mercredi 24 mai 2017

BALTES & ERBE: Electric Garden (2017)

“The expectations were very high for a suite to S-thetic² and this Electric Garden meet those pretty solid with another mixture of Ashra rhythms trapped in great synth designs and melodies”
1 Cold Flowers 9:56
2 Violed 5:47
3 Gradient 10:10
4 The Element of Gold 5:04
5 Liquid Plants 5:08
6 Electric Garden 9:52
7 Clicker 4:10
8 Polyaural 6:58
9 Only one Step 3:12
10 Basic Lifeform (The Universe in your Hand) 17:48

Erbe Music (CD/DDL 78:04) ****
(Electronica a la Berlin School sauce)
S-thetic² had took the small and always very wonderful universe of EM by surprise in 2015. The fusion between the styles charmingly opposite of Steve Baltes and Steve Erbe was in perfect balance. And the soft flavors of Steve Baltes' wonderful album Bochum Sky, appeared in 2014, which were roaming on this album have embalmed S-thetic² of a sound and musical veil as dense as profoundly seducing for the ears eager for a fauna of multicolored sounds. So, the bar was very high for Steve Baltes and Steve Erbe. And they knew it! Therefore, “Electric Garden” needed to be dissociated from it a little to have its own identity. And it ended very successfully! Less hard-hitting than S-thetic², “Electric Garden” stages these dislocated rhythms that Ashra put down in our ears during the period of Blackouts. Rhythms which serve as support for some delicious dance of arpeggios which reminds me the very beautiful harmonious era of Jean-Michel Jarre in Arpeggiator. And all in all, “Electric Garden” ends to be a very beautiful album of ambient trance and rhythm where this skillful mixture of Jarre and Ashra is as much improbable as highly fascinating.
A wave waltzing of its brilliant blue sings like a metallic rooster in order to make lift the charmingly undulatory rhythm of "
Cold Flowers". Another synth line, more musical, adds its sibylline flavor while the arpeggios oscillate gently and trace a sequenced harmony which takes its tonus with the arrival of percussions. The rhythm hatches in its convulsive form, hiccupping in symbiosis with the dance of the melodic arpeggios. If Steve Baltes' percussions and sequencing are mesmerizing, the synth layers that Steve Erbe piles add a very ethereal depth, with subtle effects in the decoration, to this kind of flaccid Groove which makes drum our fingers and roll our neck. The armature of charm of the duet is spread with the same sound chemistry as in S-thetic²."Cold Flowers" fades in the intro of "Violed" and of its long line of rhythm syncopated by a curt movement of the sequencer. The keys skip with ferocity in this linear membrane where get grafted keyboards chords which sound just like some singular riffs of rock. And the magic operates. Still here, the synth layers perfume the imagination with good effects. Effects not too numerous but well enough measured to charm the listening. Very minimalist, the structure evolves by showing a good intensity to collide a clearly more livened up phase where the sounds parade like in a stroboscopic kaleidoscope. The ambiospherical side is more present here than in S-thetic². Consequently, it's by an immense veil of floating tones that begins "Gradient". This cosmic introduction is adorned with beautiful fluty lines which try to charm a long wall of interstellar whispers. The effect is as rich as we would imagine to be inside a space shuttle. There are many cosmic elements here which shine in an ethereal tranquility where also shine some lost chords. Percussive noises get in where these chords try to create a melody which will come with a kind of cosmic Groove around the 6th minute. The rhythm is circular and rather lively with good effects of percussions and sequences which hiccough like a dislocated membrane. "The Element of Gold" proposes a more mesmerizing rhythmic structure with a very dance approach which is hammered by good percussions. As a kind of techno for fed zombies, this rhythm offers a languor in its charm which is stressed by a really beautiful melodious approach as much lighthearted than a ballerina dressed all in white who floats in cosmos. I want to hear it again!
Percussive jingles and a line of droning bass, "
Liquid Plants" progresses between two poles. If the rhythm begins its bend, a bit funky but full of Groove jolting, with slamming percussions and full of resonant charms, the synth spreads this constant meshing between sibylline and ethereal lines while plotting effects which hang onto well enough to this harmonious fusion. A static rhythm certainly, but dangerously enchanting. And always these percussive effects which are the equivalent of the numerous sound effects! Speaking of Groove, the title-track is good enough to eat! A suave, lascivious, rhythm, which is pecked by these metallic elytrons and nibbled by chords which fall with weak resonances. Statics and in evolutionary mode, "Electric Garden" increases a little the pace which goes by hastier bounds. The synths are sublime with ectoplasmic layers which wrap us with a surprising veil of sound charms. I love the playing of Steve Baltes but I have to admit that the synth layers from Steve Erbe are totally seductive. And we are not at the end of our charms here, because "Clicker", which bears very well its name, offers a very nerve-racking structure with arpeggios which flicker with fluidity in a gloomy atmosphere. Short and effective! "Polyaural" moves on with a beautiful linear structure which spreads a great oscillating dance of arpeggios under a din of hammering percussions. I cannot refrain from thinking of Jean-Michel Jarre and his Arpeggiator here, but in a more ambient, in a more static version too. This feeling of going deep into the universe of Jarre is more and more perceptible with "Only one Step" which flirts with a kind of Electronica and a very nice melody hung on to the end of its specter. "Basic Lifeform (The Universe in your Hand)" ends what will become the next musical act for Baltes & Erbe next tour with an ambiospherical approach decorated with tones as dissimilar as seductive, including soft percussive effects, to say the least for its first 5 minutes. Afterward, a structure of minimalist rhythm, decorated with very Tangerine Dream effects of the Sorcerer years, frees its loops which roll and unroll beneath a pattern of synth layers always so divided between meditation and mysteries. "Basic Lifeform (The Universe in your Hand)" falls then in a universe of dance, but not too much, which possesses all the savors of Ashra.
Here we are! The adventure of “
Electric Garden” comes to an end here and so with a long conclusion which let's glimpse a more than interesting 3rd part. I quite enjoyed this universe of dance peeled to its most elementary charms and where the synths dominate like in the good old days. Baltes & Erbe are like 2 fingers in a hand. They complement each other impressively with another great album which distances itself by its very stylized signature. We could not ask better and hope better after the very majestic S-thetic².

