished cosmic soundscape. The last 7 minutes are shared between fragments of rhythm and by phases of ambiences which are decorated of cosmic effects on a background of meditation and of this seraphic voice which gives a very oneiric depth to the universe of this very beautiful album of the Norwegian musician.
Beautiful and harmonious to the bone with phases of rhythm which sculpt crescendo full of emotion and arrangements which tickle the den of our emotions, I now understand very well why “
Planets” is described as being Sverre Knut Johansen's most beautiful album. And as I like all that is rather beautiful and melodious which can compete with the music of Vangelis, I have to admit that I got myself caught in the numerous traps of charms which are anchored in the universe of “Planets”. We are far from a complicated EM or a kind of Berlin School thirsty for black rhythms here. It's the very opposite! But that remains beautiful, very beautiful and that possesses all the charms of an EM which flirts skillfully with New Age without becoming a work bared of emotions.

Sylvain Lupari (August 17th, 2017)
You will find this album on Sverre Knut Johansen Bandcamp page here

C'est en écrivant la chronique sur Secret Space Program qu'un fan m'a mis au parfum au sujet de l'album “Planets”. Selon ses dires, il s'agissait du meilleur album de Sverre Knut Johansen. Sverre m'a gentiment fait parvenir cet album afin de valider l'engouement de cet admirateur. Mon premier contact avec “Planets” fut assez tiède. Et mon premier constat était que l'album nourrissait une armada de style qui voletait entre la Space Music à du New Age en passant par une bonne MÉ poussée par des séquenceurs et des percussions. La tentative suivante m'amena au même constat mais avec plus d'envoûtement dans les sens. Et finalement, j'ai fini par aimer cet album dont la texture sonore, la richesse musicale et la direction harmonieuse s’appuient sur deux ans de travail, “Planets” a été mijoté entre 2000 et 2002, avec un souci du détail qui témoigne de cette minutie chez Sverre Knut Johansen qui néglige rien, d'où un beau conte cosmique sur les planètes qui a été muri avec une vision qui égale le perfectionnisme du sympathique musicien Norvégien.
Une ambiance de cosmos ouvre les pénombres et permet à des arpèges de faire scintiller une petite mélodie aussi fragile que saisissante. Mélodiste hors-pair, qui est fortement inspiré et influencé par les arrangements de
Vangelis, Sverre Knut Johansen en dessine une superbe en ouverture de “Planets”. Un décor de jungle cosmique entoure cette délicatesse harmonique qui se visse bien solide dans le fond de nos tympans alors que le rythme ambiant de "Twin Sunrise" se militarise avec des percussions dont les roulements sculptent un superbe boléro cosmique. Un solide coup de départ qui met les oreilles en orbite. Surtout que "Planets I" se présente comme un digne successeur avec une approche très Tangerine Dream des années post TDI. Les percussions électroniques, d'un genre bongo, et les arrangements mélodiques du synthé dominent et sculptent une approche empreinte d'émotion. L'impact n'est pas aussi dominant qu'avec "Twin Sunrise" mais on se laisse facilement bercer par cette approche rythmique qui fait New Age très accessible. "Dreamspace Part I" est un autre très beau titre, si on aime ça quand mélodie et arrangement éthérés vont de pair, légèrement animé par ces percussions bongos qui parfument les rythmes de “Planets”. Le rythme est toujours en mode passif avec quelques explosions bien tempérées et tambourine délicatement sous un lit d'orchestrations à faire lever les poils dans le dos. Une voix Elfique vient susurrer à nos oreilles les délices d'un Éden cosmique alors que les arrangements, j'entends même un hautbois, sont superbement mélangés avec de bons effets cosmiques. Des effets qui sont encore plus omniprésents dans "In Orbit" dont la structure évolutive s'accroche à ces crescendos en mode Boléro qui animent les rythmes ambiants et circulaires de “Planets”. Il y a ici un beau duel synthé/guitare avec des solos mous et évasifs du synthé et incisifs et pénétrants pour la guitare de Eivind Aarset. "Nebulae" est plus en mode méditatif avec un synthé qui trace une approche mélodieuse sur les chants de baleines cosmiques. Les nappes de voix sont aussi sereines et enveloppantes que dans "Dreamspace Part I".
Planets II" met plus d'emphase sur les vocalises avec une approche nettement plus en mode opéra cosmique, genre Le 5ième Élément de Luc Besson. Le titre embrasse une phase plus rock lorsque cette voix opératique fait fondre ses fascinantes harmonies dans les solos d'une guitare plus en mode rock. Doux et poétique "Origins" est un très beau titre d'ambiances méditatives où l'on flotte à travers l'espace sur les géantes ailes d'un aigle intersidéral. Il y a beaucoup d'émotion et d'intensité dans ce titre où la musique d'ambiance est plus mélodieuse que tonale. "Apsis" flirte avec les frontières du New Age avec délicate mélodie soufflée sur un synthé un brin nasillard. Les percussions, toujours en mode tam-tam et bongo et parfois même militaire, accueillent cette berceuse larmoyante qui s'accroche à une intensité rythmique dont le point culminant est un bon rock électronique aussi lourd et que lent. Après cette brève incursion dans cet univers contemporain de Tangerine Dream, "Apsis" retourne à son lit méditatif où scintillent encore ces perles mélodieuses délicieusement éparpillées à la grandeur de “Planets”. On ne peut pas aimer ce qui est beau! Aussi agressif que mélodieux, "Planets III" éteint sa fougue dans de belles orchestrations. "Dreamspace Part II" conclut ce 6ième album de Sverre Knut Johansen avec une approche qui suit les préceptes de "Dreamspace Part I" mais avec plus de 12 minutes additionnelles qui servent à explorer un univers plus près de Code Indigo ou encore celui très symphonique de David Wright. Les 10 premières minutes sont très efficaces avec ces nappes de voix qui font duel à des attaques d'une six-cordes électrique vicieuse et dynamique. Le rythme croisse toujours dans son tissu de crescendo, alliant mélodie et intensité dans un décor cosmique bien imagé. Les 7 dernières minutes sont partagées entre des bribes de rythme et des phases d'ambiances ornées d'effets cosmiques sur fond de méditation et de cette voix séraphique qui donne une profondeur très onirique à l'univers de ce très bel album du musicien Norvégien.
Beau et harmonieux à l'os avec des phases de rythme qui sculptent des crescendos chargés d'émotions et des arrangements qui chatouillent le repaire de nos émotions, je comprends maintenant très bien pourquoi “
Planets” est décrit comme étant le plus bel album de Sverre Knut Johansen. Et comme j'aime tout ce qui est assez beau et mélodieux pour concurrencer avec la musique de Vangelis, je dois avouer que je me suis laisser prendre aux nombreux pièges de charmes qui sont ancrés dans l'univers de “Planets”. Nous sommes loin ici d'une MÉ compliquée ou d'un genre Berlin School assoiffé de rythmes noirs. C'est tout le contraire! Mais ça reste beau, très beau et ça possède tous les charmes d'une MÉ qui flirte habilement avec le New Age sans pour autant devenir une œuvre dénudée d'émotion.

