mercredi 22 novembre 2017

FRATOROLER: Augen-Blicke (2017)

“Augen-Blicke is some pretty good Berlin School, a little more retro, with a delicious bend towards the ambiences of Krautrock from the 70's”
1 Einblick 11:20
2 Weitblick 10:17
3 Rückblick 14:20
4 Augenblick 10:29
5 Silberblick 12:04

SynGate | CD-r FR06 (CD-r/DDL 58:32)
(Retro Berlin School, Neo-Krautrock)
It was a question of time before that Thomas Köhler and Frank Rothe turn their paths of creativity to go towards another kind than the classical Berlin School. Already that What!, released last year, flirted with the essences of Krautrock, here's that “Augen-Blicke” confirms a little more the orientation of Fratoroler for an EM livened up by the roots of German progressive rock. The newness? Thomas Köhler adds guitar and percussions to his arsenal of musical instruments which are made, as well as those of Frank Rothe, by the engineers of Manikin. This permutation of the tones from the former days with the modernity of Manikin's range of instruments gives a unique flavor to this neo-Krautrock style where the psychedelic side of the ambiences always remains dominated by the nature of sequencers.
A note of piano diffuses reverberations and melancholic ambiences at the opening of "
Einblick". A percussive effect, having the regularity of a metronome which is pressed to take the piano melody out of its daydreamer base, increases a form of pressure to create a beat. A bass pulsation hears the call, as well as the guitar which throws solos rolling in loops beneath a musical design which reflects a sound drama. This passive intensity takes root between dark layers and meditative orchestral arrangements which, united to the guitar, brings us back a bit in the universe of Ashra and of Manuel Göttsching. The music widens a dense carpet perfumed by oriental essences whereas, a little as the ambiences, the rhythm remains passive and this even if the sequences hassle a presence which aims to be more harmonious in order to support the charms of a distant flute. The percussive effects of the introduction return haunting the finale of "Einblick" which drowns itself under these layers and these orchestrations but which breathes thanks to these guitar solos which come and go in harmonious loops. The play of electronic percussions which introduces us to "Weitblick" breathes that of Tangerine Dream in the opening of the magnificent Poland. Moreover, the 10 minutes which follow seem to be inspired of this model with a nice crossroad of sequence lines and by the percussive effects which beat and sparkle under the chords of a melodious keyboard and layers of synth in colors as much resounding as a blue azure. Streaming of twinkling sequences, keyboard chords as well as a little more colorful effects try to take us away from the inspirations of this legendary title from the trio Franke, Froese and Schmoelling but it's a waste of time because that all that turn around it, I even hear echoes of Logos, leads us irreparably to this impressive work of TD.
We are entitled to a small chthonian pause with the introduction of "
Rückblick". Lines of flutes, satanic choir and effects of neutralizing gas flood our ears which jump slightly with the unexpected arrival of harmonious ringings of small seraphic bells. We feel the rhythm waking up slowly, like an impatient horse which has just awaken, around the 4th minute. But like an effect of spell, the Memotron flute calms down this impulse which seems to be born only from my imagination. The rhythmic portion will wake up rather at about the 6th minute with a resonant sequence, as if it came from the big Moog of Redshift. The awakening takes its time and appears with a less dark line which skips and crosses the alternate movement of the sequencer such as scissors dancing in a music tissue. That gives these beautiful electronic rhythms which zigzag with a thousand small steps pressed in an environment as charming as the golden years of vintage EM. With percussions and guitars, "Augenblick" offers a good cosmic rock a bit psychedelic of the same years. The sound as well as the wall of effects and ambiences, and especially the jerky percussions, are stylizing a very vintage Ashra. If I quite enjoyed "Weitblick", I find "Silberblick" much better. The link which unites these two titles is the skeleton of the static rhythm. Except that here the synths, very in mode Tangerine Dream, are clearly more dominant and breathe laments of a scarlet blue that make the eardrums burst with sound effects and a veil of music which flirt with a dramatico-intense approach. Little by little, the title gets loose from its static membrane and offers a more fluid rhythm which reminds me Green Desert, as much for the percussions which sound so much like these old electronic beat-boxes than these lines and layers from a synth which at the end throws some really good solos as the end get nearer. The art of imitating Tangerine Dream without that nothing looks like!
I would say a little less in creative mode than
What!, except that “Augen-Blicke” stays in the continuity of the previous Fratoroler albums. It's some pretty good Berlin School, a little more retro, with a delicious bend towards the ambiences of Krautrock from the 70's. But not enough to frighten those who were always cooled by this musical genre consumed in the time by strong hallucinogenic drugs. And those who were unable to resist to Poland will be delighted to hear essences of it, in this way that Thomas Köhler and Frank Rothe have to reproduce the sound of Tangerine Dream without that nothing, or almost, sounds like it!