Sylvain Lupari (May 24th, 2017)
synth&sequences.com
You will find info on how to get this album on Stefan Erbe web site here

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
S-thetic² avait surpris le petit univers toujours très merveilleux de la MÉ en 2015. La fusion entre les styles délicieusement opposés de Steve Baltes et Stefan Erbe était juste à point. Et les doux parfums de Bochum Sky, un superbe album de Steve Baltes paru en 2014, qui y rôdaient embaumaient S-thetic² d'un velum sonore et musical aussi dense que profondément séduisant pour les oreilles avides d'une faune de sons multicolores. Donc, la barre était très haute pour Steve Baltes et Stefan Erbe. Et ils le savaient! Fallait donc que “Electric Garden” s'en distance un peu afin d'avoir sa propre identité. Et c'est assez réussi. Moins percutant que S-thetic², “Electric Garden” met en scène ces rythmes disloqués qu'Ashra déposait dans nos oreilles lors de la période Blackouts. Des rythmes qui servent d'appui à de savoureuses danses d'arpèges qui me rappelle la très belle période harmonique de Jean-Michel Jarre dans Arpeggiator. Dans les faits, “Electric Garden” est un très bel album de transes et de rythmes ambiants où cet habile mélange de Jarre et d'Ashar est aussi improbable que hautement fascinant.
Une onde valsant de son bleu éclatant chante comme un coq métallique afin de faire lever le rythme délicieusement ondulatoire de "
Cold Flowers". Une autre ligne de synthé, plus musicale, ajoute son parfum sibyllin alors que des arpèges oscillent paresseusement et tracent une harmonie séquencée qui prend son tonus avec l'arrivée des percussions. Le rythme éclot dans sa forme convulsive, hoquetant en symbiose avec la danse des arpèges mélodiques. Si ces percussions de Steve Baltes sont envoûtantes, les nappes de synthé que Steve Erbe empile ajoutent une profondeur très éthérée, avec de subtils effets dans le décor, à ce genre de Groove molasse qui fait tambouriner nos doigts et rouler notre coup. L'armature de charme du duo est déployée avec la même chimie sonique que dans S-thetic². "Cold Flowers" s'arrime à "Violed" et sa longue ligne de rythme syncopée par un mouvement sec du séquenceur. Les ions sautillent avec férocité dans cette membrane linéaire où se greffent des accords de claviers aussi singuliers que des riffs de rock. Et la magie opère. Encore ici, les nappes de synthé parfument l'imaginaire avec de beaux effets. Des effets pas trop nombreux mais assez bien dosés pour charmer l'écoute. Très minimaliste, la structure évolue en affichant une bonne intensité afin de percuter une phase nettement plus animée où les sons défilent comme dans un kaléidoscope stroboscopique. La portion ambiosphérique est plus présente ici que dans S-thetic². Et c'est donc un immense voile de tonalités planantes que débute "Gradient". Cette introduction cosmique est ornée de belles lignes flûtées qui tentent de charmer une longue muraille de chuchotements interstellaires. L'effet est si riche que l'on se croirait à l'intérieur d’une navette spatiale. Il y a beaucoup d'éléments cosmiques ici qui brillent dans une tranquillité éthérée où tintent des accords perdus. Des bruits percussifs s'invitent lorsque ces accords tentent de créer une mélodie qui viendra avec un genre de Groove cosmique autour de la 6ième minute. Le rythme est circulaire et assez entraînant avec de bons effets de percussions et des séquences qui hoquètent comme une membrane disloquée. "The Element of Gold" propose une structure rythmique plus envoûtante avec une approche très danse qui est martelée par de bonnes percussions. Comme un genre de techno pour zombies repus, ce rythme offre une mollesse dans son charme qui est accentuée par une vraiment belle approche mélodieuse aussi insouciante qu'une ballerine tout de blanc vêtu qui flotte dans le cosmos. Je veux l'entendre encore!
Cliquetis percussifs et ligne de basse vrombissante, "
Liquid Plants" progresse entre deux pôles. Si le rythme amorce son virage, un brin funky mais plein de cahotements de Groove, avec des percussions claquantes et pleines de charmes résonnants, le synthé déploie ce constant maillage entre lignes sibyllines et éthérées tout en mijotant des effets qui s'accrochent assez bien à cette fusion harmonique. Un rythme statique certes, mais dangereusement ensorcelant. Et toujours ces effets percussifs qui sont l'équivalent des nombreux effets sonores. Parlant Groove, la pièce-titre est à croquer. Un rythme suave, lascif, qui est picoré par ces élytres métalliques et mordiller par des accords qui tombent avec de faibles résonnances. Statique et en mode évolutif, "Electric Garden" accentue un peu la cadence qui se traduit par des bondissements plus précipités. Les synthés sont superbes avec des nappes ectoplasmiques qui nous enveloppent d'un étonnant voile de charmes soniques. J'aime bien le jeu de Steve Baltes mais je dois admettre que les nappes de synthé de Steve Erbe sont totalement séduisantes. Et nous ne sommes pas à bout de nos charmes ici, car "Clicker", qui porte très bien son nom, offre une structure très angoissante avec des arpèges qui papillonnent avec fluidité dans une ambiance glauque. Court et efficace! "Polyaural" enchaîne avec une belle structure linéaire qui étend une belle danse oscillatoire des arpèges sous un tintamarre de percussions martelantes. Je ne peux m'empêcher de penser au titre Arpeggiator de Jean Michel Jarre ici, mais dans une version plus ambiante, plus statique aussi. Cette impression de pénétrer l'univers de Jarre est de plus en plus perceptible avec "Only one Step" qui flirte avec un genre Électronica dénudé mais avec une belle mélodie accrochée au bout de son spectre. "Basic Lifeform (The Universe in your Hand)" clôture ce qui deviendra la trame sonore de la prochaine tournée de Baltes & Erbe avec une approche ambiosphérique ornée de tonalités aussi disparates que séduisantes, donc de doux effets percussifs, à tout le moins pour ses 5 premières minutes. Par la suite, une structure de rythme minimaliste, agrémentée d'effets très Tangerine Dream des années Sorcerer, déploie ses boucles qui roulent et se déroulent sous un canevas de nappes de synthé toujours aussi divisées entre méditation et énigmatisme. "Basic Lifeform (The Universe in your Hand)" tombe alors dans un univers de danse, mais pas trop, qui possède tous les parfums d'Ashra.
Et voilà! L'aventure de “
Electric Garden” prend fin ici et ainsi avec longue conclusion qui laisse entrevoir un 3ième volet plus qu'intéressant. J'ai bien aimé cet univers de danse décortiqué dans ses charmes les plus élémentaires et où les synthés dominent comme dans le bon vieux temps. Steve Baltes et Stefan Erbe sont comme 2 doigts dans une main. Ils se complètent à merveille avec un très bon album qui se démarque par sa signature très stylisée. On ne pouvait demander mieux et espérer mieux après le très majestueux S-thetic².