Sylvain Lupari (17/08/2017)

dimanche 13 août 2017

PETER BAUMANN: Machines of Desire (2016)

“Let's be honest here; if Machines of Desire hasn't the name of Peter Baumann on it, a lot among us and among the different circles of EM would had shout a brilliant album”
The Blue Dream 5:53
Searching in Vain 5:37
Valley of the Gods 4:13
Echoes in the Cave 3:55
Ordinary Wonder 6:00
Crossing the Abyss 5:58
Dancing in the Dark 5:57
Dust to Dust 6:24

Bureau B | CD 124952 (CD 42:54) ****
(Classic Electronic Rock)
Did I have to speak about the coming back of Peter Baumann after more than a year that “Machines of Desire” has landed in the trays? Synonym of big expectations, both for this solo album as for this huge rumor which circulated regarding the possibility that he may joined the survivors of Tangerine Dream, the name of Peter Baumann was on all the lips in 2016. Besides this album, there were also the reeditions of the first 2 opuses which was made in November 2016. In brief, a lot of hubbub around the name of the one who had given as mission to democratize, of soften the strong angles of EM by exporting it on the American continent in 1984. The big question was to know what would be the musical direction of Peter Baumann. New Age or Synth-pop? Berlin School or New Age and Synth-pop? Well, having listened to it more than once these days, I would say that “Machines of Desire” is a nice fusion between the candy hymns of Transharmonic Nights and a bit of the boldness of Romance'76. And even if some pretend that this new album from Peter Baumann confirms that the one who left Tangerine Dream twice in the 70's hasn't really evolve, we cannot disagree because everything here inhales the structures of composition of Peter Baumann in that time. Me who had adored Transharmonic Nights, I however cannot complain. But a tiny more audacious bend here would certainly have countered the growing discontent of the dissatisfied ones. But at the end of line, this “Machines of Desire” is as beautiful as its pouch can be useless. I think this says it all! A beautiful honest album which is a kind of return home of the one that nobody waited for.
As if his imagination had not taken a wrinkle, a short woosh gets out of the oblivion to be punched by insistent knockings. Tears of synth squeal on a structure more percussive than rhythmic where the glaucous atmospheres wrap our senses like at the time of the
Dream's Dark Ambient zones. The rhythm is slow, theatrical and threatening. And suddenly, as coming out from nowhere, a melody sat on a synth in mode violins strings runs at a brisk pace like breakaways of a session of Vivaldi's 4 Seasons. "The Blue Dream" is the perfect opening to a comeback album with its catchy melody which jig between phases of dark moods. "Searching in Vain" seems to be a surviving title of the Transharmonic Nights sessions. The same goes for the slow, almost militarized rhythm, of "Ordinary Wonder". I like! And Peter Baumann raises himself on his music as the brilliant melodist that he is. These two small jewels precede two titles with doubtful and effective ambiences, "Valley of the Gods", one would imagine in Sorcerer but with a very fascinating rhythmic pattern and a splendid game of the sequencer. The line of bass bites this good electronic rock encircled by a melody from a shrill synth. "Echoes in the Cave", even with its melodious intro stolen to "The Blue Dream", stagnate in its ambiospherical cavern. This is another very good track filled of Sorcerer's sepulchral moods. After another introduction sculpted beneath the sign of dark ambiences, the rhythm of "Crossing the Abyss", which is rather light, is transported by a nice fight between a fluty synth and another one more whistler. I swim maybe in a total delirious, but I have this vague impression that The Keep guided the black atmospheres which roll all over the protean rhythms of “Machines of Desire”. The Keep and especially Legend for these moods of medieval dances, as in "Dancing in the Dark" which is well balanced between those great percussion designs, one of the many charms in this album, and its melody pinched on a little bit cold chords. The introduction of "Dust to Dust" is a small jewel of glaucous vibes. Throughout its evolution, we feel that the rhythm tries to conquer the ambiences. And when it happens, the circular movement of "Dust to Dust" drags us in a lively spiral where sings a wonderful synth solo always in mode harmonious seduction. Here, as everywhere in this last Peter Baumann's album, the percussions, the percussive effects and the sequencer unite their diversity to inflate rhythms which always keeps us a little bit speechless.
Glaucous atmospheres, melodies stylized in
Baumann signature and rhythms as surprising as very creative, “Machines of Desire” has all that it needs to satisfy those aficionados of EM and of course of Tangerine Dream, era 77 to 86. And if we are honest just a little bit; if the name of the artist wasn’t the one of Peter Baumann, more than a blogger-columnist or fan of EM would shout to genius here. A great album that I found a little too short, considering the fact that it took 33 years of maturation. And 33 years is very long to wait. I hope that Peter Baumann took good note of that. Because he is still very talented.