Sylvain Lupari (November 22nd, 2017) ***¾**
You will find this album on SynGate Bandcamp
C'était une question de temps avant que Thomas Köhler et Frank Rothe ne dévient de leurs routes de créativité afin d'embraser un autre genre que celui du Berlin School classique. Déjà que What!, paru l'année dernière, flirtait avec les essences du Krautrock, voilà que “Augen-Blicke” confirme un peu plus l'orientation de Fratoroler pour une MÉ animée par les racines du rock progressif Allemand. La nouveauté? Thomas Köhler ajoute la guitare et les percussions à son arsenal d'instruments de musique qui sont confectionnées, ainsi que ceux de Frank Rothe, par les ingénieurs de Manikin. Cette permutation des tonalités d'antan avec la modernité des instruments de Manikin donne une saveur unique à ce néo-Krautrock où le côté psychédélique des ambiances reste toujours dominé par la nature des séquenceurs.
Une note de piano étend réverbérations et ambiances mélancoliques en ouverture de "Einblick". Un effet percussif ayant la régularité d'un métronome qui est pressé de sortir la mélodie du piano de son socle rêvasseur augmente une forme de pression afin de créer du rythme. Une basse pulsation entend l'appel, de même qu'une guitare qui lance des solos roulant en boucles sous une trame musicale qui reflète un drame sonique. Cette intensité passive prend racine entre des nappes sombres et des arrangements orchestraux méditatifs qui, unies à la guitare, nous ramène un peu dans l'univers d'Ashra et de Manuel Göttsching. La musique déroule un dense tapis parfumé d'essences orientales et, un peu comme les ambiances, le rythme reste passif et ce même si des séquences accentuent une présence qui se veut plus harmonique afin de soutenir les charmes d'une flûte lointaine. Les effets percussifs de l'introduction reviennent hanter la finale de "Einblick" qui se noie sous ces nappes et ces orchestrations mais qui respire grâce à ces solos de guitare qui vont et viennent en boucles harmoniques. Le jeu des percussions électroniques qui nous introduit à "Weitblick" respire celui de Tangerine Dream dans l'ouverture du magnifique Poland. D'ailleurs, les 10 minutes qui suivent semblent s'inspirer du modèle avec un enchevêtrement de lignes de séquences et des effets percussifs qui battent et pétillent sous des accords d'un clavier mélodieux et des nappes de synthé aux couleurs tant réverbérantes que d'un bleu azuré. Quelques chapelets de séquences scintillantes, des accords de clavier ainsi que des effets un peu plus bigarrés tentent de nous éloigner des inspirations du légendaire titre du trio Franke, Froese et Schmoelling mais c'est peine perdue car tout ce qui cogite autour, j'entends même des échos de Logos, nous ramène irrémédiablement à cette imposante œuvre de TD.
Nous avons droit à une petite pause chtonienne avec l'introduction de "Rückblick". Lignes de flûtes, chorale satanique et effets de gaz neutralisant inondent nos oreilles qui sursautent légèrement avec l'arrivée inattendue de tintements harmoniques de petites clochettes séraphiques. On sent le rythme s'éveiller doucement, comme un cheval impatient, autour de la 4ième minute. Mais comme un effet sortilège, la flûte du Memotron calme cette impulsion qui semble naître que de mon imagination. La portion rythmique s'éveillera plutôt vers la 6ième minute avec une séquence résonnante, comme si elle venait du gros Moog de Redshift. L'éveil prend son temps et surgit avec une ligne moins ténébreuse qui sautille et entrecroise le mouvement alternatif du séquenceur comme des coups de ciseaux dans un tissu de musique. Ça donne ces beaux rythmes électroniques qui zigzaguent avec mille petits pas pressés dans un environnement aussi enchanteur que les années d'or de la MÉ vintage. Avec percussions et guitares, "Augenblick" offre un bons rock cosmique un brin psychédélique de ces mêmes années. Le son ainsi que la muraille d'effets et d'ambiances, et surtout les percussions saccadées font Ashra très vintage. Si j'ai bien aimé "Weitblick", je trouve "Silberblick" bien meilleur. Le lien qui unit ces deux titres est l'ossature du rythme statique. Sauf qu'ici les synthés, très en mode Tangerine Dream, sont nettement plus dominants et insufflent des complaintes d'un bleu écarlate à faire éclater les tympans avec des effets sonores et une voile de musique qui flirtent avec une approche dramatico-intense. Peu à peu, le titre se détache de sa membrane statique et offre un rythme plus fluide qui me fait penser à du Green Desert, autant pour les percussions qui sonnent tellement comme ces vieilles boîtes à rythme électronique que les lignes et nappes de synthés qui lancent finalement de bons solos à mesure que la finale approche. L'art d'imiter Tangerine Dream sans que rien ne paraisse!
Je dirais un peu moins en mode créatif que What!, sauf que “Augen-Blicke” reste dans la continuité des œuvres précédentes de Fratoroler. C'est du bon Berlin School, un peu plus rétro, avec un savoureux détour vers les ambiances du Krautrock des années 70. Mais pas assez pour effrayer ceux qui ont toujours été refroidi par ce genre musical consumé à l'époque par de fortes drogues hallucinogènes. Et ceux qui ont craqué pour Poland seront ravis d'y entendre des essences avec cette façon qu'ont Thomas Köhler et Frank Rothe d'imiter Tangerine Dream sans que rien ne paraisse!
Sylvain Lupari (12/11/2017)

lundi 20 novembre 2017

GERT EMMENS: Stories from Floating Worlds 1 (The Turbulent Years) (2017)

“Still here, Gert Emmens succeeds to charm us strongly with his unique synth tone and those moving rhythms which weave some splendid sonic painting”
1 Wandering Between Floating Worlds 12:00
2 Revolution 28:35
3 Why it was Better to Stay Inside Until Dawn... 18:36
4 Signs from the Underground 11:47

