samedi 21 avril 2018

TONE SCIENCE MODULE: No.1 Structure and Forces (2018)

“Welcome to the world where EM is built straight from imagination and from sweat at finding things. Welcome to Synth Modular EM universe”
1 Natural Minor Sines 8:03
2 Tone 6 9:02
3 Virus 7:41
4 If Wishes Came True 6:29
5 Ghatam 6:13
6 Un coq à Esculape 6:07
7 Frieze Relief 5:28
8 Spherfear 9:38
9 Harmonograph 7:59

DiN-TS1 (CD/DDL 66:39)
(Ambient Music with aleatory impulses)
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   **Chronique en français plus bas**

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Art! When ambient music and music of ambiences arise the creativity and the abstracted concept to become inseparable elements which deepen and decorate another shape of creativity, I call this; art. Real pioneer and precursor of contemporary EM, Ian Boddy plunges into the adventure of Library Music create by modular synthesizer with a first album of a 3rd division of his label; Tone Science. In fact, the boss of DiN pursues the path that he drew with his album livened up by impulses and not by sequences, Tone Science released in 2016. “No.1 Structure and Forces” includes 9 compositions from artists who work in the anonymity of the art, finally for the greater part, but who are nevertheless so essential for the needs for the 7th art and for its by-products. Besides a composition stemming from the sessions of Tone Science, "Tone 6", Ian Boddy gathers and arranges the compositions of Paul Lawler, Nigel Mullaney, Lyonel Bauchet, Chris Carter, whom we know to have collaborated to Ian Boddy's albums or DiN albums, and less known names of DivKid, Richard Scott and Matthew Shaw. These creators of soundscapes all very active in the field of Library Music, this dark universe but oh how much important, which gives the relief necessary to movies, documentaries, reports and to television as well as radio programs. These gigantic banks contain all the musical genres composed and interpreted by using all sort of musical instruments. On Tone Science division, the music proposed is composed and played by using modular synthesizers only. And after having heard the 9 tracks in this “No.1 Structure and Forces” we understand why…
It's a composition from DivKid which makes us discover the sound depths of the new sub-label of DiN. "Natural Minor Sines" is a corridor of atmospheres elements with oscillating lines which get intertwine with colors, as cold as warm, from both ends of cosmos to which Sir. Divward Kiddery adds elements of psybient. It's purely ambient, even deeply cosmic, and nearly meditative, with a good sound ornamentation. The precision in the tones here has given me the shivers. "Tone 6" continues there where Ian Boddy's Tone Science album has ended while Paul Lawler's "Virus" represents well enough the works of ambient vibes of the latter, but in an approach more organic than cosmic. After an introduction of turbulence, the ambiences lead us towards a sunny afternoon where chirp a flock of sparrows. A short rhythmic pattern, unusual and unique to the signature of the master of Arcane's fates gives a sordid life to a music which depicts very well the spirit behind the title. "Virus" half-opened the door of the unthinkable rhythms of the modular synthesizers. A line of loops multiplies its effects of guitars while the opening of "If Wishes Came True" from Scanner feed a sound neurosis with noises of greyness, ectoplasmic voices, hasty whispers and vapors of a vampiric e-guitar which cover the basis of circadian pulsations. There is a lot of mystery, as of passion, behind these multilayers of effects of which the narrow meshing gives a sound illusion united by a quartet of strings musicians among whom a certain Robert Fripp and his legendary laments which establish constantly a fascinating and charmingly sinister mood.
We always search for a reference when we discover something and the one who comes to me by discovering these multiple bounces of neurotic jingles in "Ghatam" is Eddie Jobson's album, Theme of Secret. An inescapable in the genre! Here, the movement is less harmonious with an ostinato pattern of hypnotic jumps where Richard Scott modulates variations and nuances which go hand in hand with the vapors of synth in the background. A similar movement but coated with a little more musicality and structured on a lively rhythm comes afterward from the one who gave us the very beautiful The Secret Society, Lyonel Bauchet. Livened up by a steady rhythm, "Un coq à Esculape" was conceived on the Buchla modular synth and the liveliness of the movement, as much fascinating than unusual, is encircled by synth layers swollen of white noises and by very good psybient effects. That gave me the taste to dip again my ears into The Secret Society which was released on DiN DDL in 2011. Chris Carter pursues the road of the rhythmic oscillations with "Frieze Relief". The bass line and the bass pulsations create a rhythmic approach rather dance and even furious by moments whereas good effects lay down a creative shroud a bit psychedelic. Nigel Mullaney throws to us afterward a very beautiful and very poignant title of ambiences with "Spherfear". The music is very captivating with a sensation to be stuck inside a bubble and that we go adrift between this invisible point where the ocean joins the cosmos. This is a great piece of ambient music, like "Natural Minor Sines" by the way, which reminds me of Chronos, for the intensity, from Michael Stearns. “No.1 Structure and Forces” ends a little like the adventure has begun. In this sense that "Harmonograph" is initially structured around a corridor of synth vapors and layers to which get gradually grafted a pleiad of white noises on a meshing of pulsations, bringing this Matthew Shaw's title towards these structures of rhythm without definition but which forge resolutely their place in the glaucous and mysterious universe of the psybient.
Odd object of discovery, “No.1 Structure and Forces” demystifies the Library Music with a wide range of genres of which the making is a matter of ingenuity from the collaborators of this first album from
DiN's new division; Tone Science. The purity of sounds is exceptional with an approach, a vision which places us where the craftsmen of this album wanted us to be. A very good compilation of ambient music and of cinematic ambiences.
Sylvain Lupari (April 21st, 2018) ****½*
synth&sequences.com
You will find this album on DiN Records