Sylvain Lupari (25 Mai 2017)

vendredi 19 mai 2017

BRAINWORK: Back to Future II (2017)

“Great and loud EDM Back to Future II is a good fusion between the Berlin School of the Brainwork way and the inciting rhythms of Element 4”
1 Green Lake 15:02
2 Rollout to Future 15:01
3 Polymorphin 13:52
4 Berlin Bass 14:44

CUE-RECORDS (CD 59:52) ****
(EDM mixed to the essences of Berlin School)
Brainwork had broken a long silence of 6 years in 2003 with the release of Back to Future. Uwe Saher mixed remarkably his contagious and deafening rhythms of his alter ego Element 4 to movements of rhythms and to vibes stolen in the roots of Berlin School. “Back to Future II” continues in this vein, going even farther with long musical acts where the kind of Trance'n'Dance wears out prematurely our floors while making the neighbors rage. Chronicle of an album which inevitably will please to those who appreciate, without sparing their ears, the kind of Electronica served a la Jean Michel Jarre sauce.
We are fast taken by surprise by the very ambiospherical and chthonian approach of "
Green Lake". Pushes of wind which make shout the dust reveal its first seconds. Somber sinuous synth lines hide hoarse breaths of which the reverberations spread a vampiric bass line. The symbiosis between these two elements creates the perfect illusion that we are in the cave of one dark forest where resound bells of a not too welcoming church. Luciferian choirs amplify this impression when techno beatings knock down the vapor. A delicate melody reveals its magnetizing loops when the rhythm explodes even more with boom-boom and tchak-tchak which resound madly, and in our ears and under our feet. Very hammering, the structure of "Green Lake" remains not less delicious with good synth solos and cosmic effects. Avoiding impressively the traps of repetition and a possible effect of tiredness, Brainwork reworks his structure for a livelier, kind of furious electronic gallop, while maintaining the charms of the Berlin School with this short line of melody which returns haunting us ceaselessly and the agile fingers on a synth which forge beautiful allegorical pirouettes. This is a very good Berlin School melted in a Dance Music on a Rave party! Effects of desolation and Mephistophelian vibes crisscrossed in cosmic effects are the source of inspiration of the opening of "Rollout to Future". A splendid and catchy line of sequences pierces this intriguing fog a few seconds after the point of 3 minutes. The movement spreads beautiful twists which coil up in the oblivion. Quirky effects and a bass line on the point to bite bring this skeleton of rhythm towards the ceaseless hammering of the percussions. Far from being common, it was the first impression that came to mind in front of this Düsseldorf structure, "Rollout to Future" is a little mine of charms with its subtle nuances in the hammering of the rhythm and especially these angelic choirs which are the beginnings of very nice fluty melody. And always these soloes of synth that Uwe Saher throws with a fascinating melodious approach. I hook to it after one or two listening and I finally liked it. My sweet angel Lise found that noisy but very animated. The boom-boom and the tchak-tchak are more lively and more accelerated in "Polymorphin" whose main charms are the kicking of sequences as so furious as Chris Franke liked to create and these effects of orchestrations which filled the structures of Dance Music in the 70-80 years. After an introduction poured into an apocalyptic world, "Berlin Bass" distances itself from deafening rhythms of “Back to Future II” with a nice fusion between Berlin School and Drums'n'Bass, like in Back to Future in 2003. The sequences ring like keys of xylophone which are hide in a dense sound fauna where we can hear an effect of organic and starved bass. The solos of synth are clearly more complex, less harmonious, bringing the evanescent melodies of "Berlin Bass" on the paths of a free jazz.
Great and loud EDM and especially very creative at the level of the movements of sequences and solos to the forms so contrary to the continuous hammering of the boom-boom and the tchak-tchak, “
Back to Future II” is a good fusion between the Berlin School of the Brainwork way and the inciting rhythms of Element 4. And this fusion possesses all the elements to please the fans of both styles, which are sometimes very opposite, and to those who like when Electronica invites itself in a noisy and contagious way in the sometimes too peaceful universe of the Berlin School. And I insist on saying that the solos of synth are wonderful with their sometimes very melodious approaches.
Sylvain Lupari (May 19th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to order this album on Brainwork Web site here