Groove Unlimited ‎– GR-241 (CD 71:40)
(Cosmic Berlin and Netherlands School)
Gert Emmens became a familiar face in the kingdom of EM. His name, as well as that of the Ron Boots, comes to our mind once when we speak about dominant figures in the field of Netherlands School. And his albums are loyally expected by the fans of Berlin School. The price of this glory is that the criticism became more demanding, of whom I, in the course of his numerous albums. The problem with Gert is that these albums display this tone so unique to his synths and in this sound air mass that he extirpates from his instruments with a fascinating electronic poetry since Wanderer of Time in 2003. The ambient rhythms, the floating rhythms are also a part of this signature. About 25 albums farther and 15 years later, this challenge that he has to raise constantly in order to maintain this status of EM's star may become heavy on his creativity. There were moments when I got lost in his sound constellations and when I questioned his direction of creativity so much each album takes roots in the precedent. But there was always a little something that bring me back to reason, to home. His very poetic solos, his arrangements drawn from the oil of nostalgia and especially his unstoppable movements in his algorithms of rhythms are so many factors of seduction which commanded me to listen a part of his huge discography each time, or almost, that I received a new album. As here where I threw an ear at The Nearest Faraway Place. And add to it the fact that he adds since a couple of years to his structures, always complex and convoluted, real percussions and electric guitar, we have a cocktail here which can only be explosive but also made in the unexpected. Inspired by Roger Dean's works, “Stories from Floating Worlds 1 (The Turbulent Years)” is at the image of its wonderful artwork painted by Liu Zishan and proposes 4 long titles with a music, as it is often the case in the Emmens universe, which makes float literally the rhythms and our senses.
"Wandering Between Floating Worlds" begins with an explosion which releases a mass of hollow breezes. Throughout these breezes and layers of a chthonian choir, a piano crumbles its meditation whereas that suspect noises, some even organic, invade the atmospheres. Percussive sounds, effects of rattlers and apocalyptic layers throw an aura of apprehension over the first 4 minutes of the title. And taken out of this nothingness where the sounds are born, a movement of sequences sculpts these lifeless and ambient rhythms so comfortable at Emmens signature. This rhythm surfs with fluid jumps in order to draw these zigzagging movements of ambient rhythms. The synths whistle celestial harmonies whereas this rhythm lets drop some nuances to modify slightly this structure which skips now with a more twinkling shadow. Soft and floating, "Wandering Between Floating Worlds" raises brilliantly the sense of his title while it moves forward towards its finale which is tinted by these solos which charm as those of Vangelis. Complex and convoluted? Absolutely! But not with this title. "Revolution" on the other hand will fill your ears much over their capacities! Throughout explosions and through their felted echoes, a first movement of the sequencer establishes a structure which waddles innocently. Effects of explosions and very lengthened tears of synth paint the soundscape. And Gert Emmens doesn't waste time! From the 2nd minute, he adds another line of rhythm which crawls with more heaviness than in that of "Wandering Between Floating Worlds". The soundscape repulses of mist and of gasifying effects whereas the pace accentuates the killing of the moods with keys which flutter and sparkle as well as great and harmonies of a synth which suits very well to the evolutionary velocity of the rhythm. Riffs of synth and other sequences decorates the ascent of "Revolution" towards layers of muted voices. Not even 6 minutes farther and heavier than lively, the music pulls us towards the so many electronic delights that our ears embrace with delight. After a brief ambiospherical break, rhythm passes in 2nd speed with an oscillatory movement loaded of small jerky fluctuations. It's at this moment, around the 11th minute, that the percussions land and machine-gun the pace to establish a dynamic and progressive electronic rock. There is not to say; Gert is very skillful on skins. Another ambiospherical phase, with sequences which sparkle and swirl in the velvet of the sung layers, and "Revolution" goes back to real life with a movement of stubborn sequencer which rushes towards another phase of rock with Gert who has a lot of fun to mistreat his drums. The riffs of keyboard, the voices and mists of a Mellotron and the movements of the sequencer place the music in the unfinished corridors of the 70's, near a TD zone let's say, where only the synth solos of stigmatize the hold of Gert Emmens on his music. The percussions vanished and out of breath, the sequencer decreases the fury in the oscillating of its lines to lead an ambient rhythm which, once again, suits very well to the melancholic approach to the synth. Very good! It's one of very good titles with complex evolutions that I heard this year and I find the effect even better without my headphone. Some big Emmens here!
"Why it was Better to Stay Inside Until Dawn ..." is not bad either. I would even say that it's more intense and emotive. Its rhythm derives with nice curvatures in its shapes between the floating islands on the back of a sequencer which is not afraid of multiplying its lines of rhythms while maintaining the cape on its main road. The opening is a little bit long, we speak here of about 6 minutes of mists and fogs filled of effects and very good orchestrations, and, in spite of a short ambiospherical phase, the pace maintains its power with a strong movement of the sequencer. On the other hand, the introduction of "Signs from the Underground" doesn't take time to set its rhythmic structure. Fourthly-two seconds after suspect noises trapped in hollow winds, a stream of sequences glitters and sings a sweet morphic lullaby. This fragile minimalist movement crosses a long pond of winds and effects long of 2 minutes that another stream of sequences gives a more vigor impulse to the rhythmic horde which harmonizes its pace with a just as much melodious vision. The rhythm is flying around with one wing and stagnates in a puddle of effects where piano notes which erode its landscape. Gert's melancholic soloes add a human touch to this landless civilization while these sequences which always ring in the background make sing and shine the stars. "Signs from the Underground" always derives without touching any land, a little like a story that we know incomplete and whose second volume we look forward. Because there will be well a volume 2, Gert informed to me that a trilogy is not in the schedule at the moment, to “Stories from Floating Worlds 1 (The Turbulent Years)”, a solid opus where the romance, the poetry and the melancholy of Gert Emmens flirt with the unreal as much as the tangible in this work where the rhythms multiply without corrupting the essence of an EM which sticks marvelously with the theme of his author.