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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L'art! Quand la musique ambiante et d'ambiances sont issues de la créativité et du concept abstrait pour devenir des éléments indissociables afin d'approfondir et orner une autre forme de créativité, j'appelle cela de l'art. Véritable pionnier et précurseur de la MÉ contemporaine, Ian Boddy se lance dans l'aventure de la Library Music crée par synthétiseur modulaire avec un premier album d'une 3ième division de son label; Tone Science. En fait, le boss de DiN Records poursuit le chemin qu'il a tracé avec son album animé de pulsions et non par des séquences, Tone Science paru en 2016. “No.1 Structure and Forces” comprend 9 compositions d'artistes qui œuvrent dans l'anonymat de l'art, enfin pour la plupart, mais qui sont pourtant si essentiels pour les besoins du 7ième art et de ses dérivés. En plus d'une composition issue des sessions de Tone Science, "Tone 6", Ian Boddy a regroupé et arrangé des compositions de Paul Lawler, Nigel Mullaney, Lyonel Bauchet, Chris Carter, que nous connaissons pour avoir participer à des albums d'Ian Boddy au de DiN, et des noms moins connus avec DivKid, Richard Scott et Matthew Shaw. Ces créateurs d'ambiances demeurent tous très actif dans le domaine de la Library Music, cet univers obscur, mais oh combien important, qui donnent le relief nécessaire aux films, aux reportages et à des émissions télévisées ainsi que radiophoniques. Ces gigantesques banques contiennent tous les genres musicaux composés et interprétés en utilisant n'importe quels instruments de musiques. Sur la division Tone Science, c'est la musique composée et crée par synthétiseur modulaire uniquement qui est en vedette. Et après avoir entendu les 9 pistes de ce “No.1 Structure and Forces” vous allez comprendre pourquoi…
C'est une composition de DivKid qui nous fait découvrir les profondeurs sonores du nouveau sous-label de DiN. "Natural Minor Sines" est un corridor d'éléments d'ambiances avec des lignes oscillatrices qui s'enchevêtrent avec des couleurs, tant froides que chaleureuses, des deux pôles du cosmos auxquelles Sir. Divward Kiddery ajoute des éléments de psybient. C'est purement ambiant, même profondément cosmique, et presque méditatif, avec une bonne ornementation sonore. La précision dans les tons m'a donné des frissons. "Tone 6" poursuit là où l'album Tone Science avait terminé alors que "Virus" de Paul Lawler représente assez bien les œuvres d'ambiances de ce dernier, mais dans une approche plus organique que cosmique. Après une introduction de turbulence, les ambiances nous amènent vers une après-midi ensoleillée où pépient une bande de moineaux. Un passage rythmique, court, inaccoutumé et unique à la signature du maître des destinées d'Arcane donne une vie plus sordide à une musique qui dépeint fort bien l'esprit derrière le titre. "Virus" a entrouvert la porte des rythmes inimaginables des synthétiseurs modulaires. Une ligne de boucles en série multiplie ses effets de guitares alors que l'ouverture de "If Wishes Came True" de Scanner alimente une névrose sonore avec des bruits de grisaille, des voix ectoplasmiques, des chuchotements hâtifs et des vapeurs d'une six-cordes électriques vampiriques qui recouvrent une base de pulsations circadiennes. Il y a beaucoup de mystère, comme de passion, derrière ces multicouches dont l'étroit maillage donne une illusion sonore soudée par un quartet de musiciens à cordes dont un certain Robert Fripp et ses légendaires lamentations qui instaurent un fascinant climat délicieusement sinistre.
On cherche toujours une référence lorsque l'on découvre quelque chose et celle qui me vient à l'esprit en découvrant ces multiples sautillements de cliquetis névrosés dans "Ghatam" est l'album d'Eddie Jobson, Theme of Secrets. Un incontournable dans le genre! Ici, le mouvement est moins harmonique avec un pattern ostinato de sautillements hypnotiques où Richard Scott module des variations et des nuances qui vont de pair avec des vapeurs de synthé bien en arrière-scène. Vient par la suite un mouvement similaire mais enrobé avec un peu plus de musicalité et structuré sur un rythme entraînant qui a été composé par celui qui nous a donné le très beau The Secret Society, Lyonel Bauchet. Animé d'un rythme soutenu, "Un coq à Esculape" a été conçu sur le synthé modulaire Buchla et la vivacité du mouvement, aussi captivant qu'insolite, est cernée par des nappes d’un synthé gonflé de bruits blancs et par de bons effets de psybient. Ça m'a donné le goût de retremper mes oreilles dans The Secret Society qui est paru chez DiN, section DDL, en 2011. Chris Carter poursuit la route des oscillations rythmiques avec "Frieze Relief". La ligne de basse et les basses pulsations entraînent une approchent rythmique plutôt danse et même assez furieuse alors que de bons effets étendent une créative enveloppe un brin psychédélique. Nigel Mullaney nous balance par la suite un très beau titre d'ambiances très poignant avec "Spherfear". La musique est très enveloppante avec une sensation d'être coincé à l'intérieur d'une bulle et que nous dérivons entre ce point invisible où l'océan rejoint le cosmos. De la musique ambiante très efficace qui me fait penser à Chronos, pour l'intensité, de Michael Stearns. “No.1 Structure and Forces” se termine un peu comme l'aventure a débuté. Dans ce sens que "Harmonograph" est initialement structuré autour d’un corridor de vapeurs et de nappes de synthé auquel se greffent graduellement une pléiade de bruits blancs et un maillage de pulsations, amenant ce titre de Matthew Shaw vers ces structures de rythme sans définition mais qui forgent résolument leur place dans l'univers glauque et mystérieux du psybient.
Curieux objet de découverte, “No.1 Structure and Forces” démystifie la Library Music avec un large éventail de genres dont la conception relève de l'ingéniosité des collaborateurs à ce premier album de la division Tone Science de DiN. La pureté des sons est exceptionnelle avec une approche, une vision qui nous situe là où les artisans de cet album voulaient que l'on soit. Une très belle compilation de musique ambiante et d'ambiances cinématographiques.
Sylvain Lupari (20/04/18)

vendredi 20 avril 2018

CENTROZOON: 217 IV (2018)

“217 IV has to be the most beautiful opus, the most serene album of Centrozoon to my ears”

1 Star's End 2016 60:00
2 Star's End 2016 (Soundcheck) 10:25

Iapetus Records (DDL 70:25)
(Ambient music)

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   **Chronique en français plus bas**

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Who said that the music of Centrozoon was only a dump of chaotic movements guided by a river of strange and unusual sound effects? It is necessary to make adjustment with this “217 IV”. Proposed, consisted and interpreted with the spirit which surrounds the beautiful nights of the legendary Star's End radio show, "Star's End 2016" proposes a new aspect of the duet Bernhard Wöstheinrich and Markus Reuter. Certainly, both accomplices always polish up a music where the quirky effects remain the foundation of a very audacious orientation, but this long piece of 60 minutes is one of the most unctuous, hey yes, that I heard from Centrozoon. Performed within the framework of their North American tour in autumn, 2016, this album follows the performance Chez Thomas, except that this time Markus Reuter is well intend to leave almost intact the desire of Morpheus reverie of Bernhard Wöstheinrich.
The introduction is weaved in lines of mists and of amorphous voices which follow a more and more threatening corridor, because our senses perceive a tension to come. That takes the shape of sibylline layers of which the murmurs of ectoplasms roar from a starving guitar. Divided between a seraphic approach and another one resolutely more chthonian, due to the presence of the brass spirit from the electric six-strings, the introduction of "Star's End 2016" flirts all the same with the anesthetic perfumes pre nocturnal of a night which sounds very welcoming. The nitrogenous howling of the guitar, Markus Reuter lets also drop nice lonely chords, adopts at times the abrasive side of the synth layers while quite slowly the music moves forward in the night. The keyboard scatters little grave arpeggios which resound in the echoes of diverse manipulations of tones and in the guitar treatments, modulating a delicate movement which skips between the multiple lines and layers of the synths and the guitar which test the tolerance from each other. Otherwise, of our desire to meditate with our guests of this night. And in spite of the duality of the contrasting tonal effects, the music flows with this small derisive side of the Centrozoon duet. The sequencer weaves a good amorphous march before gamboling under the friendly effects of Markus Reuter. At times, at especially around the 35th minute point, the idea to find a resemblance with the music of Arc isn't that bad, testifying of the musicality in “217 IV” which sells peacefully the last 15 minutes with the wisdom of the gods of the night. Possibly the most beautiful opus of Centrozoon to my ears. Even "Star's End 2016 (Soundcheck)" amazes because of its very electronic musicality. We start resolutely the discovery of the universe of this very eclectic duet Centrozoon by this album!
Sylvain Lupari (March 19th, 2018) *****
synth&sequences.com
You will find this album on Iapetus Bandcamp