-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Brainwork brisait un long silence de 6 ans en 2003 avec la parution de Back to Future. Uwe Saher mélangeait à merveille ses rythmes contagieux et assourdissants de son alter égo Element 4 à des mouvements de rythmes et des ambiances pigés dans les racines de la Berlin School. “Back to Future II” poursuit dans cette veine, allant même plus loin avec de longs morceaux où le genre Trance'n'Dance use prématurément nos planchers et fait rager les voisins. Chronique d'un album qui doit nécessairement plaire à ceux qui apprécient sans se ménager les oreilles le genre Électronica de Jean Michel Jarre.
Nous sommes vite déculottés par l'approche très ambiosphérique et chthonienne de "Green Lake". Des poussées de vent qui font crier la poussière éventent ses premières secondes. De sombres lignes sinueuses cachent des souffles rauques dont les réverbérations étendent une ligne de basse vampirique. La symbiose entre ces deux éléments crée la parfaite illusion que nous sommes dans l'antre d'un forêt sombre où résonnent des cloches d'une église pas trop accueillante. Des chœurs lucifériens amplifient cette impression lorsque des battements technoïdes renversent la vapeur. Une délicate mélodie déploie ses boucles magnétisantes lorsque le rythme explose encore plus avec des boom-boom et des tchak-tchak qui résonnent et dans nos oreilles et sous nos pieds. Très martelant, la structure de "Green Lake" n'en demeure pas moins délicieuse avec de bons solos de synthé et des effets cosmiques. Évitant à merveille les pièges de la redondance et un possible effet de lassitude, Brainwork refonte sa structure pour une qui sera plus vive, genre un furieux galop électronique, tout en maintenant les charmes de la Berlin School avec cette courte ligne de mélodie qui revient nous hanter sans cesse et ses doigts agiles sur un synthé qui forgent de belles pirouettes allégoriques. Oui du bon Berlin School fondu dans du Dance Music d'une fête Rave! Effets de désolation et méphistophéliques entrecroisés à des effets cosmiques sont la source d'inspiration de l'ouverture de "Rollout to Future". Une superbe ligne de séquences perce ce brouillard intriguant quelques secondes après la barre des 3 minutes. Le mouvement déploie de belles torsades qui se lovent dans le vide. Des effets biscornus et une ligne de basse sur le point de mordre amènent cette ossature de rythme vers le martelage incessant des percussions. Loin d'être banal, c’est la première impression qui m'a assailli devant cette structure à la Düsseldorf, "Rollout to Future" est une petite mine à charmes avec ses subtiles nuances dans le martelage du rythme et surtout ces chœurs angéliques qui sont la prémices d'une splendide mélodie flûtée. Et toujours ces solos de synthé qu'Uwe Saher lance avec une fascinante approche mélodieuse. On accroche après une ou deux écoutes et on se n'en lance pas par la suite. Ma belle et douce Lise a trouvé ça bruyant mais très enlevant. Les boom-boom et les tchak-tchak sont plus vifs et plus accélérés dans "Polymorphin" dont les principaux charmes sont des ruades de séquences aussi furieuses que Chris Franke aimait créer et ces effets d'orchestrations qui remplissaient les structures de Dance Music des années 70-80. Après une introduction coulée dans un monde apocalyptique, "Berlin Bass" se démarque des rythmes assourdissants de “Back to Future II” avec une belle fusion entre la Berlin School et le Drums'n'Bass, comme dans Back to Future en 2003. Les séquences tintent comme des clés de xylophone camouflées dans une dense faune sonique où on peut entendre un effet de basse organique et affamé. Les solos de synthé sont nettement plus complexes, donc moins harmonieux, amenant les mélodies évanescentes de "Berlin Bass" sur les sentiers d'un Free Jazz.
De la bonne et lourde EDM et surtout très créatif au niveau des mouvements de séquences et des solos aux formes tellement opposées au martelage ininterrompu des boom-boom et des tchak-tchak, “Back to Future II” est une très belle fusion entre le Berlin School à la façon Brainwork et les rythmes incendiaires d'Element 4. Et cette fusion possède tous les éléments pour plaire aux amateurs des 2 styles, qui sont parfois très contraires, et à ceux qui aime lorsque l'Électronica s'invite d'une façon bruyante et contagieuse dans l'univers parfois trop paisible de la Berlin School. J'insiste pour dire que les solos de synthé sont superbes avec leurs approches parfois très mélodieuses.
Sylvain Lupari (19/05/2017)

BRAINWORK: Back to Future (2003)

“Back to Future is a blast! A blast of sequencing, of percussions and of juicy and very acrobatic solos. No wonder why there is a suite!”
1 4am Machines 13:07
2 Back to Future 8:39
3 Sanddunes 9:16
4 Transponder 12:25
5 Offbeats 10:30
6 Back To the Sea 16:25

7 4am Machines (Hatfield & Torpey Remix) 5:41

CUE-RECORDS (CD 76:03) ****

(Berlin School and Drum'n'Bass)
Back to Future” is the first cd of Brainwork since Sensual Reflections, appeared in 1997. A long hiatus where Uwe Saher released 2 albums under the name of Elements 4; Continuation and Live Summer 99, both appeared in 1999. So it was a long silence of 4 years broken by the release of “Back to Future”, an opus where the rhythms take all shapes. From Berlin School to Groove and Drums'n'Bass. Or still of Berlin School on Drums'n'Bass!
From the first notes, "
4 am Machines" places us straight out in the deafening universe of “Back to Future” with a line of sequences which comes off the rails deliciously and hits a wall of layers of mist. These sequences flicker with ascending and downward curves, espousing these stratospheric beatings of Tangerine Dream of which the synth layers moreover drink their memories by big gulps. And when the rhythm gets in seriously after 68 seconds, "4 am Machines" dives rather into an atmosphere of synth-pop while preserving this delicious sequenced pattern as rhythmic as melodic which claims its influence to Franke. The synths are agile and weave feverish melodious lines which have a hard time to follow this good impetus of rhythm which flirts with an intergalactic western. Gradually, "4 am Machines" flows towards a Dub style and a scent of Dance with sequences which flicker as nervously as these beatbox percussions which annoyed the ears during the explosion of the MIDI and of its massive use in the middle of the 80's. The sequences are the heart of the charms of Uwe Saher's music. And we get this as soon as the opening of the title-track with a static movement knotted around fine subtleties. A maelstrom of harmonious keys floats around a structure animated by the arrival of less aggressive percussions, while the synth layers are stretching a charming effect. Effects of psy-dance melt in the decor while a hardly formed melody seduces straightaway on the continuous back and forth of the sequences. A little as in "4 am Machines", "Back to Future" exploits massively its minutes by bringing fine nuances to the vibes, which are weaved with good solos and Mellotron effects, in its rhythmic armature which mixes Berlin School and Groove without too many difficulties. "Sanddunes" is a good title as lively as melodious with a synth loaded of harmonious solos of which the tone is rather similar to a trumpet with a cornet. The movement of the sequencer is still very beautiful and the rhythm flows with a harmonious fluidity which respects the signature of Brainwork. This is an easy one to catch!
And it's an even more livened up and a catchier movement in "
Transponder" where the sequences flutter around with fine oscillating loops in a structure which is well supported by sober percussions. The lines of sequences tumble in cascade in this semi-minimalist pattern which is especially shaded and livened up by convulsive staccatos. A good line of bass adds a finish extremely seducing in this structure which gallops under the whips of the percussions and the effects of dance, as these bangings of hands, to make us breathless from both hemispheres. I believed that this "Transponder" was the limit of a Berlin School in techno mode! Needs to think not, because "Offbeats" is as much hallucinating of rhythm than "Transponder". The sequences are vertiginous and offer long fluctuating phases which make bite their impulse of rhythm by some slamming percussions and a line of bass snoring like a good and very smooth Funk. The percussions sing as the metal can sing and are very incisive, otherwise hard. They hammer an infernal beat which finds a little of respite in the shade of the floating layers. In that time, I remember very well that "Offbeats" was one of the most powerful track that I heard in this fusion of Berlin School, of New Berlin School and of IDM (Intelligent Dance Music). Since then, things did change a lot! "Back to the Sea" is the longest track on “Back to Future” and it starts in lion. The nervous and hopping sequences are losing of their glow under the avalanche of the beatbox percussions of which the machine-gun bursts also lose of their brightness of aggressiveness beneath some furious synth solos which deploy a fierce rage worthy of a guitarist of Hard rock. A mixture of Groove and Rock of an incredible ferocity, "Back to the Sea" abounds nevertheless of these layers which structure the landscapes of atmospheric vibes of the EM universe, but in a very accelerated mode here. A long title which never stops to amaze. Besides the big solos full of twists, there are passages where the percussions hammer the tempo among good effects and layers filled with sedative perfumes. But it's waste of time because "Back to the Sea" is a huge noisy carousel which goes quite fast for a title of 16 minutes.
I have to admit that I had been taken by surprise by this “
Back to Future”. I had read somewhere that this album was a good Berlin School filled of rhythms. I would rather say; blown up by explosive and whirling rhythms. That be the very first album of Brainwork that I heard. And I remember that at that time, Uwe Saher had spoken to me of a new stemming musical genre of Berlin School and Drums'n'Bass, that we could call Sequence'n'Bass or still Berlin Bass of which Uwe will make reference in Back to Future II which will hit the market some 14 years farther. It was a very realistic way to describe the musical ambience which reigns all over “Back to Future”. I first wrote this review in 2007 (in French) and Back to Future II gave me that taste again to dive back into the vibes of the first volume. And phew …! It's a heavy album which I rediscover with more pleasure in 2017. The bludgeoning of the sequencer, as well as these more fluid rhythms, the agility of the percussions, which sometimes thunder with more fury than these lines of bass sequences, and these synth solos as acrobatic as melodic make of “Back to Future” an essential album in the discography of Brainwork. It's hard, very hard and superbly done well. A must if we want to redo our walls and our floor!