Sylvain Lupari (November 20th, 2017) *****
You will find a way to buy this album on Groove NL.
Gert Emmens est devenu un visage familier dans le royaume de la MÉ. Son nom, ainsi que celui de Ron Boots, nous vient tout de suite à l'esprit lorsque l'on parle de figures dominantes dans le domaine de la Netherlands School. Et ses albums sont loyalement attendus par les fans de la Berlin School. Le prix de cette gloire est que la critique est devenue plus exigeante, dont moi, au fil de ses nombreux albums. Le problème avec Gert est que ces albums affichent cette sonorité unique à ses synthés et à cette masse d'air sonique qu'il extirpe de ses instruments avec une fascinante poésie électronique depuis Wanderer of Time en 2003. Les rythmes ambiants, les rythmes flottants font parties aussi de cette signature. Près de 25 albums plus loin et 15 ans plus tard, ce défi qu'il a de continuellement lever la barre toujours un peu plus haute peut devenir pesant sur sa créativité. Il y a eu des moments où je me perdais dans ses constellations sonores et que mettais en doute son sens de la créativité tant chaque album soutire ses racines du précédent. Mais il y avait toujours un petit quelque chose que me ramenait à la raison, à la maison. Ses solos très poétiques, ses arrangements puisés dans l'huile de la nostalgie et surtout ses imparables mouvements dans ses algorithmes de rythmes sont autant de facteurs de séduction qui me commandaient d'entendre une partie de sa collection à chaque fois, ou presque, que je recevais un nouvel album. Comme ici où j'ai jeté une oreille The Nearest Faraway Place. Et ajouter à cela le fait qu'il ajoute depuis une couple d’années à ses structures, toujours complexes et alambiquées, des vraies percussions et une guitare électrique, nous avons là un cocktail qui ne peut qu'être explosif mais aussi fait dans l'inattendu. Inspiré des œuvres de Roger Dean, “Stories from Floating Worlds 1 (The Turbulent Years)” est à l'image de sa superbe pochette peinte par Liu Zishan et propose 4 longs titres avec une musique, comme c'est souvent le cas dans l'univers Emmens, qui fait flotter littéralement les rythmes et nos sens.
"Wandering Between Floating Worlds" débute par une explosion qui libère une masse de brises caverneuses. Au travers ces brises et des nappes d’une chorale chtonienne, un piano émiette sa méditation alors que des bruits suspects, certains organiques, envahissent les ambiances. Des bruits percussifs, des effets de crotales et des nappes apocalyptiques jettent une aura d'inquiétude sur les 4 premières minutes du titre. Et sorti de ce néant où les sons naissent, un mouvement de séquences sculpte ces rythmes mollasses et ambiants si confortables à la signature Emmens. Ce rythme ondule avec des sauts fluides afin de tracer ces mouvements zigzagants des rythmes ambiants. Les synthés sifflent des harmonies célestes alors que ce rythme lance quelques nuances afin de modifier légèrement cette structure qui sautille maintenant avec une ombre plus scintillante. Doux et flottant, "Wandering Between Floating Worlds" arbore avec brio le sens de son titre alors qu'il avance vers sa finale qui est teintée de ces solos qui charment comme ceux de Vangelis. Complexes et alambiquées? Absolument! Mais pas avec ce titre. "Revolution" pas contre nous en met plein les oreilles! Au travers d’explosions et de leurs échos feutrés, un premier mouvement du séquenceur établit une structure qui se dandine innocemment. Des effets d'explosions et des larmes de synthé très allongées peinturent le décor. Et Gert Emmens ne perd pas de temps! Dès la 2ième minute franchie, il ajoute une autre ligne de rythme qui rampe avec plus de lourdeur que dans celui de "Wandering Between Floating Worlds". Le paysage sonique refoule de brume et d'effets gazéifiant tandis que la cadence accentue la mise à mort des ambiances avec des ions qui volettent et clignotent et des harmonies d'un synthé qui cadre bien avec la vélocité évolutive du rythme. Des riffs de synthé et d'autres séquences ornent l'ascension de "Revolution" vers des nappes de voix muettes. Même pas 6 minutes plus loin et plus lourde que vive, la musique nous entraîne vers moult délices électroniques que nos oreilles étreignent avec délice. Après une brève pause ambiosphérique, le rythme passe en 2ème vitesse avec un mouvement oscillatoire avec de petites fluctuations saccadées. C'est à cet instant, autour de la 11ième minute, que les percussions débarquent et mitraillent la cadence pour instaurer un rock électronique dynamique et progressif. Il n'y a pas à dire; Gert est très habiles aux futs. Autre phase ambiosphérique avec des séquences qui scintillent et tournoient dans le velours des nappes chantées et "Revolution" revient à la charge avec un mouvement du séquenceur têtu qui fonce vers une autre phase de rock avec un Gert qui s'amuse comme un fou à maltraiter ses peaux. Les riffs de clavier, les voix et brumes du Mellotron et le mouvement du séquenceur situent la musique dans les corridors inachevés des années 70, un style assez TD mettons, où seuls les solos de synthé stigmatisent l'emprise de Gert Emmens sur sa musique. Les percussions éteintes et à bout de souffle, le séquenceur diminue la furie dans l'alternance de ses lignes afin de conduire un rythme ambiant qui, encore une fois, cadre très bien avec l'approche mélancolique du synthé. Très bon! C'est un des très bons titres à évolutions complexes que j'ai entendu cette année et je trouve l'effet encore meilleur sans mes écouteurs. Du grand Emmens!
"Why it was Better to Stay Inside Until Dawn..." n'est pas vilain non plus. Je dirais même qu'il est plus intense et émotif. Son rythme dérive avec de belles courbes entres les îles flottantes sur le dos d'un séquenceur qui n'a pas peur de multiplier ses lignes de rythmes tout en maintenant le cap sur sa route principale. L'ouverture est un peu longue, on parle ici de près de 6 minutes de brumes et de brouillards gonflés d'effets et de très belles orchestrations, et, malgré une courte phase ambiosphérique, la cadence maintient sa puissance avec un solide mouvement du séquenceur.  Par contre l'introduction de "Signs from the Underground" ne mets pas de temps à ériger sa structure rythmique. 42 secondes après des bruits suspects dans des vents creux, un chapelet de séquences miroite et chante une douce berceuse morphique. Ce fragile mouvement minimaliste traverse un bassin de vents et d'effets long de 2 minutes avec qu'un autre chapelet de séquences donne un plus bel élan à la horde rythmique qui harmonise sa cadence avec une vision tout autant mélodieuse. Le rythme bat de l'aile vivement et stagne dans une mare d'effets où des accords de piano érodent son paysage. Les solos mélancoliques de Gert ajoutent une touche humaine à cette civilisation sans terre alors que tintent toujours ces séquences qui font chanter les étoiles. "Signs from the Underground" dérive toujours sans toucher Terre, un peu comme une histoire que l'on sait incomplète et dont on attend le second volume avec impatience. Car il y aura bien un volume 2, Gert m'a signifié qu'une trilogie n'est pas à l'agenda, à “Stories from Floating Worlds 1 (The Turbulent Years)”; un solide opus où la romance, la poésie et la mélancolie de Gert Emmens flirtent avec l'irréel autant que le tangible dans cette œuvre où les rythmes se multiplient sans pervertir l'essence d'une MÉ qui colle à merveille avec le thème de son auteur.

Sylvain Lupari 20/11/2017

samedi 18 novembre 2017

REMY: The Return of Planet X (2017)

“This is  what I call a real masterpiece in contemporary EM with a right balance between the orchestral and electronic instruments”
1 Movement I: Orbits of Planets 11:48
2 Movement II: Apogee 6:55
3 Movement III: Nibiru's Orbit 13:05
4 Movement IV: Anunnaki 11:38
5 Movement V: Perigee 15:47
6 Movement VI: Nibiru Cataclysm 12:40

Deserted Island Music | DIM-006 (CD 74:06)
(Netherlands School, Schulze circa 85-90)