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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Qui a dit que la musique de Centrozoon n'était qu'une décharge de mouvements chaotiques guidés par une rivière d'effets sonores bizarres et inaccoutumés? Il faut rectifier le tir avec ce “217 IV”. Proposé, composé et interprété avec l'esprit qui entoure les belles nuits de la légendaire émission radiophonique Star's End, "Star's End 2016" propose une nouvelle facette du duo Bernhard Wöstheinrich et Markus Reuter. Certes, les deux compères fignolent toujours une musique où les effets biscornus restent le fondement d'une orientation très audacieuse, mais ce long morceau de 60 minutes est l'un des plus doux, eh oui, que j'ai entendu de Centrozoon. Performé dans le cadre de la tournée Nord-Américaine de Centrozoon à l'automne 2016, “217 IV” suit la performance de Chez Thomas du 6 Novembre 2016, sauf que cette fois-ci Markus Reuter a bien l'intention de laisser quasiment intacte le désir de rêverie Morphée de Bernhard Wöstheinrich.
L'introduction est tissée dans des lignes de brumes et de voix amorphes qui suivent un corridor de plus en plus menaçant, puisque nos sens perçoivent une tension à venir. Ça prend la forme de nappes sibyllines dont les crissements d'ectoplasmes rugissent d'une guitare affamée. Divisée entre une approche séraphique et une autre résolument plus chtonienne, de par la présence des cuivres de la six-cordes, l'introduction de "Star's End 2016" flirte tout de même avec les parfums anesthésiants pré nocturnes d'une nuit qui sera somme toute accueillante. Les rugissements azotés de la guitare, Markus Reuter laisse aussi tomber de beaux accords solitaires, épousent par moments le côté abrasif des nappes de synthé alors que tout doucement la musique avance dans la nuit. Le clavier sème des petits arpèges graves qui résonnent dans les échos de diverses manipulations de tonalités et des traitements de guitare, modulant un délicat mouvement qui sautille entre les multiples lignes et nappes de synthé et de guitare qui testent la tolérance de l'un pour l'autre. Sinon, de notre désir de méditer avec nos invités de cette nuit. Et malgré la dualité des effets tonals contrastants, la musique coule avec ce petit côté moqueur du duo Centrozoon. Le séquenceur tisse une belle marche amorphe avant de gambader sous les effets bienveillants de Markus Reuter. Par moments, surtout autour des 35 minutes, l'idée de trouver une ressemblance avec la musique d'Arc n'est pas si mauvaise, témoignant de la musicalité de “217 IV” qui écoule paisiblement ses 15 dernières minutes avec la sagesse des dieux de la nuit. Possiblement le plus bel opus de Centrozoon à mes oreilles. Même "Star's End 2016 (Soundcheck)" étonne de par sa musicalité très électronique. On débute résolument la découverte de l'univers du duo très éclectique Centrozoon par cet album!
Sylvain Lupari (19/04/18)

CENTROZOON: 217 IX (2018)

“This one has to be the most daring set I heard from that tour”

1 Parker House 1 14:43
2 Parker House 2 24:11
3 Parker House 3 17:00
4 Parker House 4 15:59

Iapetus Records (DDL 71:54)
(Ambient and abstract music)
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   **Chronique en français plus bas**
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The North American tour marking the 25th anniversary of Centrozoon will have made  small piping hot downloads where the experimental music of the duet without barriers follows the improvised curves, concert after concert, of Bernhard Wöstheinrich and Markus Reuter. This time the adventure takes place in Parker House in the municipality of Potomac in Maryland on November 12th 2016. And the music offered on this recording is the least accessible (sic!) during this tour. Although the openings and the finales are made in a relative sound peace, the dialogue between the instruments reaches Babel-like barriers which had to leave the spectators rather stunned at times. But as usual, the duet knows how to avoid the traps of tiredness always by finding a way of solving the dead ends which nest in this “217 IX”.
"Parker House 1" puts us at once in the Centrozoon ambiences with a pile of lines and vapors of synth, it's necessary to warm equipment, where the squeaking disintegrate little by little in some completely unexpected orchestrations. Strange noises dawn on these movements of astral waltzes, awakening a latent cacophony which manages little to reduce the reach of a good down-tempo the lasciviousness of which floats in the experiments and the treatments of Markus Reuter's guitars. Groans, rumblings and sufferings of machines gobble up this slow rhythm and lead "Parker House 1" towards a finale without suite. "Parker House 2" espouses the same Centrozoon pattern with an opening of seraphic atmospheres which little by little is swallowed up by an excessive exploration of the tones and of the distortions of sounds. Can a sound suffer? Yes! And the more slowly it is, and the more the pleasure finds ears eager for this kind. Let's say that it's the roughest part in “217 IX”. If we dare to describe the ambiences of "Parker House 3", we could assert that it is the acoustic side of this intimist concert performed in the main lounge of this hotel. Even in a more peaceful envelope, Bernhard Wöstheinrich and Markus Reuter does not still manage to harmonize their sound scripts, so restoring one of these soft cacophonies of Centrozoon. The line of bass here reminds me that of Tony Levin while the guitar treatments are very Frippertronic. A sibylline introduction with mismatching sweetness and some spasmodic oscillations, "Parker House 4" goes away towards a structure of rhythm set up on muted knockings, a little like a cha-cha danced on rubber feet, while the guitar makes roar out the intriguing charms of a big mechanical bumblebee. The finale is a hullabaloo with diverse sound rebellions where the tonal anarchy goes to a more musical awareness while the sequences pound for a rhythm without cohesion and the guitar abandons its spirit in a tumult which had to resound for a long time in the ears of the spectators. Audacious and difficult to digest, this “217 IX” is resolutely for the inflexible of the genre. To listen to the ears free of headphone…

Sylvain Lupari (March 19th, 2018) *****
synth&sequences.com
You will find this album on Iapetus
Bandcamp 

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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La tournée Nord-Américaine soulignant le 25ième anniversaire de Centrozoon aura fait des petits téléchargements tout chauds où la musique expérimentale du duo sans barrières suit les courbes improvisées, concert après concert, de Bernhard Wöstheinrich et Markus Reuter. Cette fois-ci l'aventure se déroule au Parker House dans la municipalité de Potomac au Maryland le 12 Novembre 2016. Et la musique offerte est la moins accessible (sic!) lors de cette tournée. Bien que les ouvertures et les finales se fassent dans un calme sonore relatif, le dialogue entre les instruments atteint des barrières babelesques qui ont dû laisser les spectateurs assez pantois par instants. Mais comme toujours, le duo sait éviter les pièges de lassitude en trouvant toujours une façon de dénouer les impasses que nichent dans ce “217 IX”.
"Parker House 1" nous met tout de suite dans les ambiances Centrozoon avec un empilage de lignes et de vapeurs de synthé, il faut réchauffer les équipements, où les crissements se désagrègent peu à peu dans des orchestrations tout à fait inattendues. Des bruits bizarres commencent à poindre sur ces mouvements de valses astrales, éveillant une cacophonie latente qui réussit peu à réduire la portée d'un bon down-tempo dont la lascivité flotte dans les expérimentations et les traitements de guitares de Markus Reuter. Râles, grondements et souffrances des machines engloutissent ce rythme lent et conduisent "Parker House 1" vers une finale sans suite. "Parker House 2" épouse le même pattern Centrozoon avec une ouverture d'ambiances séraphiques qui peu à peu se fait bouffer par une excessive exploration des tons et de distorsions des sons. Est-ce qu'un son peut souffrir? Oui! Et plus lentement c'est, et plus le plaisir trouve des oreilles avides de ce genre.  Disons que c'est le morceau le plus rough de ce “217 IX”. Si on ose décrire les ambiances de "Parker House 3", on pourrait affirmer que c'est le côté acoustique de ce concert intimiste performée dans le salon principal de cet hôtel. Même dans une enveloppe plus paisible, Bernhard Wöstheinrich et Markus Reuter n'arrive toujours pas à harmoniser leurs scripts sonores, restituant ainsi une de ces douces cacophonies de Centrozoon. La ligne de basse ici me fait penser à celle de Tony Levin alors que les traitements de guitares sont tout ce qu’il y a de plus Frippertroniques. Introduction sibylline avec des douceurs dépareillées et oscillations spasmodiques, "Parker House 4" s'éloigne vers une structure de rythme érigée sur des cognements sourds, un peu comme un tcha-tcha dansé sur des pieds de caoutchouc, alors que la guitare fait rugir les charmes intrigants d'un gros bourdon mécanique. La finale est tintamarresque avec diverses rebellions sonores où l'anarchie tonale se dirige vers une prise de conscience plus musicale alors que des séquences palpitent pour un rythme sans cohésion et que la guitare abandonne son esprit dans un tumulte qui a dû résonner longtemps dans les oreilles des spectateurs. Osé et difficile à digérer, ce “217 IX” est résolument pour les irréductibles du genre. À écouter les oreilles libres…
Sylvain Lupari (19/04/18)

mercredi 18 avril 2018

AKIKAZE: Blue Sky Events (2014-2018)

“Multiple shifting phases with a solid links between, Blue Sky Events proposes an EM that should please the fans of IC's easy listening EM”
1 Blue Sky Events 16:18
2 Twist of Fate 9:13
3 Heart to Heart 5:16
4 Rebound 34:05
5 Leap of Faith 13:40