Sylvain Lupari (May 17th, 2017)
synth&sequences.com
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-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Back to Future” est le premier cd de Brainwork depuis Sensual Reflections, paru en 1997. Une longue période de silence où Uwe Saher a réalisé 2 titres sous le nom d'Elements 4; Continuation et Live Summer 99, tous deux parus en 1999. Un long silence de 4 ans brisé par la parution de “Back to Future”, un opus où le rythme épouse toute les formes. De la Berlin School au Drums'n'Bass, ou encore de la Berlin School sur du Drums'n'Bass.
Dès les premières notes, "4 am Machines" nous place tout de go dans l'univers assourdissant de “Back to Future” avec une ligne de séquences qui déraille savoureusement dans des nappes de brume. Ces séquences papillonnent avec des courbes ascendantes et descendantes, épousant ces battements stratosphériques de Tangerine Dream dont les nappes de synthé d'ailleurs s'abreuvent de leurs souvenirs par grandes goulées. Et lorsque le rythme débarque sérieusement après les 68 secondes, "4 am Machines" plonge plutôt dans une ambiance de synth-pop tout en conservant ce délicieux pattern séquencé aussi rythmique que mélodique qui revendique son emprise Franke. Les synthés sont agiles et forment des lignes mélodieuses fébriles qui peinent à suivre cette bonne envolée de rythme qui flirte avec un western intergalactique. Graduellement, "4 am Machines" coule vers le Dub et une odeur de Dance avec des séquences qui papillonnent aussi nerveusement que ces percussions en canne qui agaçaient les oreilles lors de l'explosion du MIDI et de son utilisation massive dans le milieu des années 80. Les séquences sont le cœur des charmes de la musique d'Uwe Saher. Et cela s'entend dès l'ouverture de la pièce-titre avec un mouvement stationnaire noué autour de fines subtilités. Un maelström de notes harmonieuses flotte autour d'une structure vivifiée par l'arrivée de percussions moins agressives, alors que des nappes de synthé étirent un effet enchanteur. Des effets de psy-dance se fondent dans le décor alors qu'une mélodie à peine formée séduit d'emblée sur le perpétuel va-et-vient des séquences. Un peu comme dans "4 am Machines", "Back to Future" exploite au maximum ses minutes en apportant de fines nuances dans les ambiances, qui sont tissées avec de bons solos et des effets de Mellotron, comme dans son armature rythmique qui mélange Berlin School et Groove sans trop de difficultés. "Sanddunes" est un bon titre aussi entraînant que mélodieux avec un synthé aux solos harmoniques dont la tonalité s'apparente à une trompette avec cornet. Le mouvement du séquenceur est encore très beau et le rythme coule avec une fluidité harmonique qui respecte la signature de Brainwork.
Un mouvement encore plus animé et plus vif dans "Transponder" où les séquences papillonnent avec de fines boucles oscillatrices dans une structure qui est bien soutenue par de sobres percussions. Les lignes de séquences déboulent en cascades dans un pattern semi-minimaliste qui est nuancé et surtout animé de staccatos convulsifs. Une bonne ligne de basse ajoute un fini extrêmement séduisant à cette structure qui galope sous les fouets des percussions et des effets de dance, comme ces claquements de mains, à nous essouffler les deux hémisphères. Je croyais bien que ce "Transponder" était la limite d'un Berlin School en mode techno! Faut croire que non, car "Offbeats" est tout aussi hallucinant de rythme que "Transponder". Les séquences sont vertigineuses et offrent de longues phases oscillatrices qui se font mordent le rythme par des percussions claquantes et une ligne de basse aussi ronflante qu'un bon Funk très coulant. Les percussions chantent comme le métal peut chanter et sont très incisives, sinon dures. Elles martèlent un beat infernal qui trouve un peu de répit à l'ombre des nappes flottantes. À l'époque je me souviens très bien que "Offbeats" était l'un des titres les plus puissants que j'avais entendu dans cette fusion de Berlin School, de New Berlin School et d'IDM (Intelligent Dance Music). Depuis, les choses ont bien changées! "Back to the Sea" est la pièce la plus longue sur “Back to Future” et elle démarre en lion. Les séquences nerveuses et sautillantes perdent de leur lustre sous l'avalanche des percussions en cannes dont les coups de mitraillent perdent aussi leur éclat d'agressivité sous de furieux solos de synthé qui déploient une féroce hargne digne d'un guitariste de Hard-Rock. Un mélange de Groove et de Rock d'une férocité inouïe, "Back to the Sea" regorge pourtant de ces nappes qui structurent les paysages d'ambiances de l'univers EM, mais dans un mode très accéléré ici. Un long titre qui n'en finit plus d'étonner. Outre ses gros solos tout plein de torsades, il y a des passages où les percussions martèlent le tempo parmi de bons effets et des nappes gorgées de parfums sédatifs. Mais peine perdue car "Back to the Sea" est un énorme carrousel tapageur qui passe assez vite pour un titre de 16 minutes.
Je dois admettre que j'avais été pris de court par ce “Back to Future”! J'avais lu quelque part que cet album était un bon Berlin School bourré de rythmes. Moi je dirais plutôt; dynamité de rythmes explosifs et tourbillonnants. Ça été le tout premier album de Brainwork que j'ai entendu. Et je me souviens qu'à l’époque, Uwe Saher m'avait parlé d'un nouveau genre musical issu de la Berlin School et du Drums'n'Bass, que l'on pourrait appeler Sequence'n'Bass ou encore Berlin Bass dont Uwe fera référence dans Back to Future II qui paraîtra quelques 14 ans plus loin. C'était une façon très réaliste de décrire l'ambiance musicale qui règne sur “Back to Future”. J'ai écrit cette chronique en 2007 et Back to Future II m'a redonné ce goût de replonger dans les ambiances du premier volume. Et ouf…! C'est un album lourd que je redécouvre avec plus de plaisir en 2017. Le matraquage du séquenceur, ainsi que ces rythmes plus fluides, l'agilité des percussions, qui parfois tonnent avec plus de fureur que ces lignes de basses séquences, et ces solos de synthé aussi acrobatiques que mélodiques en font un album essentiel dans la discographie de Brainwork. C'est dur, c'est cru et c'est superbement bien fait. Un must si on veut refaire ses murs et son plancher!
Sylvain Lupari (Juillet 2008. Revu et corrigé en Mai 2017)