For most great pleasure of my ears, Remy has hung his feet in the digital era of Klaus Schulze from 85 to 90. Therefore, his music oscillates slowly between the long nightmarish corridors of the endless nights and the structures of rhythms which refuse any abdication. Recorded during a concert where all the fans of Remy and Ron Boots, because he was there, would have liked to be, “The Return of Planet X” is a full work which joins the strongest opuses of the contemporary EM. This delicious duel between symphonic music, freed here by stringed instruments, grand piano and a choir, and electronic music was recorded in front of public on May 19th, 2012 at the Grote of St.Bavokerk in Haarlem, The Netherlands. Conceived and composed according to the observations of Remy Stroomer on the theories and the prophecies of the Mayas people who predicted a global cataclysm in 2012, the music of “The Return of Planet X” remains charmingly frozen in time, a little as if the Dutch musician is still roaming again and again in the labyrinths of his incomparable Exhibition of Dreams. Except that for the 1st time since Different Shades of Dust, realized in 2004, Remy succeeded in making up a work which survives to Exhibition of Dreams which, let's remind it, was written in 1999. A very solid opus which deserves amply its place on the high walking of the EM temple.
"Movement I: Orbits of Planets" puts us at once in the moods with a delicious slow introduction. The movements of the violins from Dick Bijlsma and Wouter de Ruyter and of the cello by Martine de Ket are like some long anesthetic sighs which extend these shadows of worry which are for several of us of the purveyors of insomnia. There is a binary complex in these harmonies with a violin which cries with a higher octave. Somber, this movement explains all the power of Remy to create ambiences tinted by the Gothic romances of the darkness! Lost steps in these tears organize the genesis of a quiet rhythm which little by little exhorts the electronic percussions to flirt with the latent liveliness of the sequencer. It's around these slow and minimalist structures that the creativity of Remy Stroomer reaches his pinnacles The Dutch musician multiplies the percussive effects which lean against a structure built on the bases of the sequencer to which are grafted a panoply of groans and frozen arias which are drawn from the depth of his synths and, when possible, in the slow impulses of the stringed instruments. From uncertain to zigzagging, the structure of "Movement I: Orbits of Planets" reaches a good mid-tempo which aims a techno for amorphous souls with the addition of good bass pulsations and the electronic percussions a little more freed from the rigidity of the Kraftwerk style. With its series of 3 chords lost in the mist, "Movement II: Peak" exploits an approach a little more in the psybient vibes. Strange organic murmurs escort this solitary walking towards God only knows where. The stringed instruments weave a surrealist decoration that a synth supports with good solos. It's a segment in the career of Klaus Schulze which wasn't exploited a lot by the latter. And Remy is paying back, note for note, the rights to the German master of ambient and suspenseful music between his 85 to 90 years. While the chant of a real choir adds to the weight of the alarming immoderation, an avalanche of percussions comes down on "Movement II: Peak" a little before the door of 5 minutes, forging a tumult in the quietness with a spasmodic breakdown. When the tragic and the upheaval meet!
The choir, very abyssal, entails the finale towards the slow movement of "Movement III: Nibiru's Orbit" which is the witness of an uneven duel between a piano in mode romance for darkness and pretty nervous percussions. The duel escapes in half-time, revealing the charms of a good mid-tempo with sequences and zealous percussions. The orchestrations behind these rhythms of a tribe of a secret and vanished society, and which nevertheless seems quite ahead of us, add a weight of discord with lento movements which are rejected by a meshing of percussions and frenzy sequences. This bipolarity in rhythm and the ambiences continues with "Movement IV: Anunnaki" which reproduces, with nuances and subtleties in the effects and in the chants of the synth's solos, the slow evolutions of the two previous titles. After the mist which follows the explosion of its finale, chords of a synth guitar throw an aura of romanticism to the introduction of "Movement V: Perigee". If some of you are making a link here with the very solid In Blue from Klaus Schulze, you are right on it. The movement encroaches its 16 minutes with a latent velocity. Remy takes good care to decorate each second with organic effects, discords here and there among the stringed instruments and chords which increase the intensity of the music which now approaches a good big evolutionary symphonic electronic rock a bit after the door of 7 minutes. "Movement VI: Nibiru Cataclysm" ends this ode to disaster with a kind of radioactive outdoor Mass. The choir is of sweetness and calms down an opponent in the piano that we hardly hear behind this nuclear veil. A priest recites a hardly whispered homily, a little as if the life which resists is shameful of its survival. The hummings make vibrate my eardrums and remind to me all the intensity of this work which didn't need "Movement VII: After The Deluge" which is a little like the musical prologue of “The Return of Planet X”. That's what I call a real masterpiece in the contemporary EM scene signed Remy. You don't to miss this one!

Sylvain Lupari (November 17th, 2017) *****
You will find a way to buy this album in this Blog about Remy
Pour le plus grand plaisir de mes oreilles, Remy s'est délicieusement accroché les pieds dans la période 85-90 de Klaus Schulze. De ce fait, sa musique oscille doucement entre les longs corridors cauchemardesques des nuits sans fin et des structures de rythmes qui refusent toute abdication. Enregistré lors d'un concert où tous les fans de Remy et de Ron Boots, parce qu’il y était, auraient aimé être, “The Return of Planet X” est une œuvre à part entière qui s'inscrit dans les solides opus de la MÉ contemporaine. Ce délicieux duel entre la musique symphonique, délivré ici par des instruments à cordes, un grand piano et une chorale, et la musique électronique fut enregistré devant public le 19 Mai 2012 à la Grote de St.Bavokerk à Haarlem au Pays-Bas. Composée selon les observations de Remy Stroomer sur les théories et prophéties Mayas qui prédisaient un cataclysme planétaire en 2012, la musique de “The Return of Planet X” reste délicieusement figée dans le temps, un peu comme si le musicien Néerlandais errait encore et toujours dans les labyrinthes de son incomparable Exhibition of Dreams. Sauf que pour la 1ière fois depuis Different Shades of Dust, réalisé en 2004, Remy est parvenu à composer une œuvre qui survit à Exhibition of Dreams qui, rappelons-le, fut composé en 1999. Un très solide opus qui mérite amplement sa place sur les hautes marches du temple de la MÉ.
"Movement I: Orbits of Planets" nous met tout de suite dans le bain avec une savoureuse introduction lente. Les mouvements des violons de Dick Bijlsma et Wouter de Ruyter et du violoncelle de Martine de Ket sont comme de longs soupirs anesthésiants qui étendent ces ombres d'inquiétude qui sont pour plusieurs d'entre nous des pourvoyeurs d'insomnie. Il existe une complexe binarité dans ces harmonies avec un violon qui pleure avec une octave plus haute. Sombre, ce mouvement explique toute la puissance de Remy à créer des ambiances teintées des romances gothiques des ténèbres! Des pas dans ces pleurs organisent la genèse d'un rythme tranquille qui peu à peu exhorte les percussions électroniques à flirter avec la vivacité latente du séquenceur. C'est autour de ces structures lentes et minimalistes que la créativité de Remy Stroomer atteint son zénith. Le musicien Néerlandais multiplie les effets percussifs qui s'accotent à une structure construite sur les bases du séquenceur où se greffent une panoplie de gémissements qui sont puisés dans les interstices de son synthé et, lorsque possible, dans les lents élans des instruments à cordes. D'incertaine à zigzagante, la structure de "Movement I: Orbits of Planets" atteint un bon mid-tempo qui vise un techno pour âmes amorphes avec l'ajout de bonnes pulsations basses et des percussions électroniques un peu plus libérées de la stoicité du style Kraftwerk. Avec sa série de 3 accords perdus dans la brume, "Movement II: Apogee" exploite un peu plus une approche de psybient. D'étranges bruissements organiques accompagnent cette marche solitaire vers Dieu seul sait où. Les instruments à cordes tissent un décor surréaliste qu'un synthé appuie avec de bons solos. C'est un segment dans la carrière de Klaus Schulze qui fut très peu exploité par ce dernier, et Remy donne le change, note pour note, au maître Allemand de la musique d'ambiances et de suspense entre 85 et 90. Alors que les chants d'une véritable chorale ajoutent au poids de la démesure angoissante, une avalanche de percussions s'abat sur "Movement II: Apogee" un peu avant la porte des 5 minutes, forgeant le tumulte dans la sérénité avec une dépression spasmodique. Quand le tragique et la tourmente se rencontre!
La chorale, très abyssale, entraîne la finale vers le mouvement lent de "Movement III: Nibiru's Orbit" qui est le témoin d'un duel inégal entre un piano en mode romance pour les ténèbres et des percussions nerveuses. Le duel s'échappe en mi-temps, dévoilant les charmes d'un bon mid-tempo avec des séquences et percussions frénétiques. Les orchestrations derrière ces rythmes d'une tribu d'une société secrète et disparue, et qui néanmoins semble bien en avance sur nous, ajoutent un poids de discorde avec des mouvements lentos qui sont rejetés par un maillage de percussions et séquences frénétiques. Cette bipolarité dans les rythme et les ambiances se poursuit avec "Movement IV: Anunnaki" qui copie avec nuances et subtilités dans les effets et chants en solos du synthé, les lentes évolutions des deux titres précédents. Après la brume qui suit l'explosion de sa finale, des accords de guitare synthétisée jette une aura de romantisme à l'introduction de "Movement V: Perigee". Si certains d'entre vous font un lien ici avec le très solide In Blue de Klaus Schulze, je vous dirais c'est tout à fait vrai. Le mouvement étale ses 16 minutes avec une vélocité latente. Remy prend bien soin de décorer chaque seconde avec des effets organiques, une discorde dans les instruments à cordes et des accords qui augmentent l'intensité du titre qui aborde un bon gros rock électronique symphonique évolutif un peu après la porte des 7 minutes. "Movement VI: Nibiru Cataclysm" termine cette ode au désastre avec un genre de Messe en plein air radioactive. La chorale est de douceur et calme un piano contradicteur que l'on entend à peine derrière ce voile nucléaire. Un prêtre récite une homélie à peine chuchotée, un peu comme si la vie qui reste est honteuse de sa survie. Les bourdonnements font vibrer mes osselets dans les oreilles et me rappelle toute l'intensité de cette œuvre qui n'avait pas besoin de "Movement VII: After The Deluge" qui est un peu comme le prologue musical de “The Return of Planet X”, un petit chef d'œuvre dans la MÉ contemporaine signée Remy. Un incontournale!