Sylvain Lupari (August 13th, 2017)
Devais-je parler du retour de Peter Baumann après plus d'un an que “Machines of Desire” ait atterri dans les bacs? Synonyme de grosses attentes, tant pour cet album solo que pour cette énorme rumeur qui circulait à l'effet qu'il rejoignait les rescapés du vaisseau musical Tangerine Dream, le nom de Peter Baumann était sur toutes les lèvres en 2016. En plus de cet album, il y avait aussi les rééditions de ses 2 premiers opus qui s'est effectué en novembre 2016. Bref, beaucoup de brouhaha autour du nom de celui qui s'était donné comme mission de démocratiser, d'adoucir les angles robustes de la MÉ en l'exportant sur le continent américain en 1984. La grosse question était de savoir quel serait la direction musicale de Peter Baumann. New Age ou Synth-Pop? Berlin School ou New Age et Synth-Pop? Eh bien, après l'avoir écouté plus d'une fois ces temps-ci, je dirais que “Machines of Desire” est une fusion entre les hymnes bonbons de Transharmonic Nights et les quelques audaces de Romance'76. Et même si certains prétendent que “Machines of Desire” confirme que celui qui a quitté Tangerine Dream à 2 reprises dans les années 70 n'a pas réellement évolué, on ne peut être en désaccord car tout ici respire les structures de composition de Peter Baumann à cette époque. Moi qui ait adoré Transharmonic Nights, je ne peux me plaindre. Mais un petit détour plus audacieux aurait certainement contré la grogne des mécontents. Mais en bout de ligne, “Machines of Desire” est aussi beau que sa pochette peut être inutile. Un bel album honnête qui est une sorte de retour au bercail de celui que personne n'attendait.
Comme si son imagination n'avait pas pris une ride, un bref woosh sort du néant pour se faire ramasser par des cognements insistants. Des larmes de synthé crissent sur une structure plus percussive que rythmique où les ambiances glauques enveloppent nos sens comme à l'époque du Dark Ambient du Dream. Le rythme est lent, théâtrale et menaçant. Et soudain, comme sortie de nulle part, une mélodie arquée sur un synthé en mode cordes de violons roule à vive allure comme échappée d'une session des 4 saisons de Vivaldi. "The Blue Dream" est l'ouverture parfaite à un album retour avec sa mélodie accrocheuse qui gigue entre des pans d'ambiances ténébreuses. "Searching in Vain" semble être un titre rescapé des sessions de Transharmonic Nights. Idem pour le rythme lent, quasiment militarisé, de "Ordinary Wonder". Moi j’aime! Et Peter Baumann se dresse sur sa musique comme un mélodiste hors-pair qu'il est effectivement. Ceux deux petits joyaux précèdent deux titres aux ambiances douteuses et efficaces en "Valley of the Gods", on se croirait dans Sorcerer mais avec une rythmique très captivante et un superbe jeu du séquenceur. La ligne de basse mord ce bon rock électronique ceinturé d'une mélodie d'un synthé criard. "Echoes in the Cave", même avec son intro mélodieuse dérobée à "The Blue Dream", stagne dans sa grotte ambiosphérique. C'est un bon titre d'ambiances sépulcrales à la Sorcerer. Après une autre introduction sculptée sous le signe d'ambiances ténébreuses, le rythme de "Crossing the Abyss", tout de même assez léger, est transporté par une belle lutte entre un synthé flûté et un autre plus siffloteur. Je nage peut-être en plein délire, mais j'ai comme cette vague impression que The Keep a guidé les ambiances noires qui tournent autour des rythmes protéiformes de “Machines of Desire”. The Keep et surtout Legend pour ces ambiances de danses médiévales, comme dans "Dancing in the Dark" qui est bien balancé entre ses très bonnes percussions et sa mélodie pincée sur des accords un peu froids. L'introduction de "Dust to Dust" est un petit bijoux d'atmosphères glauques. Tout au long de son évolution, nous sentons que le rythme cherche à conquérir les ambiances. Et lorsque ça arrive, le mouvement circulaire de "Dust to Dust" nous entraîne dans une spirale enlevante où chante un superbe de beau solo de synthé toujours aussi en mode séduction harmonique. Ici, comme partout dans ce dernier album de Peter Baumann, les percussions, les effets percussifs et le séquenceur unissent leur diversité afin de gonfler des rythmes qui nous reste toujours un peu bouche bée.
Ambiances glauques, mélodies stylisées dans la signature Baumann et des rythmes aussi surprenants que très créatifs, “Machines of Desire” a tout ce qu’il faut pour plaire aux fans de la MÉ et de Tangerine Dream, période 77 à 86. Et restons honnête, si le nom de l'artiste serait autre que celui de Peter Baumann, plus d'un blogueur-chroniqueur ou amateur de MÉ crierait au génie. Très bon et je dirais même trop court. Mais 33 ans c'est très long comme attente. J'espère que Peter Baumann en a pris bonne note….