Syngate Wave | PCX5 (CD-r/DDL 78:40)
(Melodious evolving EM)
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  **Chronique en français plus bas**

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Peipijn Courant is another veteran on the scene of EM of the Berliner style which quietly seems to want to come out from the oubliette. After a very convincing first comeback album in Solstice last year, the musician behind Akikaze gives the ok to a reedition of his last solo album of which the release in December 2014 coincided with his 25 years of career. Consisted between October and November, 2014, the music of “Blue Sky Events” wears this small retro cachet which suits quite well with an artwork, terrible I grant it, which incites the eyes, and the ears, to run away towards paradisiac islands. And who saiys Akikaze says also long structures in movements with a touch of romanticism which makes the music of the Dutch musician more attractive and more effective than a first judgment lets appear.
An acoustic guitar launches the debate before that jerky orchestrations a la Tomita, Snowflakes are Dancing, propel the soft acoustic romance straight down to the bottom of our eardrums. Bass drums add a dramatic weight while the chirping of the electronic effects place the title-track in the comfort of its elements. The rhythm which follows is as much fluid as a race against the death with a good sequenced movement to which Akikaze adds nuances in the tones. A refrain a little baroque divides this wild rhythm which starts up again with a renewed vigor from a bass line capable of supporting this electronic rhythm inhabited by its phases of hesitation. These phases moreover which slow down the race of "Blue Sky Events" also propel the music towards new levels with the addition of orchestrations and of synth effects as harmonious as those of the 70's from the French exploratory movement. The strength of this album, and I believe that it's also one of the strengths of Peipijn Courant, is undoubtedly the subtle evolutions in the 16 minutes of "Blue Sky Events", and it's the same thing moreover for the gigantic "Rebound". Following the same main thread, the music, its harmonies and its effects, is constantly challenged by new elements which are grafted to the vertiginous race of the rhythm. A short acoustic interlude proposes a small phase of rest for neurons before the rhythm makes a strong comeback with a more electronic envelope which reminds me the music of Space Art or yet Michael Garrison. This duel between the analog perfumes and those more contemporary add a strong element of charm to this structure where the bass lines swallow the electronic percussions which nevertheless give some tonus to the metamorphic phases of this very good title-track. After a delicious introduction marked under the sign of an Irish bucolic romance, the flute of "Twist of Fate" leaves room to a more baroque approach with a very Tangerine Dream sequencing pattern of the Jive years which makes its keys skip in the vampiric layers of a dark organ. Even in its 9 minutes, this title, written in 1994 with Lambert Ringlage, also plays on these structures of pink-candies tunes with a cheerful flute which lets a more rock and dark approach devoured its rural instincts. This is melodious and the flute charms my beautiful Lise. That gives you an idea!
"Heart to Heart" is a title without rhythm, set apart for its bed of cardiac pulsations, where an electric guitar cries on a dense one décor of mist which derives in a cosmic approach. The beginning of "Rebound" is going to make you jump with a sound editing which seems to me to botched where noise of a delirious crowd roared out in our eardrums without warnings. No fade-in! I found that very unpleasant. We find the same thing on the original recording. Effects of fireworks, romantic guitar, astral keyboard and dreamy vibes, its 34 minutes adopts the shape and the evolutionary pattern of the title-track. The title is divided into several phases which go from pure electronic rock, driven quite hard by excited sequences, to cute and bucolic melodies, to some easy-listening EM and to ambiences which serve as springboard to divide the multiple phases of a title of which the many changes make us unhook by places. Divided into two segments, "Leap of Faith" proposes an introduction of ambient elements weaved on foggy layers where cries a synth and its lines of choir. This very nostalgic approach melts into an electronic tango led by a keyboard as much changeable in its approach than the structural flashes of lightning which lead the multiple phases bound by a work of monk in this “Blue Sky Events”.
An honest album with weaknesses at the level of the recording (fade - out and debuts are lacking finish) which annoy but decrease not at all the talent of Akikaze sound writer. The fans of light EM that we find on the IC label, I think among others of Megabyte, TeeKay, G.E.N.E. and the more commercial albums of Software, should like this album eyes closed!

Sylvain Lupari (April 18th, 2018) ***½**
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Peipijn Courant est un autre vétéran sur la scène de la MÉ de style Berliner qui tranquillement semble vouloir ressurgir des oubliettes. Après un premier album retour très convaincant en Solstice l'année dernière, le musicien derrière Akikaze donne le go à une réédition de son dernier album solo dont la sortie en Décembre 2014 coïncidait avec ses 25 ans de carrière. Composée entre Octobre et Novembre 2014, la musique de “Blue Sky Events” arbore ce petit cachet rétro qui s'accorde assez bien avec une pochette, affreuse je le concède, qui incite les yeux, et les oreilles, à s'enfuir vers des iles paradisiaques. Et qui dit Akikaze dit aussi longues structures en mouvements avec une touche de romantisme qui rend la musique du musicien Hollandais plus attrayant et plus efficace qu'un premier jugement laisse paraître.
Une guitare acoustique lance le débat juste avant que des orchestrations saccadées à la Tomita, Snowflakes Are Dancing, propulsent la douce romance acoustique tout au fond de nos tympans. Des grosses caisses ajoutent un poids dramatique alors que le pépiement des effets électroniques situent la pièce-titre dans le confort de ses éléments. Le rythme qui suit est aussi fluide qu'une course contre la mort avec un bon mouvement séquencé auquel Akikaze ajoute des nuances dans le ton. Un petit refrain baroque divise ce rythme effréné qui repart de plus belle avec une ligne de basse capable d'épauler ce rythme électronique habité par ses phases d'hésitation. Ces phases d'ailleurs qui ralentissent la course de "Blue Sky Events" propulsent aussi la musique vers de nouveaux niveaux avec l'ajout d'orchestrations et d'effets de synthé aussi harmonieux que ceux des années 70 du mouvement exploratoire Français. La force de cet album, et je crois que c'est aussi une des forces de Peipijn Courant, est sans aucun doute les subtiles évolutions dans les 16 minutes de "Blue Sky Events", et c'est la même chose pour le gigantesque "Rebound". Suivant un même fil conducteur, la musique, ses harmonies et ses effets, est constamment défiée par des nouveaux éléments qui se greffent à la course vertigineuse du rythme. Un petit intermède acoustique propose une courte phase de repos pour les neurones avant que le rythme ne revienne en force avec une enveloppe plus électronique qui me fait penser à la musique de Space Art ou encore de Michael Garrison. Ce duel entre les parfums analogues et ceux plus contemporains ajoutent un fort élément de charme à cette structure où les lignes de basses avalent les percussions électroniques qui pourtant donnent du tonus aux phases métamorphiques de cette très bonne pièce-titre. Après une savoureuse introduction marquée sous le signe d'une romance bucolique Irlandaise, la flûte de "Twist of Fate" laisse place à une approche plus baroque avec un séquenceur très Tangerine Dream des années Jive qui fait sautiller ses ions dans les nappes vampiriques d'un orgue ténébreux. Même dans ses 9:13, ce titre, composé en 1994 avec Lambert Ringlage, joue aussi sur ces structures de refrains rose-bonbons avec une flûte enjouée qui laisse une approche plus rock et sombre dévorée ses instincts champêtres. C'est mélodieux et la flûte charme ma belle Lise. Ça vous donne une idée!
"Heart to Heart" est un titre sans rythme, sauf pour son lit de pulsations cardiaques, où une guitare électrique pleure sur un dense décor de brume qui dérive dans une approche cosmique. Le début de "Rebound" va vous faire sursauter avec un montage sonore qui me semble bâclé où bruit d'une foule en délire rugi dans nos tympans sans avertissements. Pas de fade-in! J'ai trouvé ça très désagréable. On trouve la même chose sur l'enregistrement original. Effets de feux d'artifice, guitare romanesque, clavier astral et ambiances rêveuses, ses 34 minutes épousent le processus évolutif de la pièce-titre. Le titre est divisé en plusieurs phases qui vont du pur rock électronique, mené de plein fouet par des séquences fiévreuses, à de belles mélodies accroche-cœur et bucoliques, à des structures un peu New Age bien sobre et des ambiances qui servent de tremplin pour diviser les multiples phases d'un titre dont les moult changements nous font décrocher par endroits. Divisé en deux segments, "Leap of Faith" propose un introduction d'ambiances tissées de nappes brumeuses où pleure un synthé et ses lignes de chœur. Cette approche très nostalgique se fond dans un tango électronique mené par un clavier aussi versatile dans son approche que les éclairs structuraux qui mènent les multiples phases liées par un travail de moine dans ce “Blue Sky Events”.
Un album honnête avec des failles au niveau de l'enregistrement (les fade-out et les débuts manquent de fini) qui agacent mais ne diminuent en rien la talent de scripteur sonique de Akikaze. Les amateurs de la musique légère du label IC, je pense entre autres à Megabyte, TeeKay, G.E.N.E. et les albums plus commerciaux de Software devraient aimer cet album les yeux fermés!