Sylvain Lupari 18/11/2017

A piece of the event

jeudi 16 novembre 2017

SHANE MORRIS & FRORE: Eclipse (2017)

“Eclipse is a solid album of tribal trance and of tribal ambiences with an amazing world of percussions and of strings and winds instruments which team up to build wonderful exotic vibes”
1 Anima 8:50
2 Calling Down the Sun 8:56
3 Feather and Claw 10:33
4 Stone Arch 6:10
5 Shadow Medicine 9:15
6 Nomadic Dreaming 10:47
7 Changing Seasons 8:36
8 A Lonely Path 6:33

Spotted Peccary Music | SPM 9085 (CD/DDL 69:40)
(Tribal ambient soundscapes and tribal beats)
Hoarse, buzzing and powerful! Synth lines rise from the West and rage with a handful of mooing, "Anima" wakes up with some fascinating hummed murmurs, panting of didgeridoo and superb frame drums. The synth lines try as best as possible to pierce out, to say the least to cover, this furious tribal trance with reflections of tranquility. Waste of time! The chants of the desert don't even succeed putting to sleep these fascinating and very lively tom-toms. And this is what my ears and my feet want the most; hear roaring out the percussions which burst out on tense skins. Pursuing this incredible odyssey in the most intriguing aspects on Earth, the duet Morris and Frore brings us towards the fathomless beauties of an eclipse. Between these wild horizons and these states of meditation, the music of “Eclipse” knocks with a tone as lively as the colors of an eclipse and of the wild side of the various observation posts in the wild life. Here, one would imagine to be in full southern jungle with a sonic flora painted by thousand tropical delights and where the dominant percussions tame the bewitching approach of the synths which shine with beautiful colors, like the tail of a god peacock. "Calling Down the Sun" is simply exotic with its lascivious dance introduced by the heat of the synths. The rhythms around this album decuple the exuberant approach of the music. The flutes are as much silky than the shadows of the synths, as in the very beautiful "Feather and Claw" where they sing and even speak to us.
This 2nd get-together of this duet who are sculptor of sounds and ambiences is as much rich in tones and in allochthones percussions, like in the very good
Blood Moon. We find the same diversity in the choice of instruments with didgeridoos, Amerindian and transversal flutes and other instruments of which the charms are entwined with those of synths perfumed by essences of the deserts and of tribal bewitching spirits. The percussions are the key of this album, like in Blood Moon, with rhythms of shamanic trances supplied by djembes and frame drums while the sequencer and the synths add superb percussive effects. "Stone Arch" is a title sculpted around gluttonous elements of ambiences which will abrade your walls. Intense, if one likes a vertical avalanche of sounds! "Shadow Medicine" exploits an ancestor tribal rhythm with effects of flutes and especially some sharp synth breezes which seem to have pierce the sides of a mountain with about ten very tiny holes. The rhythm of "Nomadic Dreaming" is alive as a musical meeting between Steve Roach & Byron Metcalf. The synth layers and the effects of an enchanted forest temperate finally the drawling percussions and the very good percussive effects of Shane Morris on "Changing Seasons". This flora of sounds is a pure delight for those who feed of it! "A Lonely Path" offers a music as much mysterious and uncomfortable as its title indicates it. It's like walking through the woods on an evening of a quiet moon. You know what I mean? And it's a big strength in this album; stick a musical image on the idea behind each title. Among other big strengths, let's note this symbiosis between the electronic elements, I found that Frore (Paul Casper) has a lot of imagination in his palette of sound colors and of sound effects, which are very creative at some points, and the frenzy of the percussions which make a beautiful balance between a more acoustic approach versus the electronic elements, especially the line of bass, propagated by the synths and the sequencer. These synths are rich in emotions while the sequencer is more discreet. The lively rhythms, the fluty melodies and the effects of voices are also small traps of seduction. In brief, “Eclipse” is a solid album of tribal trance and of tribal ambiences which finds as much its reason with a good pair of earphones than freely throughout our loudspeakers in our listening room. A rather rare phenomenon in the industry that the Spotted Peccary label masters since moons. Solid and intense, from "Anima" to "A Lonely Path"!
Sylvain Lupari (November 15th, 2017) *****
Available tomorrow on
Spotted Peccary Bandcamp and web shop