Sylvain Lupari 12/08/2017

samedi 12 août 2017

PETE FARN: Noodle+ (2017)

“Noodle+ is above all for the aficionados of noisy vibes where the art to create music is not the priority in the world of Pete Farn”
1 Knospensprünge 4:32
2 Im Sumpf 5:30
3 Metallregen 4:05
4 Dickicht 3:25
5 Luftbewegung im Unterholz 4:01
6 Klangfluss 10:10
7 Schönklangs Farbreise 13:08
8 Elia 8:12
9 Spechtus 7:08

SynGate-Luna | CD-r pf16 (DDL/CD-r 60:13)
(Experimental and abstract music)

For the synth users, the term Noodle means all these threads which hang and which connect in the inputs or outputs of other EM components. A mishmash of threads and cables which seems to us to be like the equivalent of a mini Babel tower so much that the intertwine of wires looks like a crossroad without ending. But for Peter Schaefer, this mess of electronic wires is far from being a heap of noodles in an immense plate of spaghetti. And those who know the sound fantasies of this master of abstract music understand at once where I am getting at. The vision that we have of these wires serves marvelously the fruits of the imagination, always very overflowing, of Pete Farn who offers us in “Noodle+” an album as perplexing as very difficult to ingest. An album where the noises and the atmospheres of a dead EM, not electronic effects, have precedence on an approach which began to be a bit more accessible with the album Aus-Flug  which was released to the end of 2016.
Knospensprünge" attacks literally our ears with a structure as much noisy as a guitarist who uses his fuzz wah-wah for the first time in the disorder of his room. The sounds spring in all forms with a shadow which croaks in a sound jumble where we imagine easily the hubbub behind ill-matched noodles of a synth. You were patient? And for little that we like these harmonies which are quite pale behind a wall of boisterous vibes, "Im Sumpf" is a title rather relaxing where is lying a delicate and shy melody strummed on a piano. The ambiences are a bit theatrical, kind of horror, with a specter which regurgitates its last sentence in the harmonies scattered from a piano and a bass in mode Jazz. "Metallregen" brings us back in the core of the sanctum of the sonic beast without charms. The title begins in mode ambient before colliding a wall of sounds as unappetizing as a plate of cold spaghettis. I look like a repulsive being? No, rather of an adviser for those who tries to understand the Pete Farn phenomenon! In fact, I like this universe, but in small doses, because Peter Schaefer peels the reach of the sounds like an architect who sees decorations with another eye. If there are more difficult titles, as "Knospensprünge", "Dickicht" and "Luftbewegung im Unterholz", even with its spasmodic tune, the music of Peter Schaefer stays a crossing between that of Centrozoon, percussions and guitar less, and Perceptual Defence for the avant-gardist and ambiosonic approach. Regarding that, "Klangfluss" is simply delicious. By far the best track in “Noodle+”. Always in a contemplative mode, "Schönklangs Farbreise" is a little noisier on the other hand than "Klangfluss". But these 2 long titles remain the most accessible in the universe of “Noodle+”. Even in a tissue of atmospheres as floating and heterogeneous as these last 2 titles, "Elia" stays a puddle of noises which eventually irritates with acute rustlings and monotonous voices of which the only quality is to be out of the decoration. I'm a little torn regarding "Spechtus". The moods are rather inviting, but the sounds and noises are also charming as a source of exasperation. It's pure Centrozoon, in order to well situated the reader, with a fascinating, I have to admit, chant of mechanical locusts in a night where the fauna of sleepless insects unites its stridulations in an ambience of wandering percussions.
Offered on the Bandcamp platform of SynGate Records, as well as in manufactured CD-r, “Noodle+” is above all for the aficionados of noisy vibes where the art to create music is not the priority in the world of
Pete Farn. For the audacious and the curious! I won't rank it, because it’s not quite my style.

Sylvain Lupari (August 12th, 2017)
You will find this album on the SynGate Bandcamp page here