Sylvain Lupari (18/04/2018)

lundi 16 avril 2018

STEPHAN WHITLAN: Second Site (2018)

“It's good to hear EM centered on synths and synths! Solos are flying all over minimalist rhythmic patterns which in the end are built on a mix of England and Berlin Schools”

1 Odyssey '93 12:00
2 Leitrim 11:46
3 ... Too much time 4:59
4 Spacetime 14:24
5 Sad Day 11:57
6 Pulsetrain 9:27
7 Untitled 13:56

Groove | GR-244 (CD/DDL 78:28)
(England & Berlin Schools)
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**Chronique en français plus bas**
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Things get crowded in Stephan Whitlan's universe. After his participation at the Awakenings Festival in November 2017 and his collaboration album with Ron Boots, Seven Days, the Irish musician confirms his come back with a new album filled of old music. The compositions on “Second Site” go back at beginning of the Map Reference period and were played, well for most of them, within the framework of Awakenings with Ron Boots, Frank Dorritke and Harold van der Heijden. And a little like in Seven Days, the electronic music of Stephan Whitlan bases mainly on synths. The sequencer multiplies the axes of minimalist rhythms to which are grafted at times another line to support the acrobatic pirouettes of the soloes of synths which don't trivialize at any times their harmonious approaches.
"Odyssey ' 93" doesn't waste time. The sequences are nervous and sculpt a vivid approach which skips in the synth vapors perfumed of Tangerine Dream, era the 80's. The synth already coos with dreamy solos, such as a loving heart filled with nostalgia. Running over the 12 minutes of the title, these solos represent the quintessence of EM, a little as a very good guitarist of Jazz with agile fingers which are connected to the emotions of Stephan Whitlan. Little carillons begin tinkling around the 6th minute. Set apart these ringings and an emotive gradation in the synth vapors, always very TD, and in the ornamental elements, "Odyssey ' 93" pursues a minimalist path with just enough swiftness in its passionate bolero to keep the interest of my ears. I like "Leitrim" very much. It's this kind of a heart crush that will give you the goosebumps with wonderful solos as acute and precise than the charms of an opera singer. The rhythm is all the opposite of "Odyssey ' 93", in fact one would say a kind of remix in its structure of rhythm, with a slower approach which leans on percussions and good effects of percussions. "... Too Much Time" breaks the mold of the hypnotic charms with a nervous approach set on the use of an imaginary xylophone. In Stephan Whitlan's universe, the synthesizer is important just as much than the guitar for Mike Oldfield. I like doing the parallel here because this short title does very MB with a nice little bucolic and quite cute tune in flute which gets loose from a structure overhung by a rhythm driving with the greed of a train to eat its own rails.
Except for its introduction, and a short ambiospherical passage, "Spacetime" has absolutely nothing of a title of cosmic ambiences. The first movement of the sequencer forges a spheroidal rhythm which is of use as basis to a synth always very creative, both at the level of the solos and of the effects, which sound like a life in an airlock, and segments of melodies which are scattered on a rhythmic structure sometimes discreet and sometimes dominant. "Sad Day" carries with dignity the sense of its naming. The music is charmingly tinted with an approach of dark and poetic movie of the French cinema in the 60-70 years. The rhythm is pulsating but not really livened up. The pulsations are rather of use as a rhythmic bed to a synth which spreads superb solos over its 12 minutes. Sober and lugubrious, the structure of rhythm shakes a more crystalline shadow which gets excited in some places, amplifying these shivers which run over our arms in front of these dreamy and extremely melancholic solos. "Pulstrain" is all in sequences! Whitlan uses a structure where the sequencer releases some lines of rhythms which skip with an effect of gap, so settling a spasmodic but not really very excited rhythm, where pour in harmonious vapors always very TD, period 80's. In spite of a strong essence of the MIDI years, the movement remains rather attractive and Whitlan inserts even a suite of harmonious sequences to it. "Untitled" begins our journey towards the unknown with a very spatial opening. On the narration of a voice in background the sequences begin swirling as snatched in sinusoidal winds. The décor makes strangely very wintry music and the voice reminds me of Mike Oldfield in Ommadawn (Horseback). Shimmering elements and electronic effects remain in suspension to follow finally a charming circular curve (you remember Lucky Charms?). And then the voice switches off these atmospheres of cosmic carnival to dip back this title towards these circular phases which this time hang on to a structure of Boom-Boom-Tschitt Tschitt where dance and spin around another avalanche of solos which sound very musical in spite of an envelope of improvisation. If the first part is soberer, "Untitled" explodes in its 2nd half, both in the rhythm and in the intensity in the ambiences as well as in the bites of the synth solos.
Even if Stephan Whitlan presents us old material, I quite liked this 2nd rendezvous with this English musician forgotten in this avalanche of emergent artists in an EM of the kind since a dozen years. His music is very different with a clear propensity for the harmonious side and for the use of synths, letting the sequencers play their roles of rhythms builder. At this level, the synth and the sequencer agree marvelously on “Second Site” and it's perfect for our ears.