Rauques, bourdonnantes et puissantes! Des lignes de synthé s'élèvent à l'ouest et ragent avec une poignée de mugissements alors que "Anima" s'éveillent avec des fascinants murmures fredonnés, des halètements de didgeridoo et de splendides tambours sur cadre. Les lignes de synthé tentent bien que mal de percer, à tout le moins recouvrir, cette furieuse transe clanique avec des reflets de contemplativité. Peine perdue! Les chants du désert ne réussissent même pas à faire dormir ces fascinants et très enlevants tam-tams. Et c'est ce que mes oreilles et mes pieds veulent le plus; entendre rugir les percussions qui se déchainent sur des peaux tendues. Poursuivant cette incroyable odyssée dans les aspects les plus intrigants sur Terre, le duo Morris & Frore nous amène vers les insondables beautés d'une éclipse. Entre ces horizons sauvages et ces états de méditation, la musique de “Eclipse” frappe avec une sonorité aussi vive que les couleurs d'une éclipse et le côté sauvage des différents postes d'observations en nature sauvage. Ici, on se croirait en pleine jungle australe avec une flore sonique peinte de milles délices tropicaux où percussions dominantes domptent l'approche enjôleuse des synthés qui brillent de mille feux, comme la queue d'un dieu paon. "Calling Down the Sun" est tout simplement exotique avec sa danse lascive initiée par la chaleur des synthés. Les rythmes autour de cet album déculpe l'approche ésotérique de la musique. Les flûtes sont aussi soyeuses que les ombres des synthés, comme dans le très beau "Feather and Claw" où elles chantent et nous parlent.
Ce 2ième rendez-vous de ce duo sculpteur de sons et d'ambiances est aussi riche en tonalités et en percussions allochtones que dans le très bon Blood Moon. On y retrouve la même diversité dans le choix des instruments avec des didgeridoos, des flûtes amérindiennes et traversières et autres instruments dont les charmes sont enchevêtrés avec des synthés parfumés des essences des déserts et d'esprits ensorceleurs tribaux. Les percussions sont la clé de cet album, comme dans Blood Moon, avec des rythmes de trances chamaniques fournis par des djembés et des tambours sur cadre (frame drums) alors que le séquenceur et les synthés ajoutent de superbes effets percussifs. "Stone Arch" est un titre sculpté autour de voraces éléments d'ambiances qui éraflera vos murs. Intense, si on aime une avalanche de sons à la verticale! "Shadow Medicine" exploite un rythme tribal ancien avec des effets de flûtes et surtout de brises acérées qui semblent avoir percer les flancs d'une montagne avec d'une dizaine de trous très minuscules. Le rythme de "Nomadic Dreaming" est aussi vivant qu'une rencontre sonique entre Steve Roach et Byron Metcalf. Les nappes de synthé et les effets d'une sylve enchantée tempèrent finalement les percussions traînantes et les très beaux effets percussifs de Shane Morris sur "Changing Seasons". Cette flore de sons est un pur délice pour ceux qui s'en nourrissent! "A Lonely Path" offre une musique aussi mystérieuse et inconfortable que son titre l'indique. C'est comme marcher à travers les bois par un soir de lune dormante. Vous voyez le genre? Et c'est une grande force dans cet album; coller une image musicale sur l'idée derrière chaque titre. Parmi les autres grandes forces, notons cette symbiose entre les éléments électroniques, j'ai trouvé que Frore (Paul Casper) a beaucoup d'imagination dans sa palette de couleur sonique et d'effets sonores, qui sont très créatifs par endroit, et la frénésie des percussions qui font une belle balance entre une approche plus acoustique versus les éléments électroniques, surtout la ligne de basse, propagés par les synthés et le séquenceur. Ces synthés sont riches en émotions alors que le séquenceur est plus discret. Les rythmes entraînants, les mélodies flutées et les effets de voix sont aussi des petits pièges à séduction. Bref, “Eclipse” est un solide album de transe tribale et d'ambiant tribal qui trouve autant sa raison avec une bonne paire d'écouteurs qu'en liberté à travers nos haut-parleurs dans notre salle d'écoute. Un phénomène assez rare dans l'industrie que le label Spotted Peccary Music maîtrise depuis des lunes. Solide et intense, de "Anima" à "A Lonely Path"!

Sylvain Lupari (15/11/2017)

lundi 13 novembre 2017

DASK: Liquid Decimation (2017)

“Liquid Decimation is another solid offering with some great mid sequencer-based EM from DASK who continues to charm my ears amazed by other gems of the Berlin School style”
1 Morphine 10:38
2 Liquid Decimation 10:42
3 Toxification 9:20
4 Cleanse 6:00
5 The Quiet 3:07
6 Transformation 20:16
7 Pure 2:50
8 Liquid Decimation (Radio Edit) 8:27