Pour les utilisateurs de synthé, le terme Noodle signifie tous ces fils qui pendent et qui rejoignent les entrées et sorties des autres composantes du synthé. Un micmac de filage qui nous semble être l'équivalent d'une mini tour de Babel tant l'entremêlement des fils est un carrefour sans issu. Mais pour Peter Schaefer, cet embrouillamini de fils est loin d'être un amas de nouilles dans une immense assiette de spaghetti. Et ceux qui connaissent les fantaisies sonores de ce maître de la musique abstraite comprennent tout de suite où je veux en venir. La vision que nous avons de ces fils sert à merveille les fruits de l'imagination, toujours très débordante, de Pete Farn qui nous offre en “Noodle+” un album aussi déroutant que très difficile à ingérer. Un album où les bruits et les ambiances d'une MÉ sans vie ont préséance sur une approche qui commençait à être un brin plus accessible avec l’album Aus-Flug (Opera's Space) qui est paru à la fin 2016.
Knospensprünge" attaque littéralement nos oreilles avec une structure aussi bruiteuse qu'un guitariste qui utilise son fuzz wah-wah dans le désordre de sa chambre. Les sons jaillissent sous toutes formes avec une ombre qui croasse dans un micmac sonore où on imagine aisément le brouhaha derrière les nouilles mal assorties d'un synthé. Vous avez été patient? Et pour un peu que l'on aime ces harmonies qui sont toutes pâlottes derrière une muraille d'ambiances bruiteuses, "Im Sumpf" est un titre plutôt relaxe où git une délicate et timide mélodie pianotée. Les ambiances sont un brin théâtrale, genre horreur, avec un spectre qui régurgite sa sentence dans les harmonies éparpillées d'un piano et d'une basse en mode Jazz. "Metallregen" nous replonge au cœur de la tanière d'une bête sonore sans charmes. Le titre débute en mode ambiances avant de percuter un mur de sons aussi peu appétissant qu'une assiette de spaghettis froids. J'ai les apparences d’un être rébarbatif? Non, plutôt aviseur pour ceux qui cherche à comprendre le phénomène Pet Farn! En fait, j'aime bien cet univers, mais à petites doses, car Peter Schaefer décortique la portée des sons comme un architecte qui revoie les décors avec un autre œil. S'il y a des titres plus difficiles, comme "Knospensprünge", "Dickicht" et "Luftbewegung im Unterholz", même avec son refrain spasmodique, la musique de Peter Schaefer reste un croisement entre celle de Centrozoon, percussions et guitare en moins, et Perceptual Defence pour l'approche avant-gardiste et ambiosonique. À cet égard, "Klangfluss" est tout simplement délectable. De loin le meilleur titre sur “Noodle+”. Toujours en mode contemplatif, "Schönklangs Farbreise" est par contre un peu plus bruyant que "Klangfluss". Mais ces 2 longs titres restent les plus accessibles de l'univers “Noodle+”. Même dans un tissu d'ambiances aussi flottantes et hétéroclites que ces 2 derniers titres, "Elia" reste une mare à bruits qui finit par irriter avec des crissements aigus et des voix monocordes dont la seule qualité est de sortir du décor. Je suis un peu déchiré en ce qui concerne "Spechtus". Les ambiances sont assez invitantes, mais les sons et les bruits sont aussi charmeurs que source d'exaspération. C'est du pur Centrozoon, afin de mieux situer le lecteur, avec un fascinant, je dois admettre, chant de criquets mécaniques dans une nuit où la faune d'insectes insomniaques unit ses stridulations dans une ambiance de percussions errantes.
Offert sur la plateforme Bandcamp de
SynGate Records, ainsi qu'en format CD-r, “Noodle+” s'adresse avant tout aux amateurs d’ambiances bruiteuses où l'art de créer de la musique passe en second plan dans l'univers de Pete Farn. Pour les audacieux et les curieux! Pas d'étoiles car ce n'est pas tout à fait mon genre!
Sylvain Lupari 11/08/2017

jeudi 10 août 2017

SEQUENTIA LEGENDA: Ethereal (2017)

“A true lover of Klaus Schulze music, Sequentia Legenda goes beyond in his quest to reproduce the essence of retro Berlin School with this exquisite Ethereal. A must!”
1 Stratums of Seraphic Voices 26:28
2 Around the Second Moon 22:45
3 Elevation 20:36

Sequentia Legenda Music (DDL 69:49) ****
(Schulze style Retro Berlin School)
A splendid synth layer sculpted in ether spreads its wavering horizons and anchors "Stratums of Seraphic Voices" very solidly at the bottom of our eardrums. The percussions which follow adopt a charmingly hypnotic pace. A pace that several will recognize in the one that Klaus Schulze exposed in 77, with the Body Love album and the track Nowhere - Now Here, but in a clearly slower structure and a more morphic one. Built around 3 long tracks with slow minimalist evolutions, “Ethereal” is an album conceived in homage to the legendary Moog Modular and by ricochet to Klaus Schulze and his musical mirages. And digging for those delicious perfumes of the old days which rocked and flooded our ears for a too short period of time, Laurent Schieber signs here an album more than seducing which respects this will of Sequentia Legenda to recreate the atmospheres of retro Berlin School. In its minimalist envelope, holed of beautiful nuances which amplify the charms of the ethereal voices, "Stratums of Seraphic Voices" presents an intrusive structure with a pace which wins subtly in velocity and clearly more aggressive percussions. From its anesthetic shape, the music became more lively with a good game of the percussions and with cosmic effects from a synth which is more discreet at the level of the solos, there is none, but which is also more generous at the level of the textures of voices and layers filled of soft fragrances of ether. About 30 minutes on a minimalist morphic theme which ran out without any feeling of lassitude! There was only Klaus Schulze to make a success of such exploit. Laurent Schieber does as the master and this to perfection.
"Around the Second Moon" is a superb title which shows that Sequentia Legenda doesn't feed his repertoire by imitating systematically Klaus Schulze. Always in a minimalist approach, the music skips slightly in a deliciously organic and stroboscopic form. This a little bit unusual rhythmic loop is fed of effects which squeak and which vacillate in mini circular structures and in immense anesthetic layers. The tempo is structured on tom-tom percussions among which the beatings, which never run out, go to the opposite sense of the perpetual loops which are still squeaking. The percussions inject a vibe of acid electronic rock at the gate of the 7th minute. These percussions pull the hypnotic rhythm of "Around the Second Moon" towards an even more explosive tangent after the 13th minute point. Between these phases, Sequentia Legenda decorates his music of various effects and of layers always so foggy. Besides, this last very puzzling phase and the movement of the sequences which squeak literally remind me in of the track The Who in Won't Get Fooled Again. A delight for those who like when that rocks! This wild movement loses of its swiftness towards the 17th minute by being swallowed and smothered by a seraphic choir. And beneath a dense nebulosity of those huge layers of voices, the sleeping beat seeks always to be reanimated. I found that as much good than beautiful and original. "Elevation" brings us back to the Moondawn period of Klaus Schulze with huge shoals of fog and of faded voices which enclose a structure which always gets vivificated beneath the embraces of sedative layers. There is storm below these layers. A storm arisen from the percussions of which the keen and heavy rollings are forced to the anonymity, so much the strength of the shoals injects continually an anesthetizing effect in a rhythmic which doesn't stop hammering its mute revolt. It's around at the 14th minute that "Elevation" gets loosens from the layers of mist and voices, drifting into a superb rhythmic debacle worthy of the great master of analog rhythms and sounds who is also at the origin of Sequentia Legenda's music. I am not certain, but I believe to hear the whistling of a synth roaming towards the finale. And it's the only slight drawback to this wonderful music of “Ethereal”; the lack of synth solos. As soon as Laurent Schieber will be less hampered and will be free of any constraints, his music will shine in the firmament of the big names of EM. But that doesn't change the fact to “Ethereal” is a great journey in the time of the analog. Offered on real CD in a nice Digipack as well as in a download format, “Ethereal” is a must to all fans of Klaus Schulze, era 76-77.