Sylvain Lupari (April 16th, 2018) ***¾**
synth&sequences.com
You will find this album on Groove NL
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Les choses se bousculent dans l'univers de Stephan Whitlan. Après sa participation au Festival Awakenings en Novembre 2017 et son album en collaboration avec Ron Boots, Seven Days, le musicien Irlandais confirme son retour avec un nouvel album bourré de vieilles musiques. Les compositions sur “Second Site” remontent à la période pré Reference Map et ont été interprétées, pour la plupart, dans le cadre du Awakenings avec Ron Boots, Frank Dorritke et Harold van der Heijden. Et un peu comme dans Seven Days, la musique électronique de Stephan Whitlan repose principalement sur les synthés. Le séquenceur multiplie les axes de rythmes minimalistes où se greffent par moments une autre ligne afin de soutenir les pirouettes acrobatiques des solos de synthés qui ne banalisent en aucun moment leurs approches harmoniques.
"Odyssey '93" ne perd pas de temps. Les séquences sont nerveuses et sculptent une vive approche qui sautille dans des vapeurs de synthé parfumées de Tangerine Dream, années 80. Le synthé roucoule déjà avec des solos rêveurs, comme un cœur amoureux rempli de nostalgie. Courant sur les 12 minutes du titre, ces solos représentent la quintessence de la MÉ, un peu comme un très bon guitariste de Jazz, avec des doigts agiles qui sont connectés avec les émotions de Stephan Whitlan. Des petits carillons se mettent à tinter autour de la 6ième minute. Mise à part ces tintements et une gradation émotive dans les vapeurs de synthé, toujours très TD, et dans les éléments décoratifs, "Odyssey '93" poursuit une route minimaliste avec juste assez de vélocité dans son boléro passionnel pour maintenir l'intérêt de mes oreilles. J'aime beaucoup "Leitrim". C'est le genre de musique coup-de-cœur qui donne la chair de poule avec de superbes solos aussi aigues et précis que les charmes d'une cantatrice. Le rythme est tout le contraire de "Odyssey '93", en fait in dirait un remixe dans sa structure de rythme, avec une approche plus lente qui mise sur des percussions et de beaux effets de percussions. "... Too Much Time" casse le moule aux charmes hypnotiques avec une approche nerveuse arquée sur l'utilisation d'un xylophone imaginaire. Dans l'univers de Stephan Whitlan, le synthétiseur est tout autant important que la guitare pour Mike Oldfield. J'aime la parallèle car ce court titre fait très MO avec un beau petit refrain bucolique en flûte et tout mignon qui se détache d'une structure surplombée par un rythme roulant avec la gourmandise d'un train pour manger ses rails.
À part son introduction, et un court passage ambiosphérique, "Spacetime" n'a absolument rien d'un titre d'ambiances cosmiques. Le premier mouvement du séquenceur forge un rythme sphéroïdal qui sert d'assise à un synthé toujours très créatif, tant au niveau des solos que des effets, qui font très intérieur d'un sas, et des segments de mélodies qui sont éparpillés sur une structure rythmique tantôt discrète et tantôt dominante. "Sad Day" porte dignement le sens de son titre. La musique est délicieusement teintée d'une approche de film sombre et poétique du cinéma français des années 60-70. Le rythme est pulsatif mais pas vraiment animé. Les pulsations servent plutôt de lit rythmique à un synthé qui répand de splendides solos sur près de 12 minutes. Sobre et lugubre, la structure de rythme agite une ombre plus cristalline qui s'excite à quelques endroits, amplifiant ces frissons qui nous parcourent les bras devant ces solos rêveurs et archi mélancoliques. "Pulstrain" est tout en séquences! Whitlan utilise une structure où le séquenceur libère quelques lignes de rythmes qui sautillent avec un effet de décalage, arrangeant ainsi un rythme spasmodique, mais pas vraiment très excité, où coulent des vapeurs harmoniques toujours très TD, période 80. Malgré une forte essence des années MIDI, le mouvement reste assez séduisant et Whitlan insère même une suite de séquences harmoniques. "Untitled" amorce notre voyage vers l'inconnu avec une ouverture très spatiale. Sur les narrations d'une voix en arrière-scène les séquences se mettent à tournoyer comme happées dans des vents sinusoïdaux. Le décor fait étrangement très musique hivernale et la voix me fait penser à du Mike Oldfield dans Ommadawn (Horseback). Les éléments carillonnants et les effets électroniques demeurent en suspension pour finalement suivre un courbe circulaire enchanteresse (vous vous souvenez des Lucky Charms?). Et puis la voix éteint ces ambiances de carnaval cosmique pour replonger ce titre vers ces phases circulaires qui cette fois-ci s'accrochent à une structure de Boom-Boom-Tschitt Tschitt où dansent et tournicotent un autre torrent de solos qui sonnent très musicaux en dépit d'une enveloppe d'improvisation. Si la première partie est plus sobre, "Untitled" explose en 2ième moitié, tant en rythme qu'en intensité dans les ambiances et dans les morsures des solos de synthé.  
Même si Stephan Whitlan nous présente du vieux matériel, j'ai bien aimé ce 2ième rendez-vous avec ce musicien Anglais oublié dans cette avalanche d'artistes émergents en MÉ du genre depuis une douzaine d'années. Sa musique est très différente avec une nette propension pour le côté harmonique et pour l’utilisation des synthés, laissant les séquenceurs jouer le rôle de constructeurs de rythmes. À ce niveau, le synthé et le séquenceur s'accordent à merveille sur “Second Site” et c'est parfait pour les oreilles.

Sylvain Lupari (16/04/18)

samedi 14 avril 2018

STEPHAN WHITLAN & RON BOOTS: Seven Days (2017)

“This is another very solid album of purely Berlin School out of Groove. But are we surprised that much!?”