DASK Music (71:20)(Berlin School)
Here is a lot of music for DASK in 2017! After a first album, Abiogenesis, which has gone under radars at the beginning of the year, the English synthesist literally seduced me with his first album on label SynGate appeared in April, Electron Utopia. Then a clearly more furious album came about 5 months farther; Messages. And finally, here is “Liquid Decimation”; a 4th album which shows no sign of breathlessness at DASK who promises us moreover very productive beginning of 2018. Third album produce independently and which is available on DASK Bandcamp for small US $5, this 4th opus is of the seed of a good sequencer-based style EM of the retro Berlin School style. The beats are ambient to mid and the album lives mostly through its sequencing patterns and synth effects. There is no, or only few, synth solos. The synth is of used for effects which decorate the ambiences of the colors of the title's name.
Just to put us in the
DASK mood, "Morphine" perfumes our ears with nice layers which float under various sound flavors, among which one with a hollow tone of organ and another one with a suspicion of esotericism. These two lines float with slow morphic movements as intense than anesthetics. A movement of bass sequences escapes in the beginning of 3rd minute, tracing a lively movement which skips with a subtle alternation between each hit of the sequencer and within electronic effects and synth layers which go and come with their clothes of greyness. It's with the dialogue of a synthesizer and spectral synth lines that the title-track makes its entrance. I'm not certain, but I hear shouts or murmurs in an introduction modulated for a fear movie. Moreover, a tenebrous veil installs its reflections of white noises about 80 seconds farther. And it's there that some very Redshift sequences breathe and grumble. A cloud of interferences and of sonic radio-activities irradiate the first minutes of "Liquid Decimation" of this aura wished to well embellished with images the idea behind the album and its title-track. The ambiences are lugubrious. Very lugubrious! A fascinating movement of rhythm gets in towards the 3rd minute with oscillating movements which little by little stick to the heaviness and the fury of the sequencer. This movement skips with its shadows and its reflections of cracklings, tracing a structure which will explode as in the best moments of Redshift. Those are two very solid titles which start well enough this last album of DASK in 2017. Especially that "Toxification" offers a structure which feeds on phases of the first 2 titles, but with a more contemporary tone.
After 2 passages of sibylline moods which are "
Cleanse" and "The Quiet", the very long movement of "Transformation" blows us literally the ears. Its intro drinks of the psychotronic passages of Neuronium with huge synth layers and their effects as disturbing as anesthetic. Very early, a movement of the sequencer draws these soft rhythms where the feeling to rise and to fall, or still to zigzag, in a grotto in order to escape a predator who crumbles the twilights of his big sharp teeth. DASK plays the magician here with parallel movements which inject more dynamism into a constantly evolving rhythmic pattern, so modifying its route and its velocity which will reach its peak with a techno beat towards the finale and where Jean-Michel Jarre infiltrates for the first time David Marsh's influences in his universe mainly indoctrinated by Redshift and by Tangerine Dream. What we have here the best title of DASK. And there was some very good before this "Transformation"! "Pure" is another title of more ethereal ambiences where even lies a delicate sonic poetry, whereas "Liquid Decimation (Radio Edit)", amputated of its moods opening, just gives us the taste to re-hear “Liquid Decimation”. Or still the first albums of DASK who solidifies more and more his position in the vast chessboard of EM of the Berlin School style. Another strong opus to put between our ears, you my friends who just love a Berlin School lively and invigorated by another artist who manages to make his place with a bit of freshness in this universe where even the plagiarism is attractive to the ears of aficionados. Except that with DASK we speak about originality. And "Transformation" is a monster! 

Sylvain Lupari (November 13th, 2017) ****½*
You will find this album on
DASK Bandcamp
Voilà beaucoup de musique pour DASK en 2017! Après un premier album, Abiogenesis, qui est passé sous les radars en début d'année, le synthésiste Anglais m'a littéralement séduit avec son premier album sur étiquette SynGate paru en Avril, Electron Utopia. Puis vint quelque 5 mois plus loin; Messages, un album nettement plus endiablé. Et finalement, voici “Liquid Decimation”; un 4ième album qui ne montre aucun signe d'étouffement chez DASK qui nous promet d'ailleurs un début d'année aussi productif. Troisième album produit sous sa bannière et disponible sur son site Bandcamp pour un petit 5$ US, ce 4ième opus est de la graine d'une bonne MÉ de style Berlin School rétro. Les rythmes vont de ambiants à mid-tempo avec de bons élans et l'album vit principalement à travers ses rythmes séquencés et ses effets de synthé. Il n'y a pas ou peu de solos. Le synthé est utilisé pour les effets qui décore les ambiances des couleurs du nom du titre
Histoire de nous mettre dans l'ambiance
DASK, "Morphine" parfume nos oreilles avec de belles nappes qui flottent sous différents parfums soniques, dont une à la tonalité d'orgue caverneuse et une autre avec un soupçon d'ésotérisme. Ces deux lignes flottent avec de lents mouvements morphiques aussi intenses qu'anesthésiants. Un mouvement de basses séquences s'échappe en début de 3ième minute, traçant un mouvement vif qui sautille avec une subtile alternance entre chaque coup dans des effets électroniques et des nappes qui vont et viennent avec leurs habits de grisaille. C'est avec un dialogue de synthétiseur et des lignes d'un synthé spectral que la pièce-titre fait son entrée. Je ne suis pas certain, mais j'entends des cris ou des murmures dans une introduction modulée pour un film de peur. D'ailleurs, un voile ténébreux installe ses reflets de bruits blancs quelque 80 secondes plus loin. Et c'est à cet endroit que des séquences très Redshift respirent et grognent. Un nuage d'interférences et de radioactivités soniques irradient les premières minutes de "Liquid Decimation" de cette aura désirée afin de bien imagé l’idée derrière l’album et sa pièce-titre. Les ambiances sont lugubres. Très lugubres! Un fascinant mouvement de rythme se met en marche vers la 3ième minute avec des mouvements oscillants qui peu à peu se collent à la lourdeur et la rage du séquenceur. Ce mouvement sautille avec ses ombres et ses réflexions de grésillements, traçant une structure qui explosera comme dans les meilleurs moments de Redshift. Deux très bons titres qui démarrent assez bien ce dernier album de DASK en 2017. D'autant plus que "Toxification" offre une structure qui se nourrit des phases des 2 premiers titres, mais avec une sonorité plus contemporaine.
Après les 2 passages d'ambiances sibyllines que sont "
Cleanse" et "The Quiet", le très long mouvement de "Transformation" nous souffle littéralement les oreilles. Son intro s’abreuve des passages psychotroniques de Neuronium avec de larges nappes de synthé aux effets aussi inquiétant qu’anesthésiant. Très tôt, un mouvement du séquenceur trace ces rythmes mous où l'impression de monter et de descendre, ou encore de zigzaguer, dans une grotte afin d'échapper à un prédateur qui émiette les pénombres de ses grandes dents acérées. DASK joue au magicien ici avec des mouvements parallèles qui injectent plus de dynamisme à un pattern rythmique en constante évolution, modifiant ainsi son trajet et sa vélocité qui atteindra son point culminant avec un beat techno où Jean-Michel Jarre infiltre pour la première fois les influences de David Marsh dans son univers principalement endoctriné par Redshift et Tangerine Dream. Nous avons ici le meilleur titre de DASK. Et il y en avait de très bon avant ce "Transformation"! "Pure" est un autre titre pour ambiances plus éthérées où niche même une délicate poésie sonique, tandis que "Liquid Decimation (Radio Edit)", amputé de son ouverture d'ambiances, nous donne juste le goût de réentendre “Liquid Decimation”. Ou encore les premiers albums de DASK qui solidifie de plus en plus sa position dans le vaste échiquier de la MÉ de style Berlin School. Un autre solide opus à se mettre entre les oreilles, amis amateurs de Berlin School vivant et vivifié par un autre artiste qui réussit à faire sa place avec un brin de fraîcheur dans cet univers où même le plagiat est séduisant aux oreilles des aficionados. Sauf qu'avec DASK on parle d'originalité. Et "Transformation" est un monstre!
Sylvain Lupari 13/11/2017
Liquid Decimation (Radio Edit)