Sylvain Lupari (August 10th, 2017)
You will find this album on the Sequentia Legenda Bandcamp page here
Une splendide nappe de synthé sculptée dans l'éther étend ses horizons vacillants et ancrent "Stratums of Seraphic Voices" bien solidement au fond de nos tympans. Les percussions qui suivent épousent une cadence délicieusement hypnotique. Une cadence que plusieurs reconnaîtront en celle que Klaus Schulze dévoilait en 77, avec l'album Body Love et le titre Nowhere - Now Here, mais dans une structure nettement plus lente et ainsi plus morphique. Construit autour de 3 longs titres aux lentes évolutions minimalistes, “Ethereal” est un album conçu en hommage au légendaire Moog Modular et par la bande à Klaus Schulze et ses mirages musicaux. Et puisant dans ces exquis parfums d'antan qui ont bercé et inondé nos oreilles pour une trop courte période de temps, Laurent Schieber signe ici un album plus que séduisant qui respecte cette volonté de Sequentia Legenda pour recréer les ambiances de la Berlin School rétro. Dans son enveloppe minimaliste, percée de belles nuances qui amplifient les charmes des voix éthérées, "Stratums of Seraphic Voices" présente une structure envahissante avec une cadence qui gagne subtilement en vélocité avec des percussions nettement plus agressives. De sa forme anesthésiante, la musique est devenue plus vivante avec un bon jeu des percussions et les effets cosmiques d'un synthé qui se fait plus discret au niveau des solos, il n'y en a aucun, mais qui est aussi plus généreux au niveau des textures de voix et des nappes aux doux parfum d'éther. Près de 30 minutes sur une thématique minimaliste morphique qui s'épuisent sans sentiment de lassitude! Il n'y avait que Klaus Schulze pour réussir pareil exploit. Laurent Schieber fait comme le maître et à la perfection.
"Around the Second Moon" est un superbe titre qui démontre que Sequentia Legenda ne nourrit pas son répertoire en imitant systématiquement Klaus Schulze. Toujours dans une approche minimaliste, la musique sautille légèrement dans une forme savoureusement organique et stroboscopique. Cette boucle rythmique peu coutumière est nourrie d'effets qui couinent et qui vacillent dans des mini structures circulaires et dans d'immenses nappes anesthésiantes. Le tempo est structuré sur des percussions tam-tam dont les battements, qui ne s'épuisent jamais, vont dans le sens contraire des sempiternels boucles couineuses. Les percussions injectent une ambiance de rock électronique acide autour de la 7ième minute. Ces percussions entraînent le rythme hypnotique de "Around the Second Moon" vers une tangente encore plus explosive après la 13ième minute. Entre ces phases, Sequentia Legenda orne sa musique de différents effets et de nappes toujours autant brumeuses. Par ailleurs, cette dernière phase très déroutante et le mouvement des séquences qui couinent me font littéralement penser à The Who dans Won't Get Fooled Again. Un délice pour ceux qui aiment quand ça brasse! Ce mouvement endiablé perd de sa vélocité vers la 17ième minute en étant absorbé et étouffé par une chorale séraphique. Et sous la dense nébulosité de ces immenses nappes de voix, le rythme endormi cherche toujours à se réanimer. J'ai trouvé ça aussi bon que beau et qu'original. "Elevation" nous ramène dans la période Moondawn de Klaus Schulze avec d'énormes bancs de brouillard et de voix éteintes qui enserrent une structure qui se vivifie toujours plus sous les étreintes des nappes sédatives. Il y a tempête sous ces nappes. Une tempête née des percussions dont les vifs et lourds roulements sont contraint à l'anonymat, tant la force des bancs injecte toujours un effet anesthésiant à une rythmique qui ne cesse de marteler sa sourde révolte. C'est autour de la 14ième minute que "Elevation" se détache des nappes de brume et de voix, voguant sur une superbe déroute rythmique digne du grand maître des rythmes et des sons analogues qui est à l'origine de la musique de Sequentia Legenda. Je ne suis pas certain, mais je crois entendre des sifflements d'un synthé errant vers la finale. Et c'est le seul petit bémol à la superbe musique de “Ethereal”; le manque de solos de synthé. Dès que Laurent Schieber sera moins gêné et sera libre de toutes contraintes, sa musique brillera au firmament des grands noms de la MÉ. Mais ça n'enlève rien à “Ethereal” qui est un excellent voyage dans le temps de l'analogue. Offert en CD manufacturé et dans un bel emballage Digipack, ainsi qu'en format téléchargeable, “Ethereal” est un must pour les fans de Klaus Schulze, périodes 76-77.