mercredi 17 mai 2017

STEVE ROACH: The Passing (2017)

“How can Steve Roach be so seducing after so many albums in the same vein? Discover it with this sublime The Passing”
1 The Passing 59:19
Timeroom Editions ‎| TM39 (CD 59:19) *****
(Ambient but still harmonious music)
Steve Roach knew quite a very productive end of 2016 year with 3 albums appeared in December. And each of these albums visited the sound territories occupied by the American synthesist-philosopher since he released Now in 1982. I don't count any more the albums since then, so much they are many and flooded in an impressive list of reissues. The last time when I tried a counting I believe that I had exceeded the point of 100 albums. But it doesn't matter in that story! If some of his works sound as something of deja-entendu, in particular at the level of dark ambient music, others turn out to be monuments of pensive, meditative and transcendental music. Like this impressive “The Passing” whom Steve Roach wrote and performed in 5 days, just in time to be offered in downloadable format the day of his 62nd birthday on February 16th, 2017. Skillfully masterised by Howard Givens, this last album respires the soft perfumes of the best meditative music of the Californian musician sculptor of deep ambiences. A nth album of meditative soundscapes! The source dried up? Not at all! To say the least not here.
The contemplative adventure begins with a deafened wave which spreads its presence like a guide making us discover the greatness of empty spaces. Foggy strands get out from this dense shadow which seems to float as in a passage towards another territory. We can hear secret flutes manipulate the incandescent heaviness of this shadow of which the whispers are reflected into a long ceaseless humming. It's at around the 14th minute when the charm becomes obvious! Some slow wings which are bearer of sibylline harmonies begin to float all around this long wall of vocal drones, reflecting an attractive harmonious approach of which the equivalence is in this ghost melody that our ears savor since the first stammerings of Reflections in Suspension, but in a lento mode. And there far from me the idea to draw a parallel, because over the time I understood that there is only one
Structures from Silence. All which looks like it, set apart Emotions Revealed, is but a mirage that we like comparing. But this winged melody possesses nevertheless the same effect of comfort, of to hear an old friend. We float within this minimalist melody to the uncertain and undoubtedly nebulous forms which presents constantly an accentuated inflection, like a fluttering which becomes viral. Sometimes I have the impression that Steve snivels through this opaque passage so much the tone of the melody is a reflection of condolence and where the slow movements in the wings loaded of ever-changing colors prostrate themselves as prayers. An insidious melody my friends whose meditative layers tangle the colors of the harmony in a slow horizontal spiral. A little as the specter of a huge squid in an oceanic bottom gone iridescent by the thousand fires of a weighty sun. My ears, which are marked by musical imprints of thousand albums of EM for more than 35 years, recognize here this spectral melody, very cold and flavored by powder of copper, but oh much delicious of Mojave Plan from Tangerine Dream's White Eagle. Except that here she is especially slower and more encompassing. It's as if we were between two universes. In a few words, the imagination becomes fertile as our feelings soar with this undeniable effect of crescendo which slumbers between the depths of "The Passing". Can a so long title hide an effect of redundancy? A drying up of our interest? That always depends of our expectations. Except that at this level “The Passing” is not really different from the other sonic Masses of Steve Roach. On the other hand, we always have this impression that "The Passing" evolves with subtle differences due to its colors which change as our ears lose it in the magnetism always fascinating of this slow shaded membrane which irradiates the mysticism of "The Passing". In brief, another very beautiful monument of ambient and meditative music of Steve Roach. The journey is beautiful and soft, the melody is mesmerizing and the structure is soaked with this bewitchment unique to Steve Roach. Great Roach here! But there I have this feeling of being redundant.

Sylvain Lupari (May 17th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on Steve Roach Bandcamp page here