1 In Traffic 20:16
2 Morning Flight 8:55
3 Walking Marley 9:33
4 Last Day 6:57
5 Slab 17:53

Groove | GR-233 (CD/DDL 63:35)
(Sequencer-based Berlin School)
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Chronique en français plus bas**
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Ron Boots is a tireless worker and an unavoidable visionary in the field of EM. Year after year, his label Groove realizes a little find or digs up a one of the old guard. And 2017 is no exception! We were entitled to the splendid Sequencer Rarities from Rudy Adrian, besides of the very strong Fine Tunes from Beyond Berlin. And now it's the turn of Stephan Whitlan to get out of the shade and offer a very good album of an EM built on the bases of old good Berlin School. Except to have heard his music with Graham Getty (Higher Green Session) and this infernal title in E-Scape on 2016, Deaf Four Longer, I know Stephan Whitlan only of name and reputation. We speak here about a precursor in the time of EM performed in the Sheffield circle, with John Dyson, who released a couple of albums in the course of a career filled with breaks and which goes back to 1994 with a first album, very well received by the critics of the time, Map Reference. As its title seems to indicate it, “Seven Days” was conceived in seven days. Stephan Whitlan arrived with his ideas at Ron Boots' studios and together they shaped a strong and fair album which exceeds the 63 minutes of an EM concentrated on evolutionary movements of sequencers and on the unequivocal art of the synths control where soloes rain down from everywhere over the minimalist paths of “Seven Days”.
Sibylline voices, wooshh and wiishh dragging particles of synthesizers and a laconic pulsation initiate our interest for “Seven Days”. The winds metamorphose into metallic colors while breaths of synths coo as these nightingales always sleepy. We are literally in the den of old Berlin School with these improvised solos which float among hallucinogenic mists, while the pulsation waits slowly for a way of exploring an axis of more livened up rhythm. But it is some sequences instead which sparkle and flash on the spot near the 3rd minute. They gambol and skip innocently, structuring a first phase of ambient and circular rhythm which modifies its axis at around the 6th minute with the arrival of the percussions and of another line of sequences which is showing its more melodious assets. Playing a little on the limits of a Bolero structure, "In Traffic" is gradually transformed into a strong electronic rock rather lively with lines of sequences which compete with the sober percussions and a solid line of bass. These rhythmic elements well installed, Ron Boots and Stephan Whitlan sculpture now some wonderful synth solos which overfly the increasing ascent of "In Traffic" such as sound squadrons, adding more weight and passion to this very good upward velocity which guides another monument of a minimalist Berlin School to be taken out of the Groove studios. Three shorter structures, all livened up by a good rhythmic life, nest between two long minimalist monuments of this album. "Morning Flight" bites our eardrums straight away with electronic percussions, kind of flying castanets, which call back one of the many good passages of Dark Side of the Moog IX. A line of bass sequences structures a catchy tempo where layers of synths with astral colors float with a harmonious precision on a semi-ambient movement. The synth blows here a nice spectral melody while the rhythmic structure stuffs itself with percussions and with sequenced arpeggios which sound at times like these African harmonious percussions. Those who think of Peter Baumann here are in the right move. There is also a little scent of Ron Boots in this title which reminds me some of the beautiful melodious passages of his Dreamscape.
The addicts of synth solos will be still delighted by those in this title and as well as in the strange staggering structure of "Walking Marley". A title that we can easily compare with Johannes Schmoelling's universe with a world all in contrasts and very catchy to the ear. An organic texture soaks in this pretty nice sound decor of which the wealth is divided with a very beautiful contribution of the many synth solos and ear-catchy percussive effects among which those rattler tones. Simple but terribly effective! In a slower, a more hesitating approach, "Last Day" takes also this frivolous and uncertain approach of "Walking Marley". The rhythm skips like these steps and these light jumps of Fred Astaire dancing on clouds. It's purely cute and rather easy to hook on it. "Slab" concludes this album with strength. The structure is another upward phase of which the kind of Bolero and intensity is equal to "In Traffic". The movement is more spasmodic and strongly bombarded by good percussions and a line of bass which crushes you to the senses. The solos which shout here suggest an approach more Netherlands School, more personal to Ron Boots, even with this sibylline zest which wraps a suite of rhythmic spasms where fly and spin so many synth solos. The rhythm takes a more fluid, a more rock, tangent after a short ambiospherical interlude filled with effects all so attractive, so giving the taste to restart the adventure of “Seven Days” to zero. Another solid album from Groove!
Sylvain Lupari (April 14th, 2018) ***¾**
synth&sequences.com
You will find this album on Groove NL
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Ron Boots est un infatigable travailleur et un incontournable visionnaire dans le domaine de la MÉ. Année après année, son label Groove réalise une petite trouvaille ou déterre un vieux de la vieille. Et 2017 ne fait pas exception! Nous avons eu droit à un splendide Sequencer Rarities de Rudy Adrian, en plus du très solide Fine Tunes de Beyond Berlin. Et c'est au tour de Stephan Whitlan maintenant de sortir de l'ombre afin d'offrir un très bon album d'une MÉ construite sur les bases du vieux bon Berlin School. Hormis pour avoir entendu sa musique avec Graham Getty (Higher Green Session) et cette pièce infernale dans E-Scape 2016, Deaf Four Longer, je connais Stephan Whitlan que de nom. On parle ici d'un précurseur dans le temps de la MÉ de Sheffield, avec John Dyson, qui a réalisé quelques albums au fil d'une carrière remplie de pauses qui remonte à 1994 avec son premier album, fort bien reçu par les critiques de l'époque, Map Reference. Comme son titre l'indique, “Seven Days” a été conçu en sept jours. Stephan Whitlan est arrivé avec ses idées dans les studios de Ron Boots et ensemble ils ont façonné un solide et honnête album qui dépasse les 63 minutes d'une MÉ concentrée sur des mouvements évolutifs des séquenceurs et un art sans équivoque du maniement des synthés où les solos pleuvent de partout sur les routes minimalistes de “Seven Days”.
Des voix sibyllines, des wooshh et des wiishh trainant des particules de synthétiseurs et une pulsation laconique débloquent notre intérêt pour “Seven Days”. Les vents se métamorphosent dans des coloris métalliques alors que des souffles de synthés roucoulent comme ces rossignols toujours endormis. Nous sommes littéralement dans l'antre du vieux Berlin School avec ces solos improvisés qui flottent parmi ces brumes hallucinogènes, alors que la pulsation attend lentement une façon d'explorer un axe de rythme plus animé. Mais ce sont des séquences qui scintillent et pétillent autour de la 3ième minute. Elles se gambadent et sautillent innocemment, structurant une première phase de rythme ambiant et circulaire qui modifie son axe autour de la 6ième minute avec l'arrivée des percussions et d'une autre ligne de séquences aux atouts plus mélodieux. Jouant un peu sur les limites d'une structure en Boléro, "In Traffic" se transforme graduellement en un solide rock électronique assez entraînant avec des lignes de séquences qui rivalisent avec des percussions sobres et une solide ligne de basse. Les éléments rythmiques bien installées, Ron Boots et Stephan Whitlan sculptent maintenant de superbes solos de synthé qui survolent la croissante ascension de "In Traffic" comme des escadrons soniques, ajoutant plus de poids et de la passion à cette très bonne vélocité ascensionnelle qui guide un autre monument de la Berlin School minimaliste à sortir des studios de Groove. Trois plus courtes structures, tous animées d'une bonne vie rythmique, nichent entre les deux longs monuments minimalistes de “Seven Days”. "Morning Flight" mord tout de suite nos tympans avec des percussions électroniques, genres castagnettes volantes, qui rappellent un des bons passages de Dark Side of the Moog IX. Une ligne de basse séquences structure un tempo accrocheur où nappes de synthés aux couleurs astrales flottent avec une précision harmonique sur un mouvement semi-ambiant. Le synthé souffle ici une belle mélodie spectrale alors que la structure rythmique se gave de percussions et d'arpèges séquencés qui sonnent par moments à ces percussions harmoniques africaines. Ceux qui pensent à Peter Baumann ici n'ont pas tout à fait tort. Il y a un petit côté assez Ron Boots dans ce titre qui me rappelle les beaux passages mélodieux de Dreamscape.
Les amateurs de solos de synthé seront encore ravis par ceux dans ce titre et ainsi que dans l'étrange structure titubante de "Walking Marley". Un titre que l'on peut facilement comparer à l'univers de Johannes Schmoelling avec un monde tout en contraste et très accrocheur à l'oreille. Une texture organique imprègne ce très beau décor sonique dont la richesse est partagée avec une très belle contribution de solos de synthé et de beaux effets de percussions crotales. Simple mais diablement efficace! Dans une approche plus lente, plus hésitante, "Last Day" épouse un peu l'approche frileuse et incertaine de "Walking Marley". Le rythme sautille comme ces pas et ces bonds légers de Fred Astaire dansant sur des nuages. "Slab" conclût cet album avec force. La structure est une autre phase ascensionnelle dont le genre Boléro et intensité accote "In Traffic". Le mouvement est plus spasmodique et fortement pilonné par de bonnes percussions et une ligne de basse qui vous rentre dans les sens. Les solos qui crient ici suggèrent une approche plus Netherlands School, plus personnel à Ron Boots, même avec ce zest sibyllin qui enveloppe une suite de spasmes rythmiques où volent et virevoltent moult solos de synthé. Le rythme prend une tangente plus fluide, plus rock même, après une courte interlude ambiosphérique rempli d'effets tous aussi séduisants, donnant ainsi le goût de repartir l'aventure de “Seven Days” à zéro. Un autre solide album de Groove!
Sylvain Lupari (14/04/18)

vendredi 13 avril 2018

INDRA: Archives-Diamond Five (2016)

“Nothing more, nothing less, this Diamond Five pursues the same paths of minimalist poetry which have forged the 5 albums of this Diamond chapter”