Sylvain Lupari 10/08/2017

mardi 8 août 2017

NEURONIUM: Lysergic Dream (2017)

“You have to love music to love Lysergic Dream! You have to love an audacious and meditative music”
1 Protonebula (Crossing the Wall) 22:07
2 Lysergyca 8:57
3 Mental Hideaway 10:33
4 Hauntingly Beautiful Visions 16:20
5 Unusual Road to Donsak 9:12
6 Ephymera 5:28
7 Jump to Infinity 3:47

Neuronium Music (CD 76:22) ****
(Ambient and new Pscychotronic EM)
Neuronium! Who doesn't know Neuronium? One of the oldest artists/bands in EM, Neuronium is the electronic psychotronic rock side of Michel Huygen who has a solo career as much productive, in a kind of more meditative music, than his project of band which gets dissolved with years to become finally also a solo project. “Lysergic Dream” is in the lineage of Jamais Vu with its full of contemplative music of which the rights for cerebral wanderings are besmirched by some prettily convoluted structures of rhythm. And how goes our friend Michel? Well I would say that even after 32 albums under the sign of Neuronium and 20 solo albums, our Spanish Edgar Froese has not only something interested to propose, he redefines the borders of Neuronium, a little like Digital Dream did in 1980, with an approach, both at the level of the sound and of the structure of composition, which transcends his own sound horizons and which gives a second breath to his music, if not to EM.
Protonebula (Crossing the Wall)" leads us to this analysis as soon as the first notes of a synth guitar are piercing a soft fog poisoned by orchestral layers which float like a waltz with as companion some electronic noises, as organic than futurist. Beautiful angelic voices begin to hum some 120 seconds after the opening of "Protonebula (Crossing the Wall)". We float on the wings of Vangelis here with very good orchestrations and layers of voices which pull more and more at these hairs' arms which bristle as soon as the thread of our emotions wakes up. Everything is very quiet, almost as in a pension for forsaken souls in search of mercy. The false guitar scatters its pinched notes and its riffs running in this fabulous union between tears of violins and of voices. We wait for an explosion here, but it's rather another hyper meditative phase which floats in the air with a superb celestial voice which expiates harmonies without words. It's around the 15th minute that the rhythm section of "Protonebula (Crossing the Wall)" awakes. And as much to say it straightaway, it's the first time that my ears meet such a structure. A movement of the sequencer throws ethereal rhythmic loops and the synth regurgitates fat chords which spread a fascinating slow and circular structure of rhythm. Synth layers, filled with orchestrations in the tones of the Dream of the 80's, decorate this strange structure which is now fed by percussions filled with vaporous metallic effects. Not lively for two cents, but not necessary a food for meditation, this structure of organic as electronic rhythm breathes such as a big monster which remains curled up in its den of atmospheres. Only the last minutes of "Protonebula (Crossing the Wall)" proposes a pure and hard rhythm with a lively movement of the sequencer which makes a series of keys spin like these structures of rhythm without gasoline for the feet of the analog years. Troubling and effective, "Protonebula (Crossing the Wall)" sets the tone to an album which is definitely not for timorous ears. You have to love music. You have to love an audacious and meditative music.
Lysergyca" approaches our ears with some electronic noises which are attracted by beautiful orchestral layers. If the music is purely of ambiences, its delicacy and the way Michel Huygen is doing to make us float are pure elixirs against stress, against the agitation of the senses. His delicate fingers draw movements of ethereal waltz where our soul derives to the sound of these astral harmonies. On this album, Michel Huygen has strolled in heavens with his notebook in order to gather the most beautiful voices of angels and set up a wonderful angelic choir. The small concerto which charms our ears around the 7th minute is an obvious proof. Quiet, very quiet "Lysergyca" opens a door on melancholy which continues on the very beautiful and soft "Mental Hideaway" where Neuronium has never sounded so much like Vangelis, and the very poignant "Hauntingly Beautiful Visions" among which the 16 minutes of purely ambient structure will never have seemed long. After these units of meditative music, "Unusual Road to Donsak" comes to put the disorder with a structure livened up by a will to seduce these ears difficult to fill and who were seduced by this complex movement of "Protonebula (Crossing the Wall)". This is some very creative rhythm! "Ephymera" is another morphic and meditative structure. We expect the same thing with "Jump to Infinity" and its opening which is coated by a Gregorian chant. Except that Michel Huygen likes to amaze and to surprise us. It's thus with a very beautiful electronic rhythm, borrowed to the Franke, Froese & Schmoelling years, that "Jump to Infinity" feed our ears of nostalgia and completes a surprising album which does a break in time to make a jump which will exceed it.