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-

Steve Roach a connu une fin d'année 2016 très productive avec 3 albums parus en Décembre. Et chacun de ces albums visitait les territoires soniques occupés par le synthésiste-penseur américain depuis qu'il a lancé Now en 1982. Je ne compte plus les albums depuis ce temps-là, tellement ils sont nombreux et noyés dans une impressionnante liste de rééditions. La dernière fois que j'ai tenté un calcul je crois que je dépassais le chiffre de 100. Mais peu importe! Si certaines de ses œuvres sonnent comme du déjà-entendu, notamment au niveau de la musique d'ambiances sombres, d'autres s'avèrent être des monuments de musique pensive, méditative et transcendantale. Comme cet impressionnant “The Passing” que Steve Roach a conçu en 5 jours, juste à temps pour être offert en format téléchargeable le jour de son 62ième anniversaire le 16 Février 2017. Habilement masterisé par Howard Givens, ce dernier album respire les doux parfums des meilleures musiques méditatives du musicien sculpteur d'ambiances californien. Un énième album de paysages sonores méditatifs! Est-ce que la source se tarie? Pas du tout! À tout le moins pas ici.
L'aventure contemplative débute avec une onde sourde qui étend sa présence, comme un guide nous faisant découvrir la grandeur des espaces vides. Des filaments brumeux s'extirpent de cette dense ombre qui semble flotter comme un passage vers un autre territoire. On peut entendre des flûtes secrètes manipuler la lourdeur incandescente de cette ombre dont les murmures se reflètent en un long bourdonnement incessant. C'est autour de la 14ième minute que le charme devient évidence! De lentes ailes porteuses d'harmonies sibyllines se mettent à planer tout autour de cette longue muraille de drones vocaux, réfléchissant une séduisante approche harmonieuse dont l’équivalence se trouve dans cette mélodie fantôme que nos oreilles dégustent depuis les premiers balbutiements de Reflections in Suspension, mais en mode lento. Et là loin de moi l'idée d'en tracer un parallèle, puisqu'au fil du temps j'ai compris qu'il y a qu'un Structures from Silence. Tout ce qui y ressemble, mis à part Emotions Revealed, n'est qu'un mirage que l'on aime comparer. Mais cette mélodie ailée possède néanmoins ce même effet de réconfort, d'entendre un vieil ami. On flotte avec cette mélodie minimaliste aux formes incertaines et assurément vaporeuses qui affiche constamment une inflexion accentuée, comme un flottement qui devient virale. Parfois j'ai l'impression que Steve larmoie à travers ce passage opaque tellement le ton de la mélodie est une réflexion de compassion et où les lents mouvements aux ailes plombées de couleurs moirées se prosternent comme des prières. Une mélodie insidieuse mes amis dont les couches méditatives enchevêtrent les couleurs de l'unisson dans une lente spirale horizontale. Un peu comme le spectre d'un calmar géant dans un fond océanique irisé par les mille feux d'un soleil plombant. Mes oreilles, qui sont estampillées d'empreintes musicales de milliers d'albums de MÉ depuis plus de 35 ans, reconnaissent ici cette mélodie spectrale, très froide et aromatisée de poudre de cuivre, mais oh combien délicieuse de Mojave Plan dans White Eagle. Sauf qu'ici elle est plus lente et surtout plus enveloppante. C'est comme si nous étions entre deux univers. Bref, l'imagination devient fertile à mesure que nos émotions grimpent avec cet indéniable effet de crescendo qui sommeille entre les entrailles de "
The Passing". Un si long titre peut-il cacher un effet de redondance? Un tarissement de notre intérêt? Ça dépend toujours de nos attentes. Sauf qu'à ce niveau The Passing n'est pas vraiment différent des autres messes soniques de Steve Roach. Par contre nous avons toujours cette impression que "The Passing" évolue avec de subtiles différences de par ses couleurs qui changent à mesure que nos oreilles la perdent dans le magnétisme toujours prenant de cette lente membrane ombragée qui irradie le mysticisme de "The Passing". Bref un autre très beau monument de musique d'ambiances méditatives de Steve Roach. Le voyage est beau et doux, la mélodie est envoûtante et la structure est imprégnée de cet envoutement unique à Steve Roach. Du grand Roach! Mais là j'ai l'impression d'être redondant.

Sylvain Lupari (17/05/2017)

lundi 15 mai 2017

ALPHA WAVE MOVEMENT: Cerulean Skies (2017)

“A very beautiful album, a little bit complex at times, which will know how to fulfill the expectations of AWM fans”
1 As Above so it Flows 5:37
2 Organic Metamorphosis 14:21
3 Thermospheric Induction 5:32
4 Lattices of Light 9:17
5 Lenticular Forms 8:57
6 Cerulean Sky 6:29

Harmonic Resonance Recordings | HRR170401
(CD-r/DDL 50:18) ****
(Ambient with soft sequenced beats)
You remember these delicate carillons which paved the walking in the violent climbing Escalator from Michael Stearns' Chronos album? It is in this way that "As Above so it Flows" begins “Cerulean Skies”. It's quieter though. Much quieter and it will never explode of fury. And you should not trust this first title before judging this other beautiful and very creative opus from Alpha Wave Movement. Inspired by the beauties which glide above our heads, by the courses of the clouds and by formations of masses of atmosphere which displays a more rebel, even devastating, beauty, this last album of AWM is in the continuity, although more theatrical, of the splendid Kinetic. One of the very good albums of EM in 2016! Between Ray Lynch and the Kitaro of the Canyon and Polydor years, "As Above so it Flows" spreads an oriental texture with gongs and prisms of which the iridescences forge a peaceful rhythm which softly is cherished by songs of synth with smooth fluty harmonies, as angelic. The finale injects a soft moment of tension with an accumulation of strata with tints and airs of which the diversity melts in the void. "Organic Metamorphosis" floats with the shadow of a threat in a sky speckled of sound particles. The title flirts more with the empty spaces than the heavens with its guitar which crumbles its riffs and of which the delicacy is snatched by a line of sequences. The ambient movement reveals a rather serene rhythmic veil, with the effects of jolts which draw an awkward line where the keys skip of impatience. The wealth of the title is rather Pharaonic with all its elements which converge into an immense cumulus. And there we understand where Gregory T. Kyryluk wants to bring us! In the heart of a storm of which the creation starts from the ground. The intensity reaches its paroxysm at around the 7th minute. The percussions come along and drum a soft fury with riffs which swirl with more liveliness and whose harmonies eventually weave a melody which hangs on as much to the curiosity, one would say a mass of birds encircled in this huge cumulus, than the senses.
We say that when the music composer connects with his listener, the goal is reached. And it's peculiarly succeeding here with a beautiful vision of the climatic jostles which eat away our planet. "Thermospheric Induction" is just like this climate change; jostling of elements, dark and very alarming. The rhythm is built around deaf beatings and carillons which get into a panic in the raging winds. "Lattices of Light" proposes a very beautiful movement of sequences which dance under an avalanche of strata of which the orchestral salvos take to the summits of the tops. Gregory T. Kyryluk revisits his first influences here which are very Berlin School but with a touch of very film intensity. Still here, the plethora of layers and effects never does shade to the rhythm or to the arrangements. It's a good sequenced beat with a sweet touching side. A little as in the time of The Edge of Infinity or still
Steve Roach's Now/Traveller. eras. The circular rhythm of "Lenticular Forms" is suspended in a mass of atmospheres and of nebulous effects extracted from a synth which always lets filter those melodies forged in the movements of rhythm in “Cerulean Skies”. A little as if this rhythm spoke to us by infiltrating an insurmountable musical itch. Here, this rhythm sparkles with so much innocence that it is going between our ears illico presto. Once again, the links between the first steps of Gregory T. Kyryluk and those of Steve Roach in Western Spaces are too obvious to be ignored. The title-track brings us back a little bit in the territories of "As Above so it Flows", a little as if we just had go around the world in 45 minutes. On the other hand, "Cerulean Sky" flows with more serenity. It's a beautiful landscapes of meditative atmospheres which decorate this cerulean blue of a sky always very rich here of bursting tones of everywhere, such as thousands of prisms in the purple colors in the huge nebulous caresses by a synth in mode intensity.
In order to well illustrate “Cerulean Skies”, Gregory T. Kyryluk speaks about a rhythmic dialogue and synthesized atmospheres. I like the analogy! It's peculiar to all these works created from ashes to bones in the mouth of electronic machines and synthesizers. And specially here, where
Alpha Wave Movement takes a jealous care of well connecting with his listeners. A very beautiful album, a little bit complex at times, which will know how to fill the expectations of AWM fans and those ones fond of an EM which penetrates shyly into the borders of the New Age or of ambient music for a meditative journey.