1 Elegy for Theya 13:49
2 Mar 18:18
3 Three of a Kind 16:13
4 Innerspace 17:35
5 La Cappella 10:55

Indra Music (CD/DDL 76:53)
(Roumanian School)
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   **Chronique en français plus bas**
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Nothing more, nothing less, “Diamond Five” pursues the same paths of minimalist poetry which forge the 5 albums of this Diamond section from the Rumanian sonic bard. Murmurs of castratoes choir are covering of a layer of ethereal voices the sound honeys which decorate the nebulous opening of "Elegy for Theya". Synth layers float idly in the caresses of these voices of eunuchs which sometimes stretch their juvenile tenderness with a gradation of drama in their octaves. Slow and meditative, "Elegy for Theya" condemns its first 7 minutes on these songs and other murmurs on synth waves fill of anesthetizing perfumes. Pulsations emerge from a dense celestial mist after these 7 minutes. Its beatings are as soft as a heart in state of hibernation and they synchronize the ambient beat with this pond of chaste voices and other glittering electronic effects. From not much, Indra does big things because the Rumanian musician is passed master in the art of minimalist EM. Like here where his hypnotic prose, always haloed with chloroformed synth layers, nails us to our earphones. "Mar" follows the same rules but with a little more tonus in the rhythm which, this time, is sculpted on a rotatory movement of the sequencer. The oscillation of the chords proposes nuances in the color and in the beatings and Indra adds little by little his sound elements which make the charms of his talent of sound hypnotist. Here, it's pulsations loaded of resonances, jingles, percussions of which the random blows amplify this Indra charm, because we feel that something is not in its place anymore, and finally fine synth solos charmer of senses. The spheroidal march of "Mar" proposes a soft velocity, hardly amplified, as much in the pace as this rotary movement of the sequencer of which the harmonious keys tinkle more and more. Velocity or not, percussions or not, the ear-catchy evolution of "Mar" stays all the same in the field of astral rhythm, in the field of ambient rhythm, the while finale is flirting with a sort of rock for zombies which are tired of surviving. "Three of a Kind" doesn't lose time to start things up. This very good movement for sequencer starts with a suite of arpeggios which skips like balls over a conveyor in madness. Uniting their various crystalline tones and catching a good bass line which rolls such as a fictitious train, the movement espouses then a down-tempo solidified by the percussions. Glass arpeggios sparkle in all directions, oscillating and swirling with a harmonious texture while the keyboard tries to follow the parade and while the rhythm starts to gets slowly more undulatory and even a bit spasmodic Two minutes farther and the percussions get back to kick up a good up-tempo. Sometimes freed from an ambient imprint and sometimes smothered by the mass of the weight of the sequences, "Three of a Kind" evolves with its phases of morphic dance or by crossing its identities and flowering its velocities with a silvered transparency in its arpeggios whereas percussions remain sober and the synth as well the keyboard are just as much. This is this kind of EM unique to the signature of the Rumanian synth wizzard.
There are still very good movements, even if the feeling to be the happy prisoner of the same hypnotic structures, of cerebral catalepsy in this last segment of the Diamond series. And "Innerspace" is a very beautiful one. Its introduction is linked to its title with layers of intersidereal atmospheres and with lunar orchestrations which waltz and intertwine their floating washes between thick clouds of global sediments and the sighs of big cosmic mammals. A line of throbbing pulsation proposes a cardiac movement of an Alien and isolates a structure of rhythm which gallops constantly through a tide of interstellar winds. This mass of sounds and of urges grows up in a stroboscopic effect while gets grafted a plethora of percussive effects which make the percussions even more ear-catchy. Let's add to it breaths of mist and synth airs on this long structure of which the velocity remains latent and we have the best of Indra puts in less than 20 minutes. "La Cappella" ends this last chapter of the Diamond series with a good structure of down-tempo where we let float our bodies on a floor of mist. Layers of voices, sometimes discreet and sometimes very present, go and come between the shocks of the sonic hoops and of the effects of echoes of the chords which are less hard-hitting and less catchy than these knocks of a pugnacious bass line which hits us into the kidneys. A good down-tempo as lively as meditative!
I admit it! I am and remain an enthusiastic fan of Indra and his music. And it's been a while. I like his long evolutionary structures decorated of sound honey and of transcendental poetry. A little more ethereal than Diamond Four, this “Diamond Five” still has again and always these catchy elements which make of his minimalist music a delight to let devour our ears and sometimes even our brain!

Sylvain Lupari (April 13th, 2018) *****
synth&sequences.com
You will find a way to buy this album on Indra's Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Rien de plus, rien de moins, “Diamond Five” poursuit les mêmes routes de poésie minimaliste qui forgent les 5 albums de cette section Diamond du barde roumain. Des murmures d'une chorale de castrats recouvrent d'une nappe de voix éthérées les miels soniques qui décorent la nébuleuse ouverture de "Elegy for Theya". Les nappes de synthé flottent oisivement dans les caresses de ces voix d'eunuques qui parfois étirent leurs tendresses juvéniles avec une gradation de drame dans leurs octaves. Lent et méditatif, "Elegy for Theya" condamne ses 7 premières minutes sur ces chants et autres murmures sur des nappes de synthé aux parfums anesthésiant. Des pulsations émergent d'une dense brume céleste après ces 7 minutes. Ses battements sont aussi doux qu'un cœur en état d'hibernation et synchronisent le beat ambiant avec ce bassin de voix chastes et d'autres effets électronique miroitant. De pas grand-chose, Indra fait de grandes choses car le musicien roumain est passé maître dans l'art de la MÉ minimaliste. Comme ici où sa prose hypnotique, toujours nimbée de nappes de synthé chloroformées, nous rive à nos écouteurs. "Mar" suit les mêmes préceptes mais avec un peu plus de tonus dans le rythme qui cette fois-ci est sculptée sur un mouvement rotatoire du séquenceur. L'oscillation des accords propose des nuances dans la couleur et les battements et Indra rajoute peu à peu ses éléments soniques qui font les charmes de ses talents d'hypnotiseur sonique. Ici ce sont des pulsations gorgées de résonnances, des cliquetis, des percussions dont les coups aléatoires amplifient ce charme Indra, parce que l'on sent que quelque chose n'est plus à sa place, et finalement de fins solos de synthé charmeurs de sens. La marche sphéroïdale de "Mar" propose une douce vélocité, à peine amplifiée, tant dans la cadence que ce mouvement rotatif du séquenceur dont les accords harmoniques tintent de plus en plus. Vélocité ou pas, percussions ou non, la séduisante progression de "Mar" reste tout de même dans le domaine du rythme astral, du rythme ambiant, alors que la finale s'approche à du rock ambiant pour zombies fatigués de survivre. "Three of a Kind" ne perd pas de temps à se mettre en marche. Ce très bon mouvement pour séquenceur démarre avec une suite d'arpèges qui sautille comme des billes en folies sur un convoyeur. Unissant leurs différentes tonalités cristallines et s'agrippant à une bonne ligne de basse qui roule comme un train fictif, le mouvement épouse alors un down-tempo solidifié par les percussions. Les arpèges de verre pétillent en tous sens, oscillant et tournoyant avec une texture harmonique alors que le clavier tente de suivre la parade et que le rythme devient lentement plus ondulatoire et même un brin spasmodique. Deux minutes plus loin et les percussions reviennent animées un bon up-tempo. "Three of a Kind" évolue donc avec ses phases de musique de danse morphique à la Indra. Tantôt affranchie d'une empreinte ambiante et tantôt étouffée par la masse du poids des séquences, le rythme évolue en entrecroisant ses genres et ses vélocités avec une limpidité argentée dans ses arpèges alors que les percussions restent sobres et que le synthé et le clavier le sont tout autant. C'est le genre de musique unique à la signature du synthésiste Roumain.
Il y a encore de très bons mouvements, même si l'impression d'être le bienheureux prisonnier des mêmes structures hypnotiques, de catalepsie cérébrale dans ce dernier segment de la série Diamond. Et "Innerspace" en est un très beau. Son introduction est en rapport avec son titre avec des nappes d'ambiances intersidérales et des orchestrations lunaires qui valsent et entrecroisent leurs nappes flottantes entre des nuées de sédiments planétaires et des soupirs de gros mammifères cosmiques. Une ligne de pulsation vrombissante propose un mouvement cardiaque d'un Alien et isole une structure de rythme qui galope continuellement dans une marée de vents interstellaires. Cette masse de sons et de pulsions grandit en un effet stroboscopique alors que s'ajoute une pléthore d'effets percussifs qui rend les percussions encore plus séduisantes. Ajoutons à cela des souffles de brume et des chants de synthé sur cette longue structure dont la vélocité reste latente et nous avons là le meilleur d'Indra condensé en moins de 20 minutes. "La Cappella" termine ce dernier chapitre de la série Diamond avec une belle structure de down-tempo où nous laissons flotter nos corps sur un plancher de brume. Des nappes de voix, tantôt discrète et tantôt très présentes, vont et viennent entre les chocs des cerceaux soniques et des effets d'échos d'accords qui sont moins percutants et moins accrocheurs que ces coups d'une ligne de basse pugnace qui nous rentre dans les reins. Un bon down-tempo aussi entraînant que méditatif!
Je m'accuse! Je suis et reste un inconditionnel de la musique d'Indra. Et cela fait un bail. J'aime ses longues structures évolutives ornées de miel sonique et de poésie transcendantale. Un peu plus éthéré que Diamond Four, ce “Diamond Five” possède encore et toujours ces éléments accrocheurs qui font de sa musique minimaliste un délice pour se laisser dévorer les oreilles et parfois même le cerveau!

Sylvain Lupari (13/04/18)