Sylvain Lupari (August 8th, 2017)
You will find this album on CD Baby and or Neuronium web page here

Neuronium! Qui ne connait pas Neuronium? Un des plus vieux artistes/groupes de MÉ, Neuronium est le côté rock électronique psychotronique de Michel Huygen qui a une carrière solo tout aussi productive, dans un genre de musique méditative, que son projet de groupe qui s'est dissout avec les années pour finalement devenir aussi un projet en solo. “Lysergic Dream” est dans la lignée de Jamais Vu avec son plein de musique contemplative dont les droits à l'errance cérébrale sont bafoués par des structures de rythme joliment alambiquées. Et comment se porte notre ami Michel? Eh bien je dirais que même après 32 albums sous le signe de Neuronium et 20 albums solo, notre Edgar Froese espagnol a non seulement quelque chose d'intéressant à proposer, il redéfinit les frontières de Neuronium, un peu comme Digital Dream l'avait fait en 1980, avec une approche, tant au niveau du son que de la structure de composition, qui transcende ses propres horizons soniques et qui donne un second souffle à sa musique, sinon à la MÉ.
"Protonebula (Crossing the Wall)" nous amène à ce constat dès que les premiers accords d'une guitare synthétisée percent un doux brouillard intoxiqué de nappes orchestrales qui flottent comme une valse avec comme compagnon des bruits électroniques aussi organiques que futuristes. De belles voix angéliques se mettent à fredonner quelque 120 secondes après l'ouverture de "Protonebula (Crossing the Wall)". Nous flottons sur les ailes de Vangelis ici avec de belles orchestrations et des nappes de voix qui tirent de plus en plus sur ces poils de bras qui hérissent dès que le fil de nos émotions s'éveille. Tout est très calme, quasiment comme dans une retraite pour âmes esseulées à la recherche de miséricorde. La fausse guitare éparpille ses notes pincées et ses riffs courant dans cette fabuleuse union entre larmes de violons et de voix. On attend une explosion mais c'est plutôt une autre phase hyper méditative qui flotte dans les airs avec une superbe voix céleste qui expie des harmonies sans paroles. C'est autour de la 15ième minute que la section rythmique de "Protonebula (Crossing the Wall)" s'éveille. Et autant vous le dire d'emblée, c'est la première fois que mes oreilles croisent une telle structure. Un mouvement du séquenceur lance des boucles éthérées et le synthé régurgite des accords gras qui répandent une fascinante structure de rythme lente et circulaire. Des nappes de synthé, remplies d'orchestrations aux tonalités du Dream des années 80, ornent cette étrange structure qui est maintenant nourrie par des percussions bourrées d'effets métalliques vaporeux. Pas entraînant pour deux sous, mais pas nécessairement une nourriture à la méditation, cette structure de rythme autant organique qu'électronique respire comme un gros monstre qui reste recroquevillé dans sa tanière d'ambiances. Seules les dernières minutes de "Protonebula (Crossing the Wall)" proposent du rythme pur et dur avec un mouvement vif du séquenceur qui fait virevolter une série d'ions comme ces structures de rythme sans essence pour les pieds des années analogues. Troublant et efficace, "Protonebula (Crossing the Wall)" donne le ton à un album qui n'est pas à une surprise près. Il faut aimer la musique. Il faut aimer une musique méditative et audacieuse.
"Lysergyca" aborde nos oreilles avec des bruits électroniques qui sont attirés par de belles nappes orchestrales. Si la musique est purement d'ambiances, sa délicatesse et la façon dont Michel Huygen s'y prend pour nous faire flotter sont de purs élixirs contre le stress, contre l'agitation des sens. Ses doigts délicats dessinent des mouvements de valse éthérée où notre âme dérive au son de ces harmonies astrales. Sur cet album, Michel Huygen s'est promené dans les cieux avec son calepin de notes afin de réunir les plus belles voix angéliques et mettre sur pied une superbe chorale d'anges. Le petit concerto qui charme nos oreilles autour de la 7ième minute en est une preuve évidente. Tranquille, très tranquille "Lysergyca" ouvre une porte sur la mélancolie qui se poursuit sur le très beau "Mental Hideaway" où Neuronium n'aura jamais autant sonné comme Vangelis, et le très poignant "Hauntingly Beautiful Visions" dont les 16 minutes de structure purement ambiante n'auront jamais paru longues. Après ces cellules de musique méditative, "Unusual Road to Donsak" vient foutre le désordre avec une structure animée d'une volonté de séduire ces oreilles difficiles à combler et qui ont été séduites par ce mouvement complexe de "Protonebula (Crossing the Wall)". Du rythme créatif! Ça fait du bien à entendre. "Ephymera" est une autre structure morphique et méditative. On s'attend à la même chose avec "Jump to Infinity" et son ouverture qui est nappée d'un chant grégorien. Sauf que Michel Huygen aime nous étonner et nous surprendre. C'est donc avec un très beau rythme électronique, emprunté aux années Franke, Froese et Schmoelling, que "Jump to Infinity" nourri nos oreilles avec nostalgie et complète un étonnant album qui fait une pause dans le temps afin de faire un bond qui le dépassera.

Sylvain Lupari (08/08/2017)