Sylvain Lupari (May 15th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on the Alpha Wave Movement Bandcamp page here

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Vous vous souvenez de ces délicats carillons qui pavaient la marche à la violente escalade d'Escalator dans l'album Chronos de Michael Stearns? C'est de cette façon que "As Above so it Flows" débute “Cerulean Skies”. C'est plus calme cependant. Beaucoup plus calme et ça n'explosera jamais de fureur. Et il ne faut pas se fier à ce premier titre avant de juger cet autre bel et très créatif opus d'Alpha Wave Movement. Inspiré par les beautés qui planent au-dessus de nos têtes, par la course des nuages et par des formations de masse d'atmosphère qui affichent une beauté plus rebelle, même dévastatrice, ce dernier album de d'AWM est dans la continuité, quoique plus théâtrale, du très bon Kinetic. Un des très bons albums de MÉ en 2016! Entre du Ray Lynch et le Kitaro des années Canyon et Polydor, "As Above so it Flows" déploie une texture orientale avec des gongs et des prismes dont les irisations forgent un rythme paisible qui se fait paisiblement dorloter par des chants de synthé aux harmonies flutées, comme angéliques. La finale injecte un doux moment de tension avec une accumulation de strates aux teintes et aux airs dont la diversité fond dans le vide. "Organic Metamorphosis" flotte avec l'ombre d'une menace dans un ciel tacheté de particules soniques. Le titre flirte plus avec les espaces vides que les cieux avec sa guitare qui émiette ses riffs dont la délicatesse est happée par une ligne de séquences. Le mouvement ambiant étend un voile rythmique assez serein, même avec les effets de cascades qui dessinent une maladroite file où les ions sautillent d'impatience. La richesse du titre est assez pharaonique avec tous ses éléments qui convergent en un immense cumulus. Et là nous comprenons où Gregory T. Kyryluk veut nous amener! Dans le cœur d'une tempête dont la création part du sol. L'intensité atteint son paroxysme autour de la 7ième minute. Des percussions s'amènent et tambourinent une douce fureur avec des riffs qui tournoient avec plus de vivacité et dont les harmonies finissent par tisser une mélodie qui accroche autant la curiosité, on dirait une flopée d'oiseaux cernés dans ce cumulus géant, que les sens.
On dit que lorsque qu'un compositeur connecte avec son auditeur, le but est atteint. Et il l'est drôlement ici avec une belle vision des bousculements climatiques qui rongent notre planète. "Thermospheric Induction" est à l'image de ces changements climatiques; bousculades des éléments, sombre et très alarmant. Le rythme est construit autour de battements sourds et des carillons qui s'affolent dans des vents rageurs. "Lattices of Light" propose un très beau mouvement de séquences qui dansent sous une avalanche de strates dont les salves orchestrales emportent aux sommets des cimes. Gregory T. Kyryluk revisite ses premières influences ici qui sont très Berlin School mais avec une touche d'intensité très cinématographique. Encore ici, la pléthore de couches et d'effets ne fait nullement ombrage au rythme, ni aux arrangements. C'est à la fois rythmé et émouvant. Un peu comme à l'époque de The Edge of Infinity ou encore Now/Traveller de Steve Roach. Le rythme circulaire de "Lenticular Forms" est suspendu dans une masse d'ambiances et d'effets nébuleux extrait d'un synthé qui finit toujours par laisser filtrer les mélodies forgées dans les mouvements de rythme de “Cerulean Skies”. Un peu comme si ce rythme nous parlait en infiltrant un ver d'oreille indélogeable. Ici, ce rythme scintille avec tellement de candeur qu'il s'incruste prestissimo entre nos oreilles. Encore une fois, les liens entre les premiers pas de Gregory T. Kyryluk et ceux de Steve Roach dans Western Spaces sont trop évident pour être ignorés. La pièce-titre nous ramène un peu dans les territoires de "As Above so it Flows", un peu comme si nous avions fait le tour de la terre. Par contre, "Cerulean Sky" coule avec plus de sérénité. C'est un beau paysages d'ambiances méditatives qui ornent ce bleu céruléen d'un ciel toujours très riche en en tonalités éclatant de partout comme des milliers de prisme aux couleurs pourpres dans les immenses caresses embuées d'un synthé en mode intensité.
Afin de bien imager “Cerulean Skies”, Gregory T. Kyryluk parle de dialogue rythmique et d'ambiances synthétisées. J'aime l'analogie! C'est propre à toutes ces œuvres crées de toute pièces dans l'antre de machines électroniques et de synthétiseurs. Et spécialement ici où Alpha Wave Movement prend un soin jaloux de bien connecter avec son auditeur. Un très bel album, un peu complexe par moments, qui saura combler les attentes des fans d'Alpha Wave Movement et les amateurs d'une MÉ qui pénètre timidement les frontières du New Age ou de la musique d'ambiances pour un voyage méditatif.

Sylvain Lupari (15/05/